15 de abril de 2024
Listas de lançamentos

Playlist “Além da BR” #13 – Sons do mundo que chegam até nós

além da br

Somos uma revista de arte nacional, sim! No entanto, em respeito à inúmeras e valiosas sugestões que recebemos de artistas de diversas partes do mundo, criamos uma playlist chamada “Além da BR”.

Como uma forma de estende-la, nasceu essa publicação no site, que agora chega a sua 12ª edição. Neste espaço, iremos abordar alguns dos lançamentos mais interessantes da playlist.

Herald K“Wandering Aengus” – (Noruega) – [MINI ENTREVISTA]

– Como foi colocar o poema de William Butler Yeats em música e por que fez isso? Eu tentei fazer isso de uma maneira incomum, na tentativa de me manter fiel ao espírito do poeta e do poema, então eu canto bem devagar, e menos melodiosamente, a fim de tornar as palavras tão claras quanto possível. Enquanto ainda é cantada, minha dicção está talvez se aproximando de um recital, ou talvez de um encantamento. Em seguida, o violão de aço traz mais do elemento melodioso.

Eu tinha gostado deste poema e de algumas de suas versões musicais por muito tempo. Mas um dia, em uma exposição em Dublin, ouvi uma gravação antiga da voz do poeta, e deixou em mim uma semente de inspiração que acabou por me fazer criar esta canção.

– O que traz este poema? Todos nós estamos em nossas diferentes missões na vida, como o vagabundo no poema. Às vezes procurando por nossa garota com flores de maçã no cabelo. Essas maçãs prateadas da lua e maçãs douradas do sol que todos nós experimentaremos em nossos próprios caminhos individuais. Para mim o poema é sobre o despertar de nossa consciência à beleza que pode ser encontrada ao nosso redor…

– E quanto ao som e arranjo, incluindo o fato de que ele inclui elementos da mitologia irlandesa? Eu não diria que meu arranjo é especificamente irlandês. Mas por que teria que ser? Você está certo: o poema contém alusões específicas à mitologia irlandesa, como a aveleira e o deus Aengus, e essa é outra camada de este texto que eu convidaria qualquer um a explorar! Mas eu acho que o poema também é universal o suficiente para ressoar em qualquer lugar. Eu apenas senti a simples combinação do violão acústico, guitarra de aço e baixo trabalhariam com meu vocal e emprestariam singularidade a nossa versão particular desta canção.

Respostas de Herald K

Tanner Carlton“I Think I’m Ready (Plans are so Paper Thin)” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que originou esta música? Meu nome é Tanner Carlton, escrevi essa música depois de um verão tumultuado, onde passei por um rompimento e me mudei para um novo apartamento. Meu colega de trabalho me perguntou se eu estava pronto para voltar ao trabalho (como treinador/professor de ginástica) e isso despertou essa sintonia.
– O que você traz na letra? A letra descreve minha dor e desconforto de seguir em frente na minha vida. Na música, no trabalho, no amor.
– E o som e os arranjos? Eu toco bateria em uma banda americana que cobre muito do Grateful Dead. Eu amo cantores folk antigos como Bob Dylan e Dan Fogelberg. Eu criei essa música com base nessas inspirações.

Respostas de Tanner Carlton

Jack Skuller“Give Yourself A Chance” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Como surgiu a música? “Give Yourself a Chance” é mais intimista e pessoal do que os meus lançamentos anteriores. Na hora de escrevê-lo, eu estava muito inspirado pelas músicas mais românticas de Tom Waits e outras músicas sonhadoras com ritmos pop.

– O que você traz nas letras? Eu queria escrever uma música edificante sobre dar um salto, com notas de encorajamento e romance. No videoclipe da música, adorei conectar a letra à clássica máquina de adivinhação de Zoltar, com a mensagem de que todos devemos nos dar uma chance.

E o som e os arranjos? Gravei a música em Poconos no Velvet Elk Studio de Don DiLego. Don é um grande produtor e adicionou alguns toques de sintetizador muito legais, que eu nunca usei em minhas gravações antes. Tivemos uma grande energia no estúdio.

Respostas de Jack Skuller

Nolan Sorsby“Brokeman Blues” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– De onde veio a inspiração para esta composição? Fui inspirado a escrever essa música enquanto estava na faculdade e estava lutando para sobreviver financeiramente. A carga de trabalho às vezes era esmagadora e eu definitivamente sentia que não estava comendo tão bem quanto poderia, mas naquela época da minha vida eu realmente não tinha outra escolha. A maioria das músicas que escrevo sempre começa com um riff de guitarra, e então penso nas ideias para um refrão e versos depois. Nesse caso, eu criei esse riff de guitarra e pensei que era tão bom e único que tive que usá-lo para essa música.

– O que você acredita ter trazido para o folk blues de bom com essa música? Eu cresci ouvindo muitas bandas de rock e folk dos anos 1970, bandas como Led Zeppelin, Jimi Hendrix e Eric Clapton. Esses artistas pegaram emprestado muito dos músicos de blues e deram seu próprio toque. Hoje em dia, a música blues não é tão popular, mas ainda está sendo escrita. A maneira que sinto que contribuo para o gênero é fazendo um riff de guitarra memorável e um desafio divertido para aprender e tocar. Eu também acho que muitas pessoas podem se identificar com “poor man blues”, mas não há tantas dessas músicas escritas hoje em dia. Talvez canções pop ou rap, mas não canções de blues. Estou feliz por ter a oportunidade de finalmente escrever um. 

O que as letras trazem? Qual é a história e a mensagem? A letra é sobre um homem lutando contra a pobreza e diferentes situações em que ele fala sobre isso. Há algumas partes que estão lá por causa do humor, por exemplo, o primeiro verso explica como “todos os meus dólares vão para casa e comida… mas eu tenho um telefone celular, então estou entretido”. A letra brinca um pouco com a ironia. 
O segundo verso explica uma situação de ir ao supermercado e não ter dinheiro suficiente para comprar as mercadorias. O terceiro verso diz “bem, talvez se eu for para a escola eu não fique falido…” apenas para concluir no último verso “eu lutarei por toda a minha vida”. É um pouco agridoce, mas todo mundo tem que trabalhar para ganhar a vida, até nós músicos. A vida não é pavimentada com ouro e arco-íris para todos nós e tudo bem. 

Respostas de Nolan Sorsby

ChAMBER LANe“4PM” – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]

Qual foi a inspiração para compor a música? “4PM” é uma música sobre relacionamentos que você sobreviveu, os tipos de relacionamentos que costumavam servir de valor à sua vida, mas nunca evoluíram, tornando-se tóxicos. É uma música sobre crescimento, aprender a deixar ir e seguir em frente.

O que a letra retrata? As palavras contam a história de Frontman (Connor Hanson) o título sendo o momento definitivo em que ele terminou um relacionamento que havia sobrevivido ao seu propósito e optou por seguir em frente. A música dá um toque divertido a uma situação séria, faz com que seguir em frente e deixar ir soe como um grande momento.

Comente a sonoridade e arranjos da música. A chave para esse arranjo de músicas em como ele serve à história está todo no drive, tudo é construído em torno do drive da música, os instrumentos trabalham em direção ao refrão, o que ajuda a impulsionar a história em um grande ritmo. O “EI EI!” É uma resposta à multidão, cria uma inclusão, todo mundo já esteve lá, então por que não abraçar?!

Respostas em conjunto da banda

Les Jeux Sont Funk“K2” – (Itália) – [MINI ENTREVISTA]

– Como surgiu a música? Este é o primeiro single do nosso EP “Bergweh”, que é dedicado às montanhas e ao montanhismo. Na verdade, vivemos em um vale cercado por montanhas maravilhosas: as Dolomitas, Grupo Brenta, etc. nenhuma surpresa que sempre gostamos de caminhadas e mochilas. Durante estes últimos anos, especialmente com a última pandemia, as montanhas tornaram-se um lugar seguro (o que é irônico, talvez) onde poderíamos deixar todas as nossas preocupações para trás, mesmo que por apenas um ou dois dias. E, no verão passado, visitando as últimas geleiras dos Alpes, vimos de perto as consequências das mudanças climáticas. A inspiração deste álbum surge de um encontro entre a nossa vida e vivência nas montanhas e a nossa curiosidade pelas sonoridades cosmopolitas da música eletrônica e a energia do funk.
– “K2” é instrumental, mas há alguma mensagem por trás? Nós, italianos, sempre sentimos uma ligação especial com esta montanha. A celebrada, embora controversa, a expedição de 1954 pertence a outra época e ainda provoca fortes emoções hoje. Mais recentemente, o mundo inteiro ficou animado ao presenciar a primeira ascensão de inverno em 2021 por Nirmal Purja e outros nove alpinistas, todos nepaleses: um feito que sancionou – se ainda fosse necessário – a força de um povo, os sherpas, que muitas vezes vivia à sombra de expedições organizadas estrangeiras. A música é dedicada à própria montanha, às promessas de aventura contidas em seu nome (originado de um erro, já que o K2 já foi considerado o segundo pico do Karakorum).
– Há alguma história ou curiosidade sobre este lançamento? Essa música marca nosso retorno ao selo indie italiano Irma Records, que ocupa um lugar de destaque no desenvolvimento da house music italiana e do rap nos anos 80, bem como do funk e da eletrônica a partir dos anos 90. Seu catálogo ainda traz muitos lançamentos com música brasileira ou de influência brasileira (especialmente house e bossa). Há seis anos lançamos nosso primeiro álbum com o Irma, portanto é uma grande honra para nós trabalharmos novamente com uma gravadora que lançou tantos discos excelentes, e ainda faz!

Respostas de Carlos Nardi

Mang“SOBER” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Qual é a origem desta música? “SOBER” é uma música que escrevi na reabilitação junto com os acordes do piano. Assim que cheguei em casa foi a primeira música que gravei. A letra fala sobre um relacionamento passado que o personagem achava que estava se movendo de forma estável e em harmonia um com o outro. O verso significa que o relacionamento foi perdido e o personagem está agora em um centro de reabilitação intoxicado por seus pensamentos sobre o amante do passado.

– Qual é a mensagem? A mensagem de “SOBER” é se relacionar com outras pessoas que estão passando pela mesma luta que você pode superar o desgosto e, às vezes, tomar as medidas necessárias para terapia/reabilitação são totalmente aceitáveis.

– Comente sobre o som e as melodias de “SOBER”. A melodia do piano, como mencionei, foi escrita em uma clínica de reabilitação, eu tocava os acordes repetidamente e eles eram tão curativos para mim. A letra é na verdade uma interpolação de algumas entradas de diário e a melodia vocal foi algo que encontrei imediatamente ao gravar a música.

Respostas de Taylor MacDonald

Julian Taylor“Opening The Sky” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]

– Como essa música veio junto? Ele veio junto enquanto eu estava sentado tocando violão na minha sala de estar. Eu estava olhando pela janela olhando para o lago e o céu. É lindo quando a água e o céu se encontram porque em um dia claro você não consegue dizer qual é a água e qual é o céu. Parece um espaço aberto contínuo e parece que pode durar para sempre.  “Abrindo o Céu” [tradução do título da música] é o significado do nome do meu avô e ele foi um grande professor para mim. Eu queria honrar isso porque acredito que esses ensinamentos também serão eternos. 

– Qual é a mensagem principal e secundária da música? O principal significado da música é dizer à minha filha que, embora o mundo ao nosso redor possa ser complexo e difícil, quando lideramos com nossos corações, podemos fazer qualquer coisa e ajudar qualquer pessoa. Espero que essa mensagem seja algo com que outras crianças, especialmente mulheres jovens, possam se identificar e espero que lhes dê coragem para tentar qualquer coisa que queiram fazer. 

– Como as letras apresentam essas ideias? As letras são palavras de sabedoria e lições de vida que me foram passadas. Agora que muitos dos meus mais velhos transcenderam e faleceram, sinto que é meu dever e responsabilidade continuar com a música deles. 

Respostas de Julian Taylor

roh“hurter” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Qual é o contexto em que essa música nasceu? “hurter” foi escrito sobre estar perto de alguém que você descobre ser abusivo, e todas as emoções, pensamentos e consequências que vieram com isso.

– Qual é a sua mensagem e o que os versos trazem? Você quer, e tenta, dizer a essa pessoa para mudar seus modos e olhar mais profundamente para dentro, mas não vai funcionar e você sabe que não vai. Você os descarta como um personagem contaminado do passado e sabe que o carma voltará. Você não pode mais defender essa pessoa.

– Quais são seus pensamentos sobre o som e os arranjos de “hurter”? O som de “hurter” é bastante paradoxal, comparado às suas letras. As guitarras são quase ironicamente limpas – você esperaria que elas fossem distorcidas e estridentes para a atitude que estamos projetando. Mas, realmente, eles são brilhantes e surfistas. A batida simples e cativante e o baixo groovy são definitivamente uma marca para nós. Ele se depara com uma música “f you”, mas não é realmente composta dessa maneira.
Ah, mas aqueles vocais de telefone foram definitivamente intencionais; é como pegar um megafone e enfiá-lo na cara do agressor. Ah.

Respostas de Roh Booking

Mario the Mood“X Ray Vision” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Quais angústias fizeram nascer a canção? “X Ray Vision” é uma canção sobre como ganhar confiança através do efeito placebo. Uma vez usei um par de óculos X Ray num clube noturno em Nova Iorque, e isso fez-me extremamente confiante e carismático em torno de outros. Mas, na realidade, a confiança vinha mesmo de mim, não de nada que eu estivesse a usar. Demorou algum tempo a reparar nisso.

– O que você traz na letra? Qual a mensagem? A letra desta canção menciona olhar para uma rapariga por quem se está apaixonado do outro lado da sala, e saber que neste momento pode não ser o seu momento para reacender, mas sabe, devido à sua confiança, que você e ela podem “fazer com que funcione sempre que quiserem”.

– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? A história por detrás deste lançamento é quando o meu diretor de videoclips Akaer Studio me comprou um par de óculos X Ray. Ele tinha um par a condizer e estava no clube comigo nessa noite. Escrevi a canção na manhã seguinte.

Respostas de Mario The Mood

Harley Olivia“Cherries” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]

– Achei interessantíssima a ideia da música. Como ela nasceu? Passei muitos anos festejando e tocando minha música pela cidade de Toronto. Trabalhei em um famoso local de música (The Horseshoe Tavern) e me apresentei em várias bandas, então estava sempre bebendo e me divertindo. Então, durante a pandemia tive um tempo longe dessa vida. Tive tempo para me concentrar em mim e revisitar alguns dos meus objetivos de vida. Uma noite, voltei para a cidade e passei por alguns dos bares que frequentava. Eu me senti nostálgico e então escrevi a letra de “Cherries”.

O que você retrata na letra? É uma música sobre crescer, com partes iguais de humor e coração. A letra explora a ideia de fazer escolhas melhores enquanto ainda mantém um espírito livre. Mesmo que a música venha de um lugar de maturidade refletindo sobre o passado, eu queria incluir “Eu ainda posso vir e ficar chapado com você?” porque eu não quero esquecer como cheguei a esse lugar na minha vida ou me mudar DEMAIS. Todos nós ainda temos que nos divertir, cometer erros e aproveitar a vida!

– Acho mais do que importante você comentar a sonoridade e arranjos de “Cherries”. Eu escrevi a letra e a melodia e meu produtor Siegfried Meier escreveu a instrumentação da música e tocou todos os instrumentos. Queríamos que a música tivesse um toque clássico de rock n’ roll para que as pessoas pudessem cantar junto. Também queríamos que tivesse uma vibe retrô nostálgica. Nós nos divertimos muito escolhendo sintetizadores!

– Há alguma curiosidade ou história interessante sobre o lançamento?Eu nomeei a música em homenagem ao meu bar favorito “Cherry Colas”. Infelizmente, o bar fechou recentemente, então eu o chamei de ‘Cherries’ como uma forma de homenagear o lugar onde eu tinha uma comunidade tão maravilhosa de amigos e colaboradores musicais. Eu também incluí muitas fotos divertidas de festas de meus amigos e eu dos meus 20 e poucos anos no videoclipe. (Alguns são muito embaraçosos!) Editar o videoclipe foi muito nostálgico para mim, mas também me fez sentir aliviado por não ficar de ressaca com tanta frequência agora!

Respostas de Harley Olivia

Saddlemen“Out East” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Como surgiu esta música? Durante o pior do início da pandemia, Armando, nosso baixista e co-vocalista, deixou Nova York para encontrar trabalho – e acabou em uma padaria em Long Island. Aquele era um lugar estranho em um momento estranho. O mundo estava se fechando; mas os Hamptons pareciam lotados. Todo mundo em Nova York que tinha uma segunda casa em Long Island estava lá. E a padaria estava sempre lotada. Parecia surreal, como outro universo. “Out East” é sobre esse sentimento incerto e desconectado. Todos esperávamos voltar a algum tipo de normalidade – “fazer o que queremos”. Mas, enquanto isso, estávamos “Out East”, esperando que o mundo nos desse um sinal.

– O que a letra retrata? As letras são sobre essa experiência. “Estarei no Leste, até que acabe. // Fazendo sentido no mar de tudo o que está quebrado.” Aquele tempo foi tão carregado, confuso. Era impossível saber o que o amanhã traria – se todos nós seríamos capazes de nos apresentar novamente. “Só estou tentando acreditar que podemos fazer o que queremos.” Escusado será dizer que estamos muito felizes em lançar este disco e nos apresentarmos novamente!

– Qual é a ideia do som? Nós basicamente tentamos fazer uma música dos Beach Boys! O riff desta música é definitivamente inspirado em California Girls. E nós adorávamos que em vez de cantar sobre a Costa Oeste, cantássemos sobre o frio inverno de Long Island (muito ao leste). Então tentamos manter algumas harmonias firmes e saltitantes, e deixar o groove tomar o centro do palco no que esperamos ser uma música de verão!

Respostas em conjunto da banda

David Myles“Making Believe” – (Canadá)

Em 1955, Jimmy Work, nome importante do country, lançava o clássico “Making Believe”. Décadas se passaram, e agora o músico canadense David Myles faz a sua interpretação desta música. A releitura, vale dizer, faz parte do álbum “It’s Only a Little Loneliness”, que deve ser lançado em breve. Escute a nova “Making Believe” em todas as plataformas.

The Blue Doors“Kick Off Your Shoes” – (Canadá)

O sexto single da carreira da The Blue Doors é um aglomerado de mensagem positiva e boas energias. Segundo os integrantes, “Kick Off Your Shoes” é a respeito de enfrentar as tempestades, consciente de que é um processo natural da vida. “Respire, grite e solte para um pouco de paz de espírito. Às vezes, isso é tudo o que é preciso”, dizem.

Dajé“Down” – (Estados Unidos)

Desde o início de sua carreira discográfica em 2015, a cantora e compositora Dajé deixou claro o que seria a sua sonoridade e conceito artístico. Ela é um caldeirão de ritmos, com o reggae, dancehall, R&B, hip-hop e kompa como influências principais.

“As pessoas perguntam o meu gênero o tempo todo, e eu não sei responder”, diz Dajé. “Sou um verdadeiro artista. Não sei se me encaixo perfeitamente em algum gênero. Eu posso te dar um pouco de pop, um pouco de R&B, um pouco de hip-hop, um pouco de Kompa, um pouco de reggae ou jazz”.

Essas características, alinhadas a outras tão boas quanto, continua brilhando agora com a chegada do single “Down”, lançado neste setembro de 2022, e que serve como cartão postal do trabalho desta artista de heranças haitianas.

Confira!

Subcon“Rot!” – (Estados Unidos)

O músico Subcon reuniu três gêneros musicais, o trap, o punk rock e nu metal para cantar uma letra poderosa. Na letra de “Podridão” (tradução do título), o norte americano narra a trajetória de um eu lírico insatisfeito com o que o mundo espera dele. O tom da música é zombeteiro e indiferente, e o eu lírico passa a refletir sobre os anos que viveu tentando se encaixar e agradar à todos.

O release enviado à imprensa traz um pensamento a respeito: “Por que quebrar suas costas para aqueles que acabarão por esfaqueá-lo de qualquer maneira? Essencialmente, ele vê a sociedade como uma fossa podre de assimilação; uma da qual ele não quer fazer parte – é ou puxar-se pelas raízes e ousar ser diferente, ou entrar na fila para apodrecer com o resto.”

Esta música agora faz parte de uma discografia que se iniciou em 2019. Desde então, Subcon realizou vários lançamentos, todo tão importantes e relevante como “Rot!”. Confira!

Bayline“Marooned” – (Holanda)

A nova canção da banda holandesa Bayline é urgente. A letra, que é acompanhada por uma sonoridade pesada, faz referência ao desesperador momento em que jovens órfãs se tornam sem-teto ao completarem 18 anos e perderem o apoio governamental e social dos abrigos. É então que vão para as ruas sem dinheiro, sem emprego e aparentemente sem esperança e futuro. Escute isso!

VÉR“Enlight Me” – (Austrália)

Bem ao estilo hip hop, mas com referências de outros gêneros musicais, a nova música de VÉR é voltada para o progresso humano, mas aquele que emerge de dentro de nós. “Esta música é sobre reconhecer a divindade dentro de você e fazer a escolha de avançar em todo o seu potencial através do amor próprio, desenvolvimento pessoal e alquimia espiritual.”, diz o artista.

TDK – “1988” – (Alemanha) – [MINI ENTREVISTA]

– A origem desta música é bem triste. Sim, senão não escrevo peças tão tristes. Para ser honesto, eu estava um pouco preocupado que as letras fossem muito bregas.

– As estrofes nos mostram exatamente quais passagens dessa história? Nas estrofes, descrevo o encontro emocional com minha mãe, que morreu jovem.

– Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre este lançamento? Gravei a faixa com um grande amigo porque não conseguia fazer isso sozinho. Nós dois percebemos que somos grandes fãs de Sufjan Stevens.

Respostas de Peter Tiedeken

Nadia Schilling“Morning” – (Portugal) – [MINI ENTREVISTA]

Quais angústias fizeram com que esta música nascesse? Esta canção surgiu de um momento no qual a distância a alguns acontecimentos menos felizes me permitiu observar angústias e emoções mais intensas com algum distanciamento. Por isso “Morning” é construída a partir de uma ideia acerca do que é aquele momento frágil e ténue de transição de um estado de desalento, de alguém que foi vencido por algo, que está até dormente, para algo mais positivo, mais reactivo, mais leve e de quem volta à luta se for necessário. No fundo é uma música que surge em torno de uma ideia de perseverança. A perseverança que tento encontrar em mim, a que observo naqueles com quem me vou cruzando, e a de desconhecidos que habitam as histórias que me vão chegando.

Quais são as reflexões retratadas na letra? É uma reflexão acerca dessa mesma perseverança e esperança que vive apesar dos obstáculos e das incertezas. Uma força que tem de ir sendo resgatada num processo que é inevitavelmente individual e solitário, mas que de certa forma muitos de nós vamos partilhando, e que, por isso mesmo, nos vai unindo. A pandemia e os muitos acontecimentos dramáticos que se seguiram pelo mundo fora, esmagadores, acabaram por reforçar esta ideia. É ainda uma reflexão sobre aqueles que apesar das suas lutas, por vezes gigantescas, se mantêm gentis e generosos.

– Qual a mensagem dela? Que apesar dos momentos de desalento, mais difíceis, se nos mantivermos corajosos (talvez teimosos!), se nos mantivermos fiéis ao que faz o nosso coração bater mais forte, aos nossos princípios, será possível reencontrar a beleza e o deslumbramento.

O quê “Morning” revela do seu novo álbum? Neste disco, que foi produzido por mim e pelo Adriano Cintra (do Cansei de Ser Sexy, Madrid, Butcher’s Orchestra, Caxabaxa, entre outros projetos), pudemos fazer alguma experimentação na pré-produção, misturando os elementos mais simples e clássicos, como o violão ou quarteto de cordas, que já existiam no disco anterior, com elementos electrónicos através utilização de sintetizadores, guitarras com efeitos e camadas de vozes. “Morning” acaba por ser um bom exemplo dessa experimentação que nos levou a um estilo híbrido de singer-songwriter, indie, jazz e shoegaze.

Respostas de Nádia Schilling

Antsy – “Cosmic Love” – (Islândia) – [MINI ENTREVISTA]

– O que originou a música? Eu estava querendo escrever uma música influenciada por “kosmische musik” por um tempo. Kosmische musik (também conhecido como krautrock) é originário do início dos anos 70 na Alemanha, e ficou famoso por bandas como Neu! ou pode. Influenciou muitas bandas contemporâneas que eu amo, como Radiohead e Sonic Youth, e sempre fui atraído por essa batida motorik e esse tipo repetitivo de linha de baixo. Eu queria fazer uma música que lembrasse esse gênero, mas também queria fazer minha própria versão dele: uma música bem pop e animada.

– O que vocês trazem na letra? As letras são sobre o sentimento de amor. Sobre a maneira como você se sente quando está apaixonado por alguém e sobre como esse sentimento se manifesta fisicamente. Um sentimento tão poderoso e avassalador.

– O que dizer da sonoridade arranjos? Comecei escrevendo a linha de baixo, os vocais e a batida da bateria. Esses três elementos foram a base da música, aos quais se juntaram rapidamente o arpejo hipnótico quando comecei a trabalhar com meus sintetizadores. O gancho do sintetizador e as cordas vieram até mim quase por acidente, apenas cantando algumas linhas sobre a base da música.

Eu queria fazer algo repetitivo, mas não queria que fosse chato. É por isso que a música é meio que dividida em três partes. Uma primeira parte muito pop e animada, uma segunda parte misteriosa e bem diferente que funciona tanto como uma pausa quanto uma introdução à terceira parte e, finalmente, a terceira e última parte da música que é uma mistura edificante das duas partes anteriores.

Respostas de Antsy

Family Habits“Mackerel Sky” – (Reino Unido)

A Family Habits, formada por pai e filho, chega ao seu novo single, o bem desenvolvido “Mackerel Sky”. A faixa segue as influências do duo, o funk e o neo soul. No arranjo, eles fizeram bom uso dos elementos do psicodelismo e da música eletrônica, com nuances jazzísticas e melodias virtuosas. Essa sonoridade especial acompanha uma letra que fala sobre auto aceitação, mas com uma conotação leve e divertida. Confira!

Ryan Hicks“Am I Going To Die (Hot Windy Palms)” – Canadá – [MINI ENTREVISTA]

– Como essa música se juntou? A música surgiu durante a pandemia. Eu ouvi uma conversa entre uma menina e sua mãe onde a menina caiu, cortou o joelho, viu sangue e perguntei para a mãe dela se ela ia morrer (a menina). Sua mãe a confortou e disse que tudo ficaria bem. Durante a pandemia eu estava pensando sobre essa experiência e como era quando eu era criança procurando conforto quando estava com medo.
– Qual é a mensagem principal e secundária da música? A mensagem principal é o amor. Ter um ente querido nos conforta quando estamos com medo e precisamos de segurança. Como adultos, sinto que ainda precisamos disso, mas quem está lá para nos dizer que tudo ficará bem? A mensagem secundária é ver o que é a vida a partir dos olhos de uma criança. A música é contada da perspectiva de uma garotinha perguntando o que acontece quando morremos (por exemplo, viramos borboletas, é como acender e apagar uma luz)? A verdade é que não sabemos e eu queria capturar um sentimento de admiração da mesma forma que uma criança pode ver o mundo.
– Como as letras apresentam essas ideias? A letra é a voz de uma garotinha. Eu encarei como um desafio criativo tirar “eu” e minha personalidade da música e entregar a música do ponto de vista de uma criança. A ponte e o último verso são especialmente poderosos quando ela diz: “O mundo é tão bonito. Eu te amo.” E depois “para ser tão livre, o que eu podia ver? Eu poderia encontrá-lo novamente?”
Isso implica que ela encontrará sua mãe no céu (ou onde quer que formos) daqui a muitos anos. Ao me tirar da música, encontrei uma maneira interessante de fazer essas grandes perguntas, mas propositalmente não as respondi, pois realmente não sei e me pergunto sobre elas da mesma maneira que a garotinha faz.

Resposta de Ryan Hicks

Under the Reefs Orchestra“Mendoza” – (Bélgica)

O power trio Under the Reefs Orchestra tem um som atípico, que muito provavelmente irá espantar você, de maneira positiva, claro. O grupo se define como um “trio vulcânico que navega entre o pós-rock hipnótico e o jazz tempestuoso, e sempre oscilando no limite”. Formado pelo guitarrista Clément Nourry, pelo saxofonista Marti Melia e pelo baterista Jakob Warmenbol, o conjunto entregou neste 2022 seu quarto single de estúdio, o fortíssimo e elegante “Mendoza”, música que antecede o lançamento do disco “Sakurajima”, via Capitane Records.

Consideramos, portanto, “Mendoza” um caminho mais do que interessante para você, leitor, mergulhar no universo vulcânico da Under the Reefs Orchestra.

Jay Wires“Time and Space” – (Estados Unidos)

Em breve, o cantor e compositor estadunidense Jay Wires lançará seu EP de estreia. Até o momento, como forma de apresentar um pouco do trabalho, o cara lançou dois singles. O mais recente é “Time And Space”, mais uma canção de amor.

Segundo ele, a música foi escrita em 2019 após uma longa argumentação com sua ex-namorada. “Minha solução para as discussões sempre foi conversar o mais rápido possível para superá-las, enquanto a dela precisava ficar sozinha, tomando tempo e espaço antes de voltar.”, conta ele.

“Time And Space” é, portanto, o segundo lançamento de Jay, e também um bom chamariz para o que o artista prepara para o futuro próximo.

Confira!

Snailmate“Trash, Baby” – (Estados Unidos)

A carreira fonográfica da banda Snailmate iniciada em 2017 segue seu percurso com o single “Trash, Baby”, lançado neste setembro de 2022. Baseada no rock alternativo, a música é sobre o síndrome do impostor (saiba mais), que, entre outros fatores, é quando os feitos e realizações não são reconhecidos, ficando a sensação interna de que “se é um merda de qualquer jeito”. Batemos palmas para a banda, pois o assunto ainda é pouco conhecido e desbravado na sociedade. Confira “Trash, Baby”!

Rosanne Baker Thornley“Sorry I’m Late” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]

– Como nasceu essa música? A música título do meu novo álbum, “Sorry I’m Late”, foi inspirada em um momento em que um amigo ia nos atrasar para uma reunião – mais uma vez. Eu brinquei que, dado o meu histórico de chegar atrasado, eu poderia acrescentar um aviso de “desculpe o atraso” na minha assinatura de e-mail. Esse foi o momento ah-ha de encontrar o nome do meu álbum. Um título que resumia perfeitamente a experiência das músicas do álbum, e o fato de eu ter esperado um bom tempo entre meu primeiro álbum e este novo álbum.
E então eu escrevi uma música em torno desse título. Na verdadeira forma de ser marginalizado pela paixão, eu estava indo para o meu estúdio um dia com um dia inteiro pela frente, café na mão, fazendo malabarismos com meu laptop e notebooks – mas parei por um segundo no piano porque eu tinha uma ideia para a música. Não querendo ser pego escrevendo naquele momento, decidi ficar ao piano ao invés de sentar e toquei algumas notas. De repente eu podia ver a música inteira na minha frente… então me sentei. Lol. 4 horas depois eu olhei para cima com a maior parte da música esboçada.
– Qual é a mensagem principal? Como você utiliza os versos para mostrar isso? “A vida é o que acontece quando você está ocupado fazendo planos”. Você pode ter todos os objetivos que quiser para o futuro, mas o que não vai mudar é que sua vida é vivida momento a momento, dia a dia. A vida se desenrola no aqui e agora e muitas vezes o leva para onde você não planejava ir ou você fica em algum lugar confortavelmente por mais tempo apenas porque. Como o refrão afirma – “Desculpe, estou atrasado – mas há 1000 coisas que eu tive que fazer hoje, e outras 1000 coisas que eu adoraria perseguir, que têm que esperar … desculpe, estou atrasado.”
– Por que você decidiu as escolhas de som/arranjos para a música? Fiz esta pergunta a Will Schollar, meu produtor/arranjador/multi-instrumentista – e aqui está a resposta dele:
Eu sou influenciado por muitos gêneros diferentes. Embora eu goste de sons retrô, também adoro novos sons. Meu estilo de produção usa uma mistura de elementos acústicos e sínteses modernas. Este álbum apresenta elementos ao vivo por toda parte. Eu senti que capturar isso no início do processo teve um efeito profundo na energia das músicas. Junto com isso, uma grande variedade de equipamentos analógicos vintage foram usados ​​na gravação e mixagem, o que traz o calor (algo que eu sou um grande fã). Você pode realmente dizer quando uma gravação é super digital, o que não é ruim, mas o analógico ganha se você os colocar lado a lado. Existem dinâmicas e outros elementos intrincados que são embelezados por equipamentos analógicos.
Antes de começar as gravações finais do álbum de Rosanne, decidi passar um bom tempo organizando as demos. Geralmente eu vou para o tom de uma performance que adiciona o elemento perfeito, e uma vez que estou feliz com meu arranjo, eu substituo as faixas da cama. Enquanto às vezes a versão demo de uma parte se encaixa e eu não consigo superá-la, “Sorry I’m Late”, começou comigo e com o baterista Mark Kelso. Isso nos permitiu adicionar o poder desejado nos lugares certos e, a partir daí, gravei partes com um clima que capturou o sentimento da música.  
Eu sou um guitarrista em primeiro lugar. O projeto de Rosanne foi inspirador de muitas maneiras. Embora eu tivesse total domínio para criar sons atmosféricos que você esperaria de um sintetizador ou teclado, em vez disso, utilizei minha pedaleira para criar texturas e tons interessantes. Usando influências mais experimentais, sinto que essa música, assim como as outras músicas do álbum, leva a uma paisagem sonora de filme que você quase poderia descrever como cinematográfica.  

Respostas de Rosanne Baker Thornley

Bernd Voss – “Stop Reminiscing” – (Espanha) – [MINI ENTREVISTA]

– O que originou esta canção? Compus esta canção quando estava a recuperar de uma doença em Fuerteventura. A foto de capa é uma praia vulcânica em Fuerteventura.
– Há alguma mensagem por trás deste instrumental? A mensagem é não olhar para trás, mas aproveitar o presente.
– O que dizer da sonoridade do single? O som é quente e relaxante. Dominado por guitarras acústicas e percussão suave.

Respostas de Bernd Voss

Bulkington – “Sky of My Mind” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que “Sky of My Mind” nos diz? “Sky of My Mind” diz que aquele bulkington aprecia um bom escapismo.

– Qual é a mensagem da música? A mensagem é que a mente é capaz de algumas coisas muito poderosas.

– Há alguma história interessante sobre o lançamento que você queira nos contar? Bulkington começou a escrever essa música no Quirguistão e depois terminou em Carbondale, Illinois, a muitos quilômetros de distância e muitos anos depois.

– Quais elementos fazem parte do som? A música é composta de muitos elementos, incluindo valsa country, sub baixo, sinos de vento e muita caminhada.

Respostas do compositor Maximilian Martini

Plasma Chasms“Terminal” – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]

Qual foi a origem dessa música? 

Este é um trabalho profundamente pessoal e introspectivo. Surgiu depois de uma discussão com um parceiro romântico e se tornou uma peça para eu me expressar.

– O que a letra de “Terminal” nos diz? 

[risos] No mínimo, é uma visão da minha mente perturbada. No máximo, é um comentário sobre como nossos pensamentos podem sair do controle e criar narrativas que não existem de verdade. O refrão atua como a voz da razão, gentilmente assegurando ao ouvinte que tudo ficará bem. Os versos agem como os pensamentos descontrolados que temos que acabam em espiral.

– Comente sobre o som e os arranjos da música.

A abordagem que tomamos nos versos, com guitarras pesadas e distorcidas simulando os pensamentos borbulhantes, foi criar uma vibração desarticulada e cada vez mais desesperada à medida que crescia no refrão. Isto é para simular a espiral crescente do estado mental. À medida que os pensamentos do protagonista começam a espiralar mais, as vozes entram e os swells de guitarra e reverberação ganham intensidade. Isso inclui atraso de tremolo e chorus para criar uma sinfonia de sons de guitarra. No refrão, queríamos criar uma sensação de calma dentro da tempestade com as vozes e letras. A intrincada linha principal de circo e os sintetizadores são uma representação da loucura que está esperando do lado de fora da porta. Termina em uma fúria semelhante a uma tempestade de vento para denotar que todas essas são tempestades pessoais que enfrentamos quando entramos em relacionamentos que desafiam nossa confiança um no outro.

Respostas em conjunto de Adriano e Jane

Chadwick Johnson“Unbreakable” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que (ou quais eventos) te inspirou a compor “Unbreakable”? “Unbreakable” é uma resposta feroz às lutas que podem nos abalar, mas nunca nos quebrarão. Eu escrevi “Unbreakable” em uma época em que tudo na minha carreira musical havia sido tirado de mim. Na verdade, muitos de nós se sentiram assim durante a pandemia. Nós, como músicos, procuramos aproximar as pessoas através da bela e inigualável conexão da música. Essa música foi escrita em um momento em que eu estava me sentindo forte novamente. Eu estava me sentindo como se estivesse avançando inabalável e inquebrável em minha busca para me recriar. Então, em última análise, é sobre minha capacidade de trabalhar e superar a luta. É sobre resiliência!

– Achei a melodia e os arranjos bastante envolventes, intensos. O que dizer sobre isso? Quando começamos a construir a faixa e planejar a produção de ‘Unbreakable’, foi muito importante para mim que a instrumentação e o arranjo combinassem com as letras e fizessem o ouvinte se sentir tão forte e resiliente quanto a história que eu estava cantando. Tinha que ter uma sensação épica e acho que as cordas que adicionamos realmente ajudaram a trazer a emoção de uma maneira sutil, mas poderosa. Espero que os ouvintes sintam isso. 

– Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre este lançamento? A tecnologia moderna realmente me ajudou como artista independente a dar vida a essa música. Nós gravamos a banda em Nashville com músicos realmente incríveis, então eu vim para Vegas onde gravei as cordas e os vocais e então tudo foi enviado de volta para Nashville para mixagem e masterização. Então é tão legal poder reunir músicos talentosos em diferentes cidades em uma única música. 

Respostas de Chadwick Johnson

Matt Foster“Billy” – (Canadá)

“Billy” é uma canção que não requer grandes explicações, basta entender que é sobre um amor impossível. “É para quem sente que não pode amar quem ama abertamente”, diz o cantor e compositor canadense Matt Foster.

Dead Parrot Society“Class of ’94” – (Noruega)

O quarteto de Oslo (capital da Noruega) tem um novo single na pista, dando sequência a sua sonoridade punk-rock, apresentada pela primeira vez em 2018 com o single “Give Me Alcohol”. Intitulada “Class Of ’94”, a nova música remete ao jeito punk-rock californiano da juventude dos adolescentes dos anos 1990. “As letras lembram os dias em que até as coisas mais estúpidas que fazíamos com nossos amigos pareciam momentos felizes.”, diz os integrantes.

A canção está disponível nas plataformas de streaming, e é o primeiro aperitivo do próximo EP da banda. Confira!

Dan Oakon“Sweet Angel” – (Estados Unidos)

Logo em seu single de estreia dentro da Acoustic Seed Records, o cantor e compositor norte americano Dan Oakon fez um gol daqueles. Intitulada “Sweet Angel”, sua nova música vai na contra maré da sofrência amorosa. Na letra, que é embalada por uma sonoridade pop-folk, o cara reverencia um relacionamento que deu certo: o seu próprio casamento. Os versos traduzem em música sua memória divertida e feliz de quando ele e sua esposa se conheceram. Um brinde à esta bela música!

Riverwoods“You And Me Against The World” – (Suécia) – [MINI ENTREVISTA]

O que deu origem a essa música? O compositor da música estava trabalhando em um projeto para escrever músicas em torno do filme “O Gladiador”. Essa música se relacionaria com os personagens principais desse filme.

– O que você diz nas letras? É fundamental encontrar seu próprio caminho na vida e cumpri-lo.

– Qual é a mensagem de “You And Me Against the World”? O amor pode superar os maiores obstáculos.

Chucky Trading Co – “Your Freedom” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Conte-nos o que fez essa composição surgir? “Your Freedom” foi uma das músicas que escrevi durante o isolamento do COVID. Minha esposa estava presa em Nova York e eu estava a 2100 km no Kansas e não pudemos viajar por 5 meses. Eu escrevi um álbum inteiro de material naqueles 5 meses. As músicas foram escritas a partir das minhas emoções, mas não eram realmente autobiográficas. São mais contos que expressam as frustrações, o amor, a saudade, às vezes a raiva daquela época usando personagens e enredos fictícios. Eu vivi com meu violão Martin de 6 cordas por 5 meses. Musicalmente, eu estava voltando à minha infância ouvindo as músicas dos anos 1970 e 80. Isso realmente influenciou o estilo do álbum. Quando gravamos as músicas, meu produtor e colaborador, Everett Young, trouxe sua própria bagagem musical para a mixagem, então há um sabor de jazz e orquestra nos arranjos. “Your Freedom” foi descrito como o que poderia acontecer se Jimi Hendrix participasse de uma gravação de Byrds. A música começa com um violão chimey de 12 cordas, mas se transforma em guitarra elétrica crua no meio do caminho, tudo com vocais no estilo folk rock. Foi muito divertido juntar a Your Freedom!

– O que as linhas de “Your Freedom” nos dizem? Bem, cada ouvinte pode ouvir algo diferente. As emoções são sobre solidão, amor perdido, a ilusão de liberdade. A linha de abertura, “Quando o vento está vivo, Quando ele sussurra seu nome” captura a sensação de que aquele que você ama, mas perdeu, ainda está com você nos sussurros do vento.

Estou contando os dias em seu coração
Estou vivendo as noites em sua mente
Você não pode escapar de sua liberdade
Você não pode me dar o que é meu

Este é o refrão, e para mim fala sobre estarmos separados, contando os dias e as noites, solitários e livres. Eu pertenço a você e você pertence a mim, mas não podemos dar um ao outro o que realmente queremos, que é tempo juntos.

Respostas do CS Taber, cantor e compositor.

We Are Compass Worship“Wreck All My Plans” – (Estados Unidos)

Para o público evangélico, a Bíblia tem sempre palavras que consolam, para todas as ocasiões. No caso da banda gospel We Are Compass Worship, a pandemia e suas facadas na humanidade encaminhou para um versículo em especial, Efésios 3, que diz “Ora, toda a glória a Deus, que é poderoso, pelo seu grande poder que opera em nós, para realizar infinitamente mais do que pedimos ou pensamos”. Segundo os integrantes, eles chegaram a essa passagem e, por meio dela, se encorajaram a continuar a viver, uma vez que “Deus ainda está no controle e tem mais para nós do que podemos esperar ou imaginar”, como disse um deles.

Vale dizer que “Wreck All My Plans” é a sequência de uma carreira discográfica recente, iniciada em 2020 com o single “Saints All Singing”. Consideramos, portanto, este lançamento um bom caminho para conhecer as outras quatro canções já lançadas pelo grupo.

Boa aventura, caros leitores!

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Fundador e editor da Arte Brasileira. Jornalista por formação e amor. Apaixonado pelo Brasil e por seus grandes artistas.