Somos uma revista de arte nacional, sim! No entanto, em respeito à inúmeras e valiosas sugestões que recebemos de artistas de diversas partes do mundo, criamos uma playlist chamada “Além da BR”.
Como uma forma de estende-la, nasceu essa publicação no site, que agora chega a sua 14ª edição. Neste espaço, iremos abordar alguns dos lançamentos mais interessantes da playlist.
Alex Tea – “Evolution” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou “Evolution” e o que sua letra nos diz? “Evolution” surgiu de um poema sobre enfrentar os desafios da vida através de evoluir, mudar, se revolucionar. Foi gravado remotamente durante os primeiros meses da pandemia em 2020, com colaboração de músicos nos EUA e Canadá, e mixado/masterizado no Brasil.
– A respeito da sonoridade do single, o que você pode nos dizer? Uma base roots reggae de bateria solta e baixo pesado, metais ricos, com momentos psicodélicos no arranjo, e uma sonoridade profunda e escura
– Este é o primeiro single do seu álbum de estreia. O que isso representa? Este single representa mais um passo na minha história como artista solo, continuando um trabalho quase 20 anos cultivando e refinando o meu único sotaque na reggae music.
Respostas de Alex Tea
Francis Larson – “Elsewhere” – (Estados Unidos)
O cantor, compositor e multi-instrumentista do Arizona, Francis Larson, viveu grande parte de sua vida como artista de rua, passando por mais de 30 países ao redor do globo. Esse fato, alinhado à sua paixão em conhecer pessoas, lugares e culturas ao longo deste percurso, o faz criar peças musicais aquém do comum. O exemplo mais recente desta verve artística é o single “Elsewhere”.
Nele, o cara é simples, mas, ao mesmo tempo, complexo. O arranjo é minimalista, o que destaca a letra ao formato capella, ora ou outra abençoada por violão e piano leves, além de trechos de violoncelo. Quanto à letra, “Elsewhere” é mais uma canção de amor. “Essa música surgiu do duelo de desejos de sair da cidade onde eu morava ou ficar e esperar para ver se um amor voltaria, sabendo que provavelmente eu seria mais feliz em outro lugar.”, diz o músico.
Tolga Tanyel – “Mabon” – (Reino Unido)
Aparentemente, “Mabon” segue rastros do rock progressivo da banda Pink Floyd e outras relacionadas. Exuberante em psicodelia e em elementos sonoros incomuns, “Mabon” é uma música de fortaleza, apropriada para uma viagem aquém do esperado. Ouça em todas as plataformas e, caso queira ir além e tentar decifrar a mensagem, assista o clipe no Youtube.
Martin Fabricius Trio – “A Very good man” – (Dinamarca) – [MINI ENTREVISTA]
– Em termos gerais, o que “A Very Good Man” representa e simboliza? Conheço alguns homens muito bons. Meu pai foi um deles. Esta música é a sua música de saída. Cavalgando em direção ao horizonte e ao pôr do sol enquanto os créditos finais passam. Enquanto você ouve, sinta-se à vontade para colocar seu próprio herói falecido nessa sela.
– Tenho a mesma dúvida em relação à capa do single. O que ela nos diz? Estou usando a mesma capa para o single e para o próximo álbum, “Novo Mundo”. O álbum trata de encontrar tempo, sentir-se conectado, jornadas imaginativas, a pandemia, tentar comer menos carne (talvez) e temas de perda e amor. Assim como a capa, a música pinta em tons pastel um mundo que está mudando antes mesmo de a tinta secar.
– O que você pode nos dizer sobre a banda? Jacob Hatholt está tocando bateria, Andreas Markus o baixo e eu estou atrás do vibrafone. Tocamos juntos há mais de uma década, tocamos mais de 100 shows juntos e viajamos milhares de quilômetros juntos. Quando tocamos juntos, lemos as mentes uns dos outros e improvisamos livremente com a forma. Considero Jacob e Andreas como família.
Respostas de Martin, líder da banda e responsável pelo vibrafone
Louer – “God Save Me” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Em que momento você sentiu a necessidade de escrever esta música? Então eu escrevi esta música enquanto estava passando por um momento muito sombrio da minha vida. Não vou entrar em detalhes, mas foram alguns dos piores momentos da minha vida. É uma música sobre autodestruição e sentir que você está preso no estado em que está e foi isso que senti para mim. Eu felizmente ultrapassei esse tempo e na verdade estou muito melhor, mas senti que seria uma injustiça se eu não fizesse e lançasse essa música.
– Qual é a mensagem? Bem, a mensagem que eu estava tentando alcançar era que nunca é tarde demais para obter ajuda. Quando fiz essa música, pensei que era tarde demais para mim. Olhando para trás, porém, eu tinha tantos pontos de venda que eu poderia ter ido, mas nunca o fiz. O ponto que estou tentando mostrar é que nunca é tarde demais para obter ajuda para si mesmo e que sua saúde mental é importante.
– O que você pode dizer sobre a sonoridade, os vocais e o arranjo? Com essa música, eu queria ultrapassar os limites do gênero, como fiz no passado. Eu queria combinar versos descontraídos de hip hop com um refrão animado que você pode pular. Eu adicionei alguns 808s de grande sonoridade para destacar os versos e, em seguida, apenas uma leve distorção nas guitarras para o refrão. Originalmente, os acordes de guitarra seriam apenas o sintetizador que você ouve durante o refrão, mas eu decidi adicionar as guitarras. O conteúdo lírico basicamente dita como eu estava me sentindo ao escrever essa música. São letras mais sombrias que se destinam a alcançar as pessoas e realmente fazer com que as pessoas se lembrem e pensem.
Respostas de Louer Forsthoffer
The Dorons – “White Room” – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou esta música? A música foi originalmente gravada pelo Cream 1968 com Eric Clapton, Jack Bruce e Ginger Baker.
– O que você traz na letra? Letra e música de Pete Brown e Jack Bruce. As letras são misteriosas e oníricas.
– Como você avalia o som/arranjos da música? O arranjo dos Dorons usa a mesma instrumentação do original, além de harmonias vocais de fundo.
Respostas de The Dorons
David Arn – “Watershed” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que tornou necessária esta composição? Como nasceu? O projeto atual é um álbum chamado “Watershed”. É rock suave, música acústica com violão e piano. As canções foram escritas durante a pandemia. São canções que você pode encontrar em uma playlist contemporânea adulta.
“Watershed” é a canção título. Ela trata do PTSD [transtorno do estresse pós-traumático], angústia e esperança de um soldado. É uma canção escrita para um amigo. Se você tem uma certa idade, você já viu a guerra e provavelmente conhece aqueles para quem a guerra nunca terminou realmente. É um assunto que eu queria explorar musicalmente há algum tempo. Estamos falando de pessoas que serviram nosso país, voltaram à vida civil e anos depois, mesmo décadas depois, um evento desencadeante as coloca de volta à guerra.
O fantasma de meu amigo e o de algumas outras pessoas que conheci que eram veteranos do Vietnã influenciaram o conceito da canção.
– O que diz a letra da canção? Qual é a mensagem? A faixa título do novo álbum é “Watershed”. Ela começa com a história de um ex-soldado que está passando por um momento difícil. O próximo episódio é quase uma alegoria para a mãe de Jesus e a angústia e a auto conferência devastadora que ela provavelmente sofreu com a morte de seu filho. Em ambos os casos, a Irmã Esperança está liderando o caminho para a bacia hidrográfica. A letra da música termina com:
“Se alguma vez você perder de vista o divisor de águas
com seu fluxo infinito em direção aos dias vindouros
Ir às cegas para as rotas mapeadas ao sol
Vá para a rua e sua viagem será desfeita
na milha mais escura onde correm correntes torcidas.
Fique de olho na bacia hidrográfica”.
– Com relação ao som e aos arranjos, quais são suas considerações? O processo de produção foi desafiador desde que ficamos em quarentena. Eu trabalho com músicos experientes no Reino Unido e em Israel.
Gravei uma faixa com violão e piano e depois enviei o arranjo junto com uma demo Mp3. Quando eles devolveram seus caules, eu a montei em meu estúdio em casa. Por esta razão, os arranjos são subestimados.
O estilo acústico suave do álbum é ideal para o meu tipo de música porque muita ênfase é dada à letra da canção. É importante para mim assegurar que o ouvinte ouça as histórias e reflita muito sobre elas da maneira como você poderia fazer com canções de Leonard Cohen, Charles Aznavour ou Serge Gainsbourg.
Respostas de David Arn
Emei – “Regrets” – (Estados Unidos)
A cantora e compositora sino-americana Emei já é conhecida por suas letras completas de reflexões e melodias para o ouvinte navegar-bem. Estas duas características se mantém vivas e quentes em seu novo single, “Regrets”, que tomou forma a partir de algumas anotações mentais durante a noite, onde os arrependimentos da cantora preenchiam o papel imaginário.
“Começa com uma lista sarcástica alegre e se transforma em todas as coisas que eu não deveria ter feito e as coisas que eu gostaria de poder mudar. Embora no início seja uma balada lenta, eventualmente atinge um pico paralelo à minha frustração comigo mesma.”, diz ela.
Esta é o novo e belo ataque de Emei, artista de pop alternativo de Los Angeles que recomendamos atenção!
Golden Feather – “You’ve Been On My Mind” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual é o significado por trás da letra de “You’ve Been On My Mind”? Escrevi essa música para um amigo de infância. Ficamos perto por muito tempo. Ele começou a lutar com problemas de abuso de substâncias à medida que envelhecemos e chegou a uma zona muito baixa. Por mais que eu tentasse alcançar, ele se afastava. Acho que ele carregava muita vergonha. Essa música é uma maneira de enviar alguns sentimentos positivos para ele. Deixe-o saber que ele não está sozinho.
– Como nasceu a música? A maioria das músicas que escrevo começam dentro da minha cabeça. O zumbido de uma melodia, um gancho melódico aqui e ali. Gravei a maioria das sementes no meu aplicativo de memorando de voz no meu telefone, enquanto passeava com meus cachorros. Então comecei a pensar no meu amigo, e as letras começaram a vazar. Foi um processo muito catártico colocar esses pensamentos em melodia.
– Como foi o processo criativo? É ótimo trazer músicas para essa banda. Tínhamos uma demo bruta – mas os arranjos realmente começaram a se formar e florescer quando pudemos tocar essa música ao vivo e em estúdio. Pequenas rugas aqui e ali. Nós tropeçamos nos licks que cercam a música enquanto ensaiamos.
– Em relação ao som e arranjos, quais são suas considerações? Nosso objetivo é deixar o máximo de espaço possível – para não sobrecarregar a melodia vocal. Trate-o gentilmente e veja o que é necessário. De uma perspectiva de som, estamos procurando intimidade. Queremos que soe próximo e real. Não editamos muito – tentamos manter a verdadeira essência das gravações – o que é difícil de fazer na era moderna.
Respostas de Golden Feather
Sasha & The Bear – “Wake me up” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você traz na letra. [o artista respondeu esta pergunta com a tradução da letra]
“Acorde-me, nunca dormi por tanto tempo
Eu não sei onde estive, eu sei que não estou sozinho
Me tire, é nossa chance de brilhar
Não preciso de você durante a noite, queremos mantê-lo leve
Nós não Não precisamos de nossa perda para durar
Nós vamos apenas vagar no tempo, encontrar um quarto com esperança
Não se preocupe, nunca vai ficar chato
Nós vamos rachar enquanto estamos indo
Nós vamos rachar enquanto estamos indo
Acorde-me, tem sido muito tempo dentro
Minha cabeça virou ferrugem Eu sei que você vai
facilitar nosso passado
Me tirar, é a nossa chance de brilhar
Não preciso de você durante a noite, queremos mantê-lo leve
Não precisamos de nossa perda para durar
Nós vamos apenas flutue no tempo encontre um quarto com esperança
Não se preocupe, nunca será chato
Nós vamos quebrar enquanto estamos indo”
– Qual é a mensagem da música? “Wake me Up” foi escrita após a perda de minha mãe Vera em maio de 2021. A música é sobre o sentimento de perder alguém que você ama e a maneira de lidar com a perda. Um lembrete de nossa própria mortalidade. É um lembrete de que somos todos mortais e que nosso tempo neste planeta é limitado – a mensagem da música é abraçar todos os sentimentos que vêm com a perda/dor/, viver e aprender com eles
– Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre o lançamento? “Wake me up” é o resultado de uma viagem de 10 dias para a Suécia, onde eu e Sasha nos encontramos com equipamentos musicais muito básicos. Nosso objetivo era não nos “distrair” com muito equipamento e trabalhar com o que temos. Para colocar a vibe do deserto em nossa música, gravamos muitos vocais e instrumentos do lado de fora da floresta para que possamos obter um pouco de reverberação neutra na mixagem. Também gravamos a lareira que estava na nossa cabine. O objetivo era criar algo o mais orgânico possível e incluir o ambiente em que estávamos.
Respostas de Respostas de Dov Igel (compositor, produtor e cantor)
Jen Mize & The Rough N’ Tumble – “All Riled Up” – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual, de fato, foi a inspiração para esta música? Eu escrevi essa música, sozinho, sozinho no meu quarto alguns anos atrás. É uma percepção de que não importa sua idade, lugar na vida ou a solidez do chão sob seus pés… as emoções podem quebrar as barreiras aparentemente mais fortes que construímos ao nosso redor.
– A partir disso, o que você retrata nas letras? “All Riled Up” é sobre a sensação desconfortável que às vezes vem quando você se sente tão intensamente atraído por alguém (de quem você sabe que provavelmente deveria ficar longe) que você perde um pouco de si mesmo. É sobre ficar todo “gostoso e incomodado” como dizem, e embora você seja crescido e deva ter um controle melhor… você é estimulado além da razão ou cuidado.
– Qual é a mensagem? Essa emoção intensa às vezes é uma coisa muito difícil de controlar.
– Quais são seus pensamentos sobre o som/arranjos? Depois de escrever “All Riled Up” eu sabia que precisava daquele algo extra que só minha banda The Rough N’ Tumble poderia fornecer. Eu levei a música para o membro da banda e guitarrista, Jeremy Edwards, e ele fez o groove mais furtivo e nós começamos a tocar. Eu sei que sempre posso contar com a seção rítmica do The Rough N’ Tumble para mantê-lo firme, e escrever as partes de trompete com o trompetista Tristan Rogers foi tão fácil que foi uma alegria total… ele colocou aquela parte extra de Clav funky! Tudo se juntou no estúdio de gravação como se a música já existisse e estivéssemos apenas tocando, enquanto nosso engenheiro, Jason Millhouse (Record Works Studio), capturou tudo perfeitamente.
Respostas do integrante Jen Mize.
On Parole – “Oh John Lennon” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]
– Por que você escreveu esta música? Eu gosto de escrever músicas e esta é uma das muitas que On Parole escreveu, gravou e tocou.
– O que a letra diz e qual é a mensagem da música? A música é sobre a mudança climática, a destruição do nosso planeta e a ganância de pessoas ricas e nações ricas em buscar riquezas e riquezas em vez de fornecer um futuro para seus filhos.
– Quais são suas avaliações sobre o arranjo/sonoridade? A música é interpretada por Steve Rudd e Larry Page, dois amigos de longa data que gostam de fazer música. A música é enriquecida por Steve Payne tocando gaita e Steve Coates tocando guitarra slide. Esses instrumentos extras complementam os dois violões e adicionam um vídeo melancólico à música.
Respostas do integrante Steve Rudd (baixista, guitarrista e vocalista)
Atroxity – “Super High (The Signs Are In The Sky)” – (Noruega) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou esta música? A maioria das minhas letras são baseadas em cenas do mesmo universo: um futuro sombrio cyberpunk/pós-apocalíptico com personagens estranhos e subculturas exóticas. Mas eu não quero “ditar” minhas imagens para os outros e tentar escrever semi-abstratos, onde a história e o simbolismo são para interpretação pessoal.
– O que você traz na letra? Eu tento criar uma atmosfera de anseio por um lugar para pertencer em um mundo grande e confuso. A nossa necessidade não só de encontrar o nosso lugar, mas de nos encontrarmos. Quem somos nós? Para onde queremos ir? Onde podemos ir, e devemos?
– E quanto aos arranjos? O arranjo desta faixa é muito simples: Vocal e piano elétrico. Gravado ao vivo em estúdio, apenas adicionados harmônicos e vocais de refrão. Por muito tempo eu planejei adicionar percussão e baixo, e talvez cordas. Mas eu senti que a atmosfera crua e parecida com um showtune da demo vocal+piano soou bem, então eu mantive esse arranjo.
Respostas de Atroxity
Timi Tamminen – “Something Beautiful” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou esta música? “Something Beautiful” foi uma daquelas músicas especiais que me vieram quase instantaneamente no momento em que comecei a escrevê-la. Eu estava pensando em escrever algo com o padrão de guitarra principal ouvido ao longo da música e a melodia veio logo após expandir a ideia inicial. Eu estava animado para terminar a música porque ela tem uma qualidade muito bonita e sem esforço que muitas das minhas melhores músicas têm, tudo caiu no lugar certo e a música foi muito divertida de cantar porque havia espaço para emoção e entrega. Costumo fazer experimentos malucos ou acrobacias com minha voz (como aqueles que estão familiarizados com minha música provavelmente sabem), então reduzir tudo para um formato pop mais sutil e minimalista foi uma mudança muito refrescante e algo que quero expandir no futuro.
– O que você traz na letra? A letra da música descreve vividamente a complexidade do amor e a passagem do tempo, com uma certa qualidade melancólica contribuindo muito para a emoção da música. O tempo é um dos meus assuntos favoritos para escrever, em grande parte porque é um elemento tão universal e poderoso que controla cada um de nós, às vezes com beleza e ternura, às vezes com crueldade abjeta. As memórias são tudo o que realmente temos. Alguns de nós conseguem avançar e criar memórias novas e diferentes com uma ressonância diferente, mas igualmente valiosa, enquanto alguns ficam presos no caminho e perdem a capacidade de viver no presente, sendo engolidos pelas ilusões do passado e não ser mais capaz de existir no presente. Nossa relação em constante mudança com o tempo é fascinante.
Uma coisa que eu quero destacar é a minha escrita durante as partes dos versos delicados… Eu me sinto muito orgulhoso com a letra dessa música porque ela condensa a essência do amor tão sucintamente em um formato de música pop bonita, a música é certamente um dos destaques do meu catálogo no que diz respeito à escrita das letras. O amor é sacrifício, o amor é crescimento, o amor é simultaneamente muito breve, mas quase eterno.
– E o som/arranjos? Assim como a maioria do meu trabalho, “Something Beautiful” foi escrito, produzido e tocado por mim. Eu queria manter a música de bom gosto e minimalista com um bom equilíbrio de musicalidade atemporal e orgânica e uma pitada de tonalidade de produção moderna. Consegui isso mantendo a instrumentação relativamente tradicional, algo que é bastante incomum no meu trabalho, já que sou grande em ultrapassar limites e explorar novos sons, enquanto mistura a qualidade de balada da música com energia e movimento na forma de elementos percussivos modernos e os pequenos detalhes cinematográficos que se tornaram uma marca registrada do meu som.
Como uma nota lateral, a parte da guitarra é enganosamente difícil de tocar por um longo período de tempo! Depois de alguns playthroughs gravando a música, meu pulso estava doendo muito… Alguma coisa naqueles acordes, caramba. Pelo contrário, cantar essa música é muito divertido porque geralmente é centrado em uma parte da minha voz que soa forte, mas relaxada.
Respostas de Timi Tamminen
jugo verde – “half full” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou esta música? Como compositor, muitas vezes escrevo sobre minhas próprias experiências de vida. Há quase quatro anos, decidi parar de beber para seguir um caminho de maior saúde, clareza e iluminação. Essa música é sobre essa jornada, sair do seu próprio caminho e ser otimista sobre a vida.
– O que você traz na letra? Essa letra é muito especial para mim, pois são sobre minha jornada pessoal de ver a vida pela metade, em vez de sempre procurar o amor através do álcool, o que foi um esforço perdido para mim. Espero que essa música ressoe com aqueles que estão lutando contra o vício ou relacionamentos insalubres.
– E os arranjos sonoros? Um dos aspectos mais agradáveis de ser um compositor/letrista é trabalhar com artistas muito talentosos em todos os gêneros musicais. O mesmo vale para essa música e tenho muitos outros projetos colaborativos nos quais estou trabalhando atualmente.
Respostas de Jugo Verde
Luke H. Reynolds – “The Perfect Song” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Conte-nos o que fez essa composição surgir? Essa música foi escrita sobre o quão difícil é escrever uma música e que a inspiração perfeita para a música geralmente está bem na sua frente. Pode ser um interesse amoroso, filho, amigo ou até mesmo um lugar feliz.
– Qual é a mensagem? A mensagem é que a inspiração muitas vezes não é tão difícil de encontrar quanto você pensa. Muitas vezes, se você abrir os olhos e o coração, está bem na sua frente. Às vezes é difícil de ver, mas está lá.
– Quais são seus pensamentos sobre o som/arranjos? – Eu sou um violonista de coração. Eu queria fazer uma música que pudesse ser tocada sem uma banda e ainda manter a integridade da música. Eu também queria construir a linha “você é a música perfeita”. Conta uma história de frustração e depois de realização. O trecho de “então você vem, você não pode errar” é o momento em que você percebe que a inspiração esteve com você o tempo todo.
Respostas de Luke H Reynolds
The Waterforge – “Natalie, I’m still Waiting” – (Polônia) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu a música? O que vocês trazem na letra? O que dizer do arranjo? A música foi inspirada no grafite “Natalie, eu ainda estou esperando” pintado na parede de um dos prédios de nossa cidade, que é Gdansk. O autor da inscrição também acrescentou um número de telefone, mas não sabemos se Natalie já ligou para ele. Primeiro, gravamos a música em polonês como um vídeo ao vivo, você pode assistir em nosso canal do YouTube. Agora gravamos a versão em inglês. O primeiro arranjo dizia respeito apenas a três instrumentos: bandolim, violão e baixo. Nessa versão adicionamos sanfona, banjo e bateria, achamos que ficou bom para o som da música.Parte superior do formulário.
Resposta da banda em conjunto.
Robert Weston – “A Million Things Wrong” – (Holanda) – [MINI ENTREVISTA]
– Fale um pouco sobre você. Eu sou um cantor de música country e compositor da Holanda. Sou muito influenciado por artistas como John Denver, George Strait e Garth Brooks.
Depois de lançar meu EP de estreia, “FIRST’, em 2020, lancei 6 singles em 2021. Também nesse ano escrevi algumas músicas para meu novo EP com escritores de Nashville como Arlis Albritton, Dakota Jay, Ryan Kinder e Will King. Gravei o EP em Junho de 2022 em Nashville com o produtor Kenny Royster, que produziu o álbum de estreia de Luke Combs.
– Comente sobre “A Million Things Wrong”. Eu escrevi a música com meu colega compositor Brian Donkers. A música é sobre fazer as escolhas erradas nos relacionamentos. É algo em que sou muito bom. Muitas vezes eu afastei as pessoas erradas e através dessa música, eu realmente espero poder fazer as pazes com essas pessoas. Se você pode se identificar com essa música (acho que a maioria de nós pode), espalhe a palavra e compartilhe minha música. Espero que todos queiram me seguir nas minhas redes sociais. Ficaria honrado.
Respostas de Robert Weston
Tyson Ray Borsboom – “Man” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– O que, exatamente, as falas de “Man” nos dizem? Qual é a mensagem principal? Nasceu de um relacionamento que terminou por falta de confiança. ela muitas vezes questionava minha fidelidade e isso se tornou demais. Ela também queria que eu “amasse” cedo demais e acabou sendo nossa morte. Às vezes, duas pessoas simplesmente não são compatíveis, não importa o quanto tentem.
– Como nasceu essa música intimista? Em um porão em Calgary ab com o mago misturador phenix warren ao vivo no chão.
– Existem histórias ou fatos interessantes sobre este lançamento? essa música foi escrita há cerca de 3 anos em um relacionamento covid que durou pouco, apenas 3 meses.
Respostas de Tyson Ray Borsboom
Global Hypersynth – “Whirlpool” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou esta música? Essa música foi originalmente chamada “Wurlpool”, pois apresenta um solo em um piano Wurlitzer, mas decidimos adicionar letras a ela e a “Whirlpool” nasceu! Metade da música foi feita em Sydney, Austrália e metade em Londres, Reino Unido.
Somos um grupo de nu-disco/disco que também ama synthwave e synthpop e achamos que essa faixa cruza esses gêneros.
– O que você diz nas letras? Estou me afogando em você, girando como um redemoinho… A música é sobre ser honesto consigo mesmo ao baixar a guarda e se apaixonar por alguém tão louco. Você tentou não baixar a guarda, mas falhou e você está agora louco girando para alguém e em território perigoso sabendo o que isso poderia fazer com você. É amor!
– Qual é a mensagem? A mensagem é que não importa o quanto você tente manter os sentimentos sob controle, ou não se deixar levar, é incrível quando você consegue.
Respostas de Global Hypersynth
SunDub – “Jump and Dance” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual é a sua mensagem? A mensagem do SunDub está enraizada no poder da música. A música pode unir as pessoas, a música não conhece fronteiras ou fronteiras de nações. Ele pode ser usado para comunicar, meditar, curar e mover a ação das pessoas. Esperamos que a música do SunDub possa ser usada de forma positiva por todos que a ouvem.
– O que o som e os arranjos da música representam? O som do SunDub representa uma visão moderna da música reggae, influenciada pelos sons e artistas clássicos, e combinada com uma forte dose de soul e R&B.
– Como foi a parceria com o cantor jamaicano Lutan Fyah?
Lutan Fyah é um artista formidável e um dos nossos favoritos. Foi um prazer e uma honra trabalhar com ele nesta música. Ele espreme tanto em um verso relativamente curto, seu fluxo e harmonias estão no ponto e criativos. Não conseguimos pensar em um recurso melhor para esta pista e estamos ansiosos para trabalhar com ele no futuro.
Respostas do integrante Ben Teters
Trent Freeman – “Fenn & Loup tk. 4” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– Comente a letra e a mensagem da música. Fenn & Loup foi escrito para dois cães que se juntaram a mim para uma caminhada na costa oeste da ilha de Vancouver. Eles foram treinados para proteger as pessoas dos ursos e fizeram exatamente isso! Enquanto eu caminhava pela floresta, encontrei dois ursos pretos, e Fenn & Loup se posicionaram entre mim e os ursos, insistindo calmamente que eles mantivessem distância.
O álbum inteiro foi gravado ao vivo em uma sala com alguns dos melhores instrumentistas do Canadá. Nós nos divertimos muito capturando a energia ao vivo no estúdio.
Respostas de Trent Freeman
Kristin Chambers – “The Luck Will Follow” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Sobre o que é a letra de “The Luck Will Follow”? É uma canção de casamento. Eu escrevi originalmente para o meu marido, depois do nosso casamento. Há muitas referências a coisas que muitos acreditam que lhe trarão sorte no dia do seu casamento. Chuva, algo azul, algo emprestado. Mas nessa música o relacionamento não precisa de sorte, desde que tenham um ao outro. A música é muito especial para mim, principalmente depois de 14 anos de casada!
– Em que medida os arranjos ajudam a realçar a mensagem das letras? Os arranjos são muito importantes para trazer a mensagem das letras. Eu senti que essa música era tão delicada e romântica que eu definitivamente queria que os instrumentos fossem acústicos. David Hayes produziu a música e tocou a adorável guitarra e bandolim. Eu sinto que o violino de Andre De Boer adiciona muito à música. Eu amo a performance dela e como ela adiciona um toque de romance e uma sensação de suavidade arrebatadora à música.
– Conte-nos alguma história ou curiosidade sobre o lançamento. Eu lancei essa música no meu 14º aniversário como presente para meu marido. Meu marido Mac sempre me apoiou tanto na minha jornada musical. Eu o admiro e o amo muito.
Respostas de Kristin Chambers
Krzyfr33 – “Golden Crows” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual a origem desta música e sua mensagem? A história por trás dessa música veio da minha vida emocional para ser honesto. Minha vida costumava ser totalmente de cabeça para baixo e depois que encontrei minha saída da depressão, descobri como compartilhar minhas experiências com os outros para ajudá-los a sair de suas profundezas do inferno.
Você sabe que a música é totalmente sobre deixar-se florescer na escuridão em que você está. Deixar-se brilhar e os corvos ao seu redor queimarão com o sol que você Emmitt. A razão pela qual eu o chamei de corvos dourados é porque os corvos pretos representam o mal, obviamente, e bem, um corvo dourado é como um troféu que você recebeu por superar seus tempos sombrios [corvos negros].
Respostas de Freeman Bune Mays, de nome artístico Krzyfr33
Mike Kennedy – “Love Like This” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
“Love Like This”, o novo single do norte americano Mike Kennedy, foi inspirado no que ele chama de “verdadeiro amor”. A letra da canção é um comunicado pessoal do artista à humanidade de que “podemos ter tudo do mundo, mas que sem amor nada disso faz sentido, não há a verdadeira paz e alegria”. Confira e sinta essa energia de Mike!
Indio – “Sol” – (Chile) – [MINI ENTREVISTA]
– Explique a origem desta música. A música “Sol” foi composta pelo vocalista e líder da banda Felipe Salinas, entre 2015 e 2016, durante aproximadamente 10 meses, inspirada no som da cena Palm Desert na Califórnia, do mais alto de Kyuss ao mais ambiente de Yawning Man .
– E a letra, o que retrata? a letra de “Sol” fala de um ser humano e sua busca incessante pela realização pessoal, vendo a luz do sol como a utopia inalcançável de calma e saciedade espiritual, algo que parece inatingível mas que não para de sua força para seguir em frente
– Há alguma curiosidade ou história interessante a respeito deste lançamento? Algo muito interessante é que a música tem sido apreciada por muitas pessoas que não ouvem rock. Eles acham a música poderosa sem ser barulhenta. Também tem sido descrita como melódica e inspiradora, e mesmo que a música seja inspirada na cena stoner de Palm desert, várias pessoas me disseram que ela lembra a música de Gustavo Cerati.
Respostas do vocalista Felipe Salinas
Stellan Wahlstrom Drift Band – “As real as in a dream” – (Suécia) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou essa música? Eu tinha aquele impulso ligeiramente contido, mas muito fluido da música na minha cabeça enquanto a escrevia, quase como ondas rolando, que se refletiam nas letras também. A interação entre os instrumentos evoluiu muito naturalmente ao longo do tempo quando tocamos muito, não foi muito arranjado.
– O que você traz da letra? Isso foi parcialmente escrito em Veneza e sobre Veneza enquanto estava lá por algum tempo. Estar naquela cidade antiga, mas atemporal e ainda muito vibrante, trouxe pensamentos sobre idade e envelhecimento. Também estando muito conscientes dos tempos em que estamos vivendo agora, as falas sobre “a decência era necessária para quem a tem” vêm daí.
– O que dizer da sonoridade arranjos? Como essa era uma música que tocávamos ao vivo há algum tempo, quando chegou a hora de gravá-la acabamos de fazer com a banda completa ao vivo no estúdio, gravamos direto em fita em um grande estúdio em Estocolmo com muitos equipamentos vintage e um piano de cauda real. A maior parte do que você ouve é o que fizemos lá naquele dia.
Respostas de Stellan Wahlstrom
Shaked Sanity – “Better Than Love” – (Dinamarca) – [MINI ENTREVISTA]
– O que deu origem a esta música? Uma única frase. Tive uma conversa com uma ex, ela disse que em seu relacionamento atual ela não está loucamente apaixonada como antigamente, mas pelo menos ela não sofre tanto quanto nós.
– O que você diz na letra? Ao longo dos versos, estou apontando diferenças entre mim e seu parceiro atual. E daí se ele é todas as coisas que eu mencionei (chegar em casa mais cedo, adora sair com seus amigos chatos, “contar mais dólares”, etc.), se você não sente o mesmo? Mas no final de cada verso há uma percepção – quer saber? Eu entendo (eu entendo seu ponto, minha querida…) Eu vejo porque você o escolheu, mas ele não poderia te amar tanto quanto eu. Ao longo do refrão eu estou focando na frase que eu estava falando antes, se seu coração não bate igual, se há algo que está faltando para você, vale a pena apenas evitar a mágoa que traz consigo?
– Qual é a mensagem? Não tenho certeza se há uma mensagem clara, mas mais uma pergunta. O que você prefere, você mesmo? Você permaneceria em um relacionamento em que não ama seu parceiro ao máximo, a fim de evitar a montanha-russa emocional que o amor geralmente traz?
Respostas de Shaked Sanity
Curt Cannabis – “Dear Elvira (Jewel of T.V.)” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou a música? Olhei para o mundo hoje e vi como tudo é triste. Histórias tristes no noticiário e online. Eu apenas pensei, a frase da vez é “Triste mas Verdadeiro”.
– O que você traz na letra? Eu gostaria de pensar que trago alguma esperança e todo o EP traz um pouco de alívio das lutas do dia a dia que todos nós temos que viver.
– O que dizer da sonoridade e arranjos? O arranjo foi de um sonho que tive.
É como muitas das minhas músicas começam, até mesmo as letras. Trabalhar com o Titans Lab Recording Studio e a Too Loud Records é ótimo. Eles oferecem conselhos que ajudam a moldar minha música enquanto me permitem a liberdade de permanecer fiel a mim mesma.
Respostas de Curt Cannabis
Lolita Terrorist Sounds – “Curse” – (Alemanha) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou esta música? Surgiu como um experimento. Originalmente “Curse” era uma música à Capela com apenas bateria e vocais, uma espécie de peça xamânica moderna com elementos de percussões industriais que mais tarde se transformaram em uma música de banda completa.
– O que vocês trazem na letra? Eu concebi a letra como se fossem um feitiço mágico. Eu queria alcançar o efeito de uma fórmula mágica que se repete várias vezes em uma base de bateria tribal selvagem. Eu escrevi as letras meditando e repetindo-as como um mantra enquanto olhava para uma vela acesa.
– O que dizer da sonoridade e arranjos? O arranjo é uma mistura de percussão tribal parcialmente inspirada na tradição senegalesa de Sabbar (toquei no Senegal com Doudou N’ Diaye Rose) misturada com percussão industrial ocidental moderna. Gravamos alguns overdubs com tanques de gás e tubos de metal que nos foram oferecidos por NU Unruh da lendária banda alemã Einstürzende Neubauten. Queríamos que os vocais soassem como um exorcismo. Fizemos overdub dos vocais principais do barítono mais um coral gravado em uma sala naturalmente reverberada. Temos como convidado especial na guitarra lap steel o brilhante Kristof Hahn (Swans, Pere Ubu).
Respostas de Maurizio Vitale, líder da banda.
Stargirl – “Minami Chitose” – (Japão) – [MINI ENTREVISTA]
– Você pode nos contar sobre a história por trás da música? Peguei uma faixa deprimente, inútil e quase descartada que havia feito anteriormente, desmontei-a e juntei-a para criar uma nova melodia. É reciclagem.
– Sobre o que é a letra dela? Qual é a mensagem? Como dizem na música da banda The Kinks, “Waterloo Sunset”.
Todo mundo conhece a “vida” no Brasil, certo?
Você entra em sua loja de curry favorita e é engolido em um mundo mágico. Afogando-se em um mar de curry de omelete.
-O que você achou do som e do arranjo?
Fizemos uma nova peça. É uma espécie de p-funk melancólico.
Respostas do integrante Maiko
The Elegant Plums – “Dance to Forget” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou a música? Começamos a escrever essa música no início da epidemia de COVID-19 e terminamos a música na época em que nossa primeira grande quarentena estava terminando. A música e a estrutura foram delineadas em minha mente, mas os tempos que estávamos vivenciando influenciaram muito as letras ouvidas na música.
– O que você canta na letra, qual é a mensagem? A letra desta música é sobre tentar esquecer os tempos difíceis e as coisas ruins que você e outras pessoas ao seu redor podem estar experimentando em sua vida e deixar de lado essas emoções negativas. Sejam as notícias ou os tempos difíceis que podemos estar enfrentando em nossas vidas pessoais, às vezes você só precisa tentar deixar ir, se divertir, até dançar para tentar encontrar um sorriso e deixar tudo ir.
– E quanto ao som e arranjos? O som e arranjo é algo que foi construído por nossos cinco membros principais, Devin Galloway, Danny Price, Paul Davis, Zack DelGrosso. Estávamos empolgados em receber nossas back-up vocals femininas no estúdio conosco para esta faixa, Rachel Davis e Whitney Carmichael, que certamente estaremos apresentando em nossas gravações daqui para frente. Também estávamos empolgados em trabalhar com um novo produtor nesta faixa, Mitchell Gardner. Mitchell foi fundamental em fornecer uma ótima orientação enquanto estava no estúdio gravando essa faixa e ajudou a levar para casa uma música da qual estamos extremamente orgulhosos. Em última análise, o som funciona para capturar a estética divertida e energética que trabalhamos para fornecer em um ambiente ao vivo, proporcionando nossa mistura única de gêneros como rock, pop, funk, jam e muito mais, conforme ouvido aqui. Agradecemos imensamente o apoio, temos mais músicas novas chegando nesta sexta,
Respostas do integrante Taylor Stevens
Javier Moreno – “Despedida” – (Espanha) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você traz na letra da “Despedida”? “Despedida” traduz como adeus, e é uma música profunda sobre deixar ir, liberar e dizer adeus as coisas ou pessoas que não servem mais ao nosso caminho, não de maneira egoísta, mas reconhecendo esse profundo conhecimento do coração de quando é hora de seguir em frente e praticar a aceitação.
– Tente, se possível, descrever a sonoridade do single. Gosto de chamar algumas de minhas composições de pop espiritual, ou mindfulness musical, pois é minha intenção despertar e provocar um processo de cura e transformação no ouvinte, através da minha voz e minhas melodias.
– Como foi gravar com músicos espanhóis, cubanos, brasileiros e peruanos? Depois de morar em Londres por muitos anos, pude tocar com músicos fantásticos de todos esses países, todos nós trouxemos nossos próprios ingredientes para a gravação, e foi muito especial. Músicos latino-americanos têm um groove especial!
Respostas de Javier Moreno
Fritz Kahn and The Miracles – “My Baby Star” – (Portugal) – [MINI ENTREVISTA]
– Quais angústias fizeram nascer a composição? Eu diria que a angústia de viver, de perpetuar a nossa espécie. Esta música fala sobre a filha que (ainda) não tive e que gostaria de ter.
– O que você retrata na letra, qual a mensagem da música? A letra reflete todas as minhas aspirações em constituir uma família, que me ame e me compreenda. O cenário é o do nascimento de uma filha, e as parecenças físicas que os filhos sempre têm com os pais.
– Quais são suas considerações acerca da sonoridade/arranjos do single? Os arranjos e sonoridades ficaram a cargo do meu querido amigo Tiago Machado, também ele compositor e arranjador português, muito prestigiado no nosso país. O trabalho que o Tiago nos apresenta, inspirado certamente na cultura norte-americana, representa esse estado de encantamento e inocência que nos conduz a um mundo onírico…até porque a canção fala sobre um sonho não realizado.
– Conte-nos alguma história ou curiosidade interessante acerca deste lançamento. Sempre que faço uma música, passo muitas horas a ouvi-la: antes e depois de estar feita. Sendo esta uma canção de embalar, experimentei e funciona: adormece-se muito bem ao som desta música, basta experimentar 😉
Respostas de Gonçalo Serras, compositor e letrista da banda.
The Carrie Armitage Quartet – “Ambient Orbit” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
O que originou esta música? Nossa faixa mais popular do nosso lançamento de estreia (“A Side July”, de 2022) é chamada “ORBIT L2” – queríamos criar uma variação dessa faixa para explorar ainda mais a progressão.
Como ela nasceu? Inverti a progressão de acordes, removi todos os vestígios de melodia. Enviei de volta para a banda para outra sessão criativa para criar uma faixa irmã alternativa.
O que isso representa? Para mim, todo mundo tem uma órbita ambiente – isso contém todas as pessoas em nossa vida, a energia que as cerca e, portanto, nos afeta.
Existe uma mensagem por trás do instrumental? Cuide da sua órbita ambiente!
Quais são seus pensamentos sobre o som/arranjos do single? Eu amo o trabalho que Mitch Starkman (baixo) fez para retrabalhar a seção rítmica; inspirou ainda mais meu trabalho no piano.
Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre o lançamento? Como é uma pista irmã, você pode comparar esta pista com o “ORBIT L2”, eles trabalham em equipe.
Respostas em conjunto da banda
Mary Schumann – “The Velvet Glove” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou esta música? O que a letra retrata e qual a mensagem? Meu nome é Mary Schumann. Escrevi este poema para homenagear minha mãe. A inspiração para a música foi uma memória de infância. Meu cabelo estava no meu rosto, e ela afastou os emaranhados da minha testa. Lembro-me de como sua mão era macia contra minha pele. Eu tinha provavelmente cinco a seis anos de idade na época. É uma das minhas melhores lembranças. E quando meus filhos eram pequenos, eu segurei seus rostos em minhas mãos.
Eu gosto de cantar algumas das minhas poesias, então quando uma companhia de música me abordou sobre um poema intitulado “When I Think of You”, eu disse sim para criar uma música a partir do poema. Gostei do que foi produzido, então perguntei se eles fariam outra música para mim. Eles fizeram um excelente trabalho na segunda música. Esse foi o nascimento de “The Velvet Glove”.
Diamond Garden Music é a empresa que produziu essas músicas. A cantora é Renee Reynalds. E o compositor da música e do fluxo da música é o Sr. Eric Zanetis. A mensagem dentro da letra é a seguinte: O amor não desaparece, ele vive em cada geração. Um simples ato de bondade amorosa pode ter um efeito positivo e criar uma memória duradoura.
Respostas de Mary Schumann
