Somos uma revista de arte nacional, sim! No entanto, em respeito à inúmeras e valiosas sugestões que recebemos de artistas de diversas partes do mundo, criamos uma playlist chamada “Além da BR”.
Como uma forma de estende-la, nasceu essa publicação no site, que agora chega a sua 16ª edição. Neste espaço, iremos abordar alguns dos lançamentos mais interessantes da playlist.
Ben Walsh – “She Gives Me Love” (Acoustic Version) – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]
– Em que contexto surgiu? Eu queria fazer uma música retrô de rock n roll,
algo tradicional e que soasse dos anos 1950, com um toque energético e cheio de
alma, então encontrei um produtor incrível para colaborar, James Nagel e foi a partir daí!
– O que as letras nos dizem? A letra é sobre o amor incondicional que você recebe do seu cachorro. Eu estava dedilhando e cantando a melodia do refrão, e meu cachorro panda começou a pular de alegria – então a música se tornou sobre ela.
– Qual é a mensagem dela? A mensagem é mesmo ser, sentir e celebrar o amor, sempre
– Comente sobre a sonoridade e os arranjos do single: Usamos muito equipamentos da década de 1950 e algumas técnicas de microafinação bem simples para obter aquele som old school, um microfone para a bateria… canto de longa distância para o microfone vocal… esse tipo de coisa
Respostas de Ben Walsh
Micah Willis – “Sunshine Ft Kenny Neal” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA)
– Em que contexto surgiu? Eu estava voando para casa de um show que acabei de fazer. Eu tive uma semana difícil e eu estava me sentindo bem pra baixo até eu tocar no meu show. Essa é a coisa bonita sobre a música, ela sempre pode te pegar de volta. Enquanto eu estava no aeroporto, comecei a pensar em como me senti tão mal alguns dias antes, mas ter aquele show realmente me deu esperança de que tudo ficaria bem no final. Foi isso que inicialmente despertou a ideia da música; escrevendo sobre esperança.
– O que as letras nos dizem? Se o ex-presidente dos EUA Barack Obama e a pequena órfã Annie têm uma coisa em comum, é que eles gostam de falar sobre o nascer do sol como uma metáfora da esperança. Eu gosto do conceito de pensar que não importa o que aconteça, as coisas vão melhorar. “A luz do sol está a caminho.” A letra também explica que às vezes, pelo menos no meu caso, começo a pensar demais nas pequenas coisas. Às vezes parece que meu cérebro nunca vai desligar, mas, novamente, as coisas vão melhorar. Isso não quer dizer que tudo ficará magicamente melhor da noite para o dia. Acho que podemos encontrar nosso próprio “sol” em pequenos momentos ou pequenas conquistas. Recentemente, comecei a fazer terapia pela primeira vez em anos. Agora, esse é o meu “sol”. Algumas pessoas podem encontrar seu brilho em um relacionamento (talvez até mesmo deixando um relacionamento), família, amigos, música, comédia,
– Qual é a sua mensagem? – Comente sobre o som e arranjos do single. – Com esperança sendo a mensagem, eu queria que a faixa soasse crua e real. Entrei em contato com meu pai para ver se ele queria tocar um solo, e ele acabou tendo sua banda de bateria, teclado, guitarra e baixo. Esses caras são todos músicos de blues de Baton Rouge e têm um som tão cru e emocional. Esta música não é fortemente produzida como minhas outras faixas. Acho que dá um realismo à música e, por sua vez, ajuda a transmitir a mensagem da melhor maneira possível.
– O que “Sunshine” diz sobre sua carreira artística? Sunshine é uma das minhas favoritas do álbum porque soa muito diferente do resto das músicas. Há uma crueza nisso. Acho que isso me fez querer experimentar sons diferentes no futuro para ampliar meu som.
Respostas de Micah Willis
ADAM + ATAQUE POR FOGO – “DRIFTWOOD” – (Estados) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu o Driftwood? Eu tenho lançado principalmente singles nos últimos dois anos e comecei a sentir falta da emoção e do desafio de escrever e gravar álbuns completos. Decidi que era hora de tentar outra vez, mas não tinha nenhum material pronto. Eu nem tinha certeza de qual direção eu queria que o álbum tomasse. Peguei meu violão e comecei a escrever novas músicas com a intenção de usar as melhores para o novo projeto. Infelizmente, cada uma dessas novas músicas parecia aleatória e não conectada de maneira significativa. Eu queria que o álbum fosse coeso e se encaixasse como um quebra-cabeça interessante. Eu estava ficando frustrado com o processo e pensei em simplesmente lançar outro single ao invés de um álbum completo. Uma tarde, porém, casualmente comecei a dedilhar meu violão. Muito natural e organicamente, Driftwood começou a se materializar. Mais ou menos uma hora depois, a música estava completamente escrita. De repente, todas as outras músicas do álbum começaram a vir até mim. Era como se Driftwood fosse a chave que destrancava todas as outras peças do quebra-cabeça.
– Nas letras, o que você diz? Driftwood é, em última análise, sobre a dualidade da natureza humana. Cada um de nós possui o bem e o mal dentro de nós. Todos somos capazes de atos belos, mas também capazes de destruição. Se pudermos aprender a aceitar que todos somos falhos, podemos encontrar aceitação uns nos outros e no mundo ao nosso redor.
– Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre o lançamento? Driftwood é a madeira que foi arrastada para a costa pelas ondas ou pela mudança da maré. É literalmente moldado e moldado por sua jornada. Esta parece ser uma representação perfeita de como todos nós somos moldados por nossa própria jornada. Amassado e machucado, mas também bonito. É esse sentimento que eu tentei capturar com a música. É também o sentimento que tentei capturar com o álbum inteiro. E é por isso que o álbum também se chama Driftwood.
Resposta de Adam
Faint On Call – “Pearl” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu a música Pearl? Foi tudo culpa do Art! (Art McConnell que é nosso baterista) Tudo aconteceu durante o grande período de isolamento do Covid 19 Lockdown. Art criou esse groove monstruoso usando um incrível aplicativo para download em seu iphone chamado Spire from Isotope. Art enviou as faixas para seu melhor amigo, ex-colega de banda e produtor, Cristian Hernandez, que também estava lutando com a incapacidade de tocar e se apresentar ao vivo também e Cristian estando em Celaya México. Cristian é um multi-instrumentista/produtor, e foi capaz de colocar essas camadas incrivelmente eufóricas de melodias e ritmos sobre as faixas de Art; o riff de baixo tem um trance como loop ala-tool /a perfect circle/the cure, dark, doce e melódico, e o mais importante sexy como o inferno. Recebi um texto do Art, que era meu baterista em uma banda de San Francisco chamada Matadores. Sempre flertamos com a ideia de trabalharmos juntos em algo muito legal. O texto dizia algo como: “Tobias, estou te enviando esta música que meu amigo Cristian e eu gravamos usando este aplicativo. Ele sugeriu que eu baixasse o aplicativo, é tão fácil de usar (foi o que me convenceu) e gravar seus vocais nele. Cristian vai fazer isso soar muito foda.” Eu não tinha ideia de quem era Cristian ou que ele morava no México. O que eu sabia era que a música chutou minha bunda, e eu fui instantaneamente puxado com arrepios e excitação, algo que eu não sentia há muito tempo. As melodias vieram tão rápido e as harmonias vieram a mim como um bom ar doce e exuberante. Nesse ponto eu precisava enviar minhas ideias para aqueles dois gatos para ver se estava no estádio e, o que você sabe, eles adoraram tudo o que eu estava inventando! Eu acho que eles nem notaram ou se importaram que não havia letras – nem mesmo algumas palavras! Eu tinha algum trabalho a fazer. O próximo texto dizia: “Escreva algumas palavras cara”!!!
– Sobre o que é a música? Em suma, Pearl é a sinopse de uma vida, repleta de desafios e da dor que vem a todos nós enquanto lutamos para amar, crescer e encontrar a paz dentro de nossas almas. O amor e a perda são imensamente expressos nesta história comovente de uma existência que parece destinada a terminar em autodestruição. No entanto, como a formação mágica de uma pérola real, um processo que começa com o enfrentamento de irritantes contínuos e resulta na beleza de uma joia perfeitamente formada, essa linda música emana de uma jornada pessoal através da automedicação, vício, oração e uma mundo de amor. A paz e a redenção são finalmente alcançadas quando o autor abandona seu plano de autodestruição – uma vida, como uma pérola, longa em sua formação e perfeita demais para terminar.
– O que o single diz sobre você como artista/banda, faz parte de um tema maior? Como artista, acho extremamente importante neste single mostrar o que é possível dentro de nós se trabalharmos sem medo ou vergonha para nos expressarmos a outros que possam estar lutando, na esperança de nos conectarmos por meio de uma mensagem esperançosa. Para mim, Pearl resume tudo isso de uma forma simples e metafórica. Como banda, somos incrivelmente meticulosos em utilizar nossas influências passadas e presentes que parecem ser comuns entre os membros da banda. Há temas, tons e uma narrativa que tornam o trabalho em conjunto simbiótico. O tema maior é de esperança, amor e compaixão através da superação do véu da escuridão. Como muitas de nossas músicas, há momentos de beleza cristalina e êxtase sombrio e estrondoso. Todos esses esforços combinados brilham em nosso álbum, “Swoon”, e Pearl é um doce exemplo.
– O que vem a seguir para desmaiar de plantão? Por enquanto estamos lançando músicas e vídeos. Estamos tentando divulgar que existimos. Esperamos que assim que o disco sair possamos cair na estrada e finalmente aprovar essas músicas ao vivo.
Respostas de Faint On Call
Reiv – “What you need” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu “What ou need”? “What you need” surgiu de muitas das minhas diferentes inspirações do momento, principalmente no que diz respeito ao tema abordado. Eu queria criar música cativante com um ritmo rápido por um lado, e por outro usar um fluxo e melodias calmas e suaves.
– O que a letra diz? A canção é bastante explícita no sentido de que seu significado se encontra em seu texto. Não há realmente um segundo grau. Pelo menos é o que eu acho hehe.
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? Eu estava um pouco doente quando gravei essa faixa. Mas não gosto de refazer as coisas e por isso mantive essa versão. Isso é tudo para a minha história!
Respostas de Reiv
Angéla – “Stranger (Acoustic Live Version)” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu “Stranger”? Eu estava assistindo o videoclipe de “React” das Pussycat Dolls com minha melhor amiga. Fiquei maravilhada com a produção, os ritmos e a dança. A música ficou na minha cabeça e eu pensei que seria legal escrever algo assim que estivesse fora da minha zona de conforto. Enquanto ouvia a música, minha amiga compartilhou uma história de namoro comigo, como ela tentou fazer um relacionamento funcionar, mas o cara estava apenas brincando e percebeu que estava apenas brincando. A história dela me inspirou a escrever os sentimentos de uma experiência como essa e comecei a escrever as primeiras palavras e bater palmas nas batidas de “Stranger”.
– O que a letra diz? A música é sobre a frustração e a decepção de namorar alguém. É um sentimento doloroso, irritante e tóxico que acho que muitos de nós podem se relacionar. Ter uma história como essa quando eles tentaram se livrar de uma má influência, mas ao mesmo tempo era muito viciante para deixar ir facilmente. Usando esses sentimentos e experiências “Stranger” nasceu.
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? Primeiro, lancei “Stranger” em dezembro de 2021 como uma música R&B contemporânea totalmente produzida com uma vibe atrevida do início dos anos 2000. No entanto, eu também podia ouvi-la como uma música de guitarra acústica despojada, então desde então eu estava fixado em fazer isso acontecer. Uma versão acústica oferece uma perspectiva completamente diferente para cantar a música e é gratificante deixar as emoções irem e cantar com o coração. Se você está se sentindo irritado e cansado por causa da frustração e decepção de namorar alguém, “Stranger” é para você!
Respostas de Angéla
Goalkeeper – “Car Wreck” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você disse nas letras? Qual é a mensagem dela? As letras são focadas em dois indivíduos que sabem que o relacionamento os está separando, mas eles ainda não conseguem encontrar uma maneira de dizer adeus. Eles estão em um ” acidente de carro “de um desastre, mas para eles, ainda vale a pena estarmos juntos por tudo isso.
– Em que contexto e como surgiu a música? Nós sempre escrevemos em nosso espaço de ensaio. Nosso baterista veio com a ideia do refrão e eu (Marc) compus a música. A partir daí, nosso vocalista e baterista terminaram a letra da música e tivemos o que sentimos ser um JAM!
– Conte-nos sobre a banda? O que ou single o novo álbum da banda pode prever? Comecemos em 2016 e começamos a nos levar a sério em 2018. Lançamos alguns EPs que ajudaram a moldar o que queríamos fazer musicalmente. Temos um álbum completo saindo em 28 de outubro de 2022! Faremos muitas turnês no próximo ano nos Estados Unidos!
Resposta de Marc Juliano, Goalkeeper
katie drives – “Ghosts” – (Alemanha) – [MINI ENTREVISTA]
– O que diz a letra? Qual a mensagem dela? “Fantasmas” descreve os sentimentos e pensamentos de uma pessoa que foi fantasmada, escritos da perspectiva daquele que quebrou o contacto.
– Em qual contexto e como surgiu a música? Queria experimentar as técnicas de corte vocal típicas de “Bring Me The Horizon”, esta progressão específica de acordes porque gosto especialmente, e inspirado pelo YUNGBLUD – Mars queria fazer uma canção que começasse apenas com guitarras eléctricas emocionais. Liricamente, muitas vezes, invento dois tópicos diferentes para uma canção, pelo que as primeiras linhas descrevem a minha dificuldade em concentrar-me e o tema “Ghosting” é inspirado por uma experiência própria de há muitos anos atrás.
– O que “Ghosts” nos diz sobre a banda? “Ghosts” mostra a direção que as minhas novas canções vão tomar: Mais utilização de elementos electrónicos, mas também um som rock mais pesado.
Respostas de katie
Valoramous e The Wav A.P.S. – “Multiply” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu “Multiply”? O Wav Audio Production Studio (A.P.S.) e eu (Valormaous) formamos uma amizade enquanto servimos juntos no Exército dos EUA em Seul, Coreia do Sul, em 2013-14. Nós dois mantivemos uma amizade e colaboramos para lançar faixas no EP de sete faixas “Amnesia Remixes” em abril de 2022 pela PurZynth Rekords; Eu (Valoramous) gerenciei o EP e produzi a faixa original e um remix do Festival Mix. O Wav A.P.S. produziu um remix de Rock/Metal único, marcante e cativante da música original de “Amnesia”. O remix Rock/Metal do Wav A.P.S. recebeu muitas críticas positivas.
Depois, The Wav A.P.S. entrou em contato comigo para solicitar a colaboração em uma faixa futura. Decidimos misturar ou misturar nossos dois estilos – EDM/Big Room e Rock/Metal – e o resultado é a faixa “Multiply” que você ouve agora, que será lançada pela gravadora Glitchworld Recordings em 17 de outubro de 2022.
– O que a letra diz? A faixa representa uma mudança única de direção para as discografias de Valoramous e The Wav A.P.S. O “Multiply”, que bombeia a multidão, chega ao mainstream em um momento oportuno, com a reabertura de sociedades, festivais de música, grandes encontros esportivos etc. Com 150 batidas por minuto (BPM), Valoramous afirma que a faixa “irá energizar e animar a multidão nos festivais de música do palco principal, pois pretendemos unir as bases de fãs do Big Room e do público Rock/Metal”.
O Wav A.P.S. menciona “A emoção de criar o novo subgênero Rave-Rock é REAL! Estamos combinando dois gêneros com qualidades extremamente semelhantes. O resultado final é a produção de jams de festa para as gerações atuais e futuras de ouvintes.”
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? Sim, o Wav A.PS. e desejo ser pioneiro em um novo subgênero de música chamado “Rave-Rock”, e nossa faixa “Multiply” é nosso primeiro single nesse novo subgênero. Esperamos que ambas as nossas bases de fãs aproveitem essa mistura única de estilos. O hino contundente do Rave-Rock, “Multiply”, combina ritmo e guitarras solo do gênero Rock/Metal e sintetizadores energéticos e elementos de bateria dos subgêneros EDM/Big Room, ao mesmo tempo em que apresenta vocais falados e emocionantes de arena do vocalista principal.
Respostas do integrante Valoramous
The Boneheads – “Ragamuffin” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– O que te inspirou a escrever “Ragamuffin”? “Ragamuffin” foi inspirado por um homem que vivia nas ruas de Toronto. Nós o víamos e falávamos com ele muitas vezes no caminho para o trabalho.
– Na letra, o que você diz? Na letra cantamos sobre as conversas típicas que teríamos com ele. “Você pode poupar um centavo?”. Ele contou histórias de seus anjos e falou em forma de rima. Ele contou sua história para muitas pessoas em Toronto.
– Há alguma história relevante ou curiosidade sobre o lançamento? Este é o nosso primeiro single gravado com nosso produtor/engenheiro Jon Savard. Foi gravado no Studio B na RHC Music e é quase inteiramente raw/unmixed. A música realmente dá uma sensação crua como se você a estivesse ouvindo ao vivo.
Respostas em conjunto da The Boneheads
The Shandies – “I Won’t Be Back” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que diz a letra? Qual a mensagem dela? – “I Won’t Be Back” é um rock raiz? Por que? Comente sobre o “poder feminino” do single.
Nossa música é considerada “roots rock” porque o groove tem influências do country, folk e sul do rock. O “poder feminino” vem da afirmação da cantora de que “Se eu te deixar por mim, não volto”, significando que ela está disposta a se colocar em primeiro lugar e não ficar mais em um relacionamento em que não é valorizada ou tratado com respeito.
Esperamos que a música possa ser empoderada para quem precisa de um pouco de coragem para se defender ou tomar uma decisão difícil, mesmo que seja a coisa certa a fazer.
Resposta de The Shandies
Janice Jo Lee – “Here I Am” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– O que inspirou a composição de “HERE I AM”?
Eu queria escrever uma música de declaração para abrir meu show ao vivo. Na verdade, eu a escrevi na noite anterior ao lançamento do meu último disco, Sing Hey. Eu queria começar o show batendo palmas e chamando a atenção de todos. Inicialmente era uma repetição depois de mim, que é uma forma de música muito folclórica. A intenção era juntar todos através do ritmo.
– O que as letras nos dizem?
Esta é uma música sobre ocupar espaço, quando você foi ensinado a vida toda a ser pequeno e quieto. Esta é uma música sobre me colocar no centro, sob as luzes, no palco no centro, porque é aqui que eu pertenço
Eu amo esta seção de palavras faladas porque é sobre rejeitar a marginalização. Já superamos isso. Eu não sou um jogador secundário na minha própria vida. Esta é a minha música, a minha voz. Realmente resume como me sinto agora.
– Quais são seus comentários sobre o som e os arranjos?
Há uníssono vocal, palavra falada e canto de gritos para invocar a sensação de estar em uma manifestação, ocupando espaço público, uma sensação de desafio.
Eu tocava trompete na escola primária e sempre tínhamos a melodia. Essa música funciona como a música de abertura do álbum, então o trompete é um arauto, abre caminho, abre espaço, está prestes a cair.
O outro apresenta percussão de copo de água que eram literalmente canecas da cozinha do estúdio. Estamos apenas nos divertindo, pegando instrumentos improvisados e indo para as ruas.
Respostas de: Janice Jo Lee
Roxercat – “Pearls” – (Estados Unidos)
Com sede em Nashville (Tennessee), a banda de rock progressivo Roxercat fará em janeiro de 2023 o lançamento do seu EP de estreia. Entre as seis faixas, está “Pearls”, canção lançada neste outubro como aperitivo (com direito a clipe), e que parece representar muito bem este trio que, cá no Brasil, pode até nos lembrar os raios de Os Mutantes.
Amantes do rock se sentiram gratos em conhecê-los!
SYRoc – “You Know” – (Estados Unidos)
O músico e artista visual norte-americano SYRoc não teve medo algum ao inovar. Essa é a essência do seu álbum de estreia, o refinado e inesperado “Genesis”. Deixaremos aqui uma das faixas para você adentrar ao universo original de SYRoc, a música “You Know”, um instrumental de hip hop otimista. Confira!
Kevin Brown – “House Of Change” – (Estados Unidos)
Kevin Brown é um saxofonista que na música tem o seu consolo, a sua vida traduzida em sons. Experiente, já que tem 40 anos no mercado profissional, ele acumulou muito conhecimento musical e de gêneros, mas tendo sempre o jazz como base. O cara fez seu primeiro lançamento solo em 2010 com o álbum “The Country Primaries”, e vem apresentando-se ao longo de sua vida especialmente nos EUA, Canadá e Europa.
O catálogo digital do artista é imenso, e por isso consideramos sua série nova de singles, em especial a música “Sugar Honey Iced Tea”, um bom caminho para adentrar na vibe Kevin Brown. Boa escuta, caros leitores!
Hello Amnesia – “UTYLGO (Explicit)” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]
– O que inspirou a composição de “UTYLGO”? Originalmente “UTYLGO” era apenas uma jam em um ensaio, começou com um riff de baixo, a bateria entrou e em pouco tempo estávamos todos perdendo a cabeça juntos!
– O que a letra nos diz? A música nasceu da expressão crua, então a letra está lá para melhorar essa perspectiva – encorajando as pessoas a se expressarem, porque é divertido, é libertador e porque a vida é para viver e você nunca sabe quando tudo pode acabar.
– Quais são seus comentários sobre o som e os arranjos? A música mais pesada sempre nos fez sentir livres em certo sentido, e por causa da natureza da música, parecia certo nos inclinarmos para os aspectos mais pesados de nossas inspirações. Queríamos manter o arranjo simples e natural para que pudéssemos realmente conduzir os instrumentos individuais e tirar o máximo proveito deles, assim como faríamos em um contexto ao vivo – simples, mas poderoso.
Respostas do vocalista Sean
Collisionville – “Heart That Just Won’t Break” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que diz a letra do single? [O artista respondeu mencionando letra na íntegra]
“A lama de cada lagoa negra
O sangue de sete luas alaranjadas
As promessas que quebraram quando atingiram o chão da cozinha
A sensação de ser derrubado
Eles jogam os rolos por toda a cidade
Mas ninguém viu um raio que pode brilhar como eu…
Quatro, três, dois
Eu tenho um coração que simplesmente não vai quebrar
O pior que você tem
Eu aguento
Os tons dourados que deslizam no lago
O molde que eles usam para errar
As letras deixadas para trás na pressa de abreviar
Eu cresci no solo envenenado
Eles erraram, eu descobri petróleo
Com o tempo, isso é algo que você aprenderá a apreciar-
Oito, sete, seis”
– Comentários sobre a sonoridade e arranjo da música. este é um conto de desafio e resiliência, contado com bateria, baixo, dois tipos de guitarras vibrantes e voz
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? Gravamos isso no Tiny Telephone Studios, em San Francisco, em fevereiro de 2020, pouco antes do início da pandemia, e demorou uma eternidade para finalmente terminá-lo e lançá-lo! Fizemos um vídeo enquanto esperávamos.
Respostas de Collisionville
The Dead Shakers, feat. Overhand Sam – “My Life” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que inspirou a composição de “My Life”? Overhand Sam e eu tínhamos acabado de fazer uma mini turnê juntos e tivemos um dia de folga juntos na minha cidade natal Burlington, Vermont. Decidimos passar o dia no meu estúdio chamado SpIcY wOrLd (@spicyworldstudio) e trabalhar juntos para escrever uma música. Comi um punhado de cogumelos e partimos para as corridas! Subi as escadas da sala ao vivo do porão até a sala de mixagem no andar de cima e perguntei a Sam “Ei cara, qual você acha que é o sentido da vida?”.
– Qual é a mensagem? Nossa mensagem é que a vida é um círculo sem começo e nem fim – não pedimos para nascer, mas aqui estamos!
– Você e seu parceiro nessa música passaram 14 horas escrevendo e cerca de uma hora gravando. Como foi isso? Honestamente, por hora 10 ficou bem complicado! Parecia que tínhamos chegado a um bloqueio na estrada. Felizmente, liguei para meu outro amigo que é dono de um ótimo brechó do outro lado da rua. Ele nos deu um livro de romance inútil e começamos a rasgar páginas aleatórias e apagar linhas com um marcador. Ficamos com as palavras que precisávamos e a inspiração foi perfeita para nos levar a completar a composição da música. Estou tão feliz que não desistimos quando ficou difícil, porque acho que acabamos com uma ótima música no final.
Respostas de The Dead Shakers
Beau Lucas – “Please Change Your Mind” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu a música, o que a letra nos diz e qual a mensagem principal dela? A música “Please Change Your Mind” é uma história sobre a esperança de um homem de salvar seu relacionamento com seu amor. Ele cometeu alguns erros, mas agora está dando tudo o que tem para fazê-la mudar de ideia. Ele a ama tanto! Ele parou de fumar maconha, parou de beber. Ele termina com: “Você é meu anjo e você sempre será. Minha pessoa para sempre por toda a eternidade.”
Resposta de Beau Lucas
Mike Freund – “Run Baby Run” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que a música nos diz? Sinto que minha música diz aos meus ouvintes que sou genuíno e real. Pelo menos eu espero que sim. Eu quero que meus amigos, familiares e fãs saibam que minha música é autenticamente feita com instrumentos. E que minhas letras sejam pensativas e sinceras. É preciso um instrumento para fazer minha música. Leva tempo para pensar no arranjo. “RUN BABY RUN” é uma verdadeira expressão de como me sinto atualmente. Estou pronto para algo mais!
– Qual é o tema que está sendo trabalhado? “RUN BABY RUN” é simplesmente sair da cidade. É sobre agarrar seu parceiro e sair da cidade em busca de algo novo. Trata-se de se livrar dessa mentalidade de cidade pequena.
– Como nasceu “Run Baby Run”? Como afirmei anteriormente, “RUN BABY RUN” é uma verdadeira expressão de como me sinto atualmente. Estou pronto para algo mais! A letra veio com bastante facilidade porque é baseada na verdade. A música era uma melodia com a qual eu estava brincando há pouco tempo.
– Sobre o som do single, o que você pode dizer? É tudo sobre aquela batida de tambor. Faz o ouvinte querer se mexer! Meu tom de guitarra é o que sempre foi. Essa música se revela em torno daquela batida do coração que é a bateria. Vocalmente fiz mais do que costumo fazer ao gravar, sou eu em todas as harmonias vocais.
Respostas de Mike Freund
Braden Lam – “white dress” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– Achei a letra da música atraente. Que lembranças pessoais você trouxe para ela? Sou um livro aberto com minhas emoções. Eu não posso escondê-los, você pode vê-los no meu rosto. Então eu definitivamente me identifico com o personagem dessa música que tenta suprimir seus sentimentos em benefício dos outros. Não é uma coisa saudável de se fazer, mas acho que todos nós já estivemos lá. Fantasiar sobre alguém ou alguma coisa. Esta é realmente uma música sobre seguir em frente com algo em sua vida que está te segurando.
– Em que contexto nasceu esta música? É uma história fictícia inspirada em fatos reais. Gosto do desafio de me colocar no lugar de outra pessoa e imaginar uma história de uma perspectiva diferente da minha.
– Você tem alguma história ou fato interessante sobre o lançamento? Minha parte favorita dessa música é como eu desafio as normas de gênero cantando sobre eu estar em um vestido branco. Sou uma aliada da comunidade LGBTQIA+, então foi uma prioridade incluir espaço para representação LGBTQIA+ e identificação feminina tanto na tela quanto na equipe de produção do videoclipe de “white dress”.
Respostas de Braden Lam
Barista – “Justice Now” – (Turquia) – [MINI ENTREVISTA]
– O que inspirou a composição desta música “Justice Now” Simplesmente, o que vem acontecendo no mundo. Desigualdade e injustiça sempre existiram em nosso mundo, mas parece-me que ultimamente deu um grande passo. A lacuna entre a elite rica e, portanto, dominante, e as massas do resto do povo está agora imensurável. Dinheiro e riqueza são mais do que nunca os deuses mais poderosos que as pessoas adoram, somos consumidos pelo consumismo. Essencialmente, isso não é novidade, mas o que mais me machuca é como aqueles que têm são indiferentes e descuidados com aqueles que não têm. Caos e lutas controláveis e constantes parecem ser a política usada para governar o mundo. Os dissidentes são automaticamente rotulados como “terroristas”, e é mais fácil para o resto de nós acreditar nessa história do que fazer alguma coisa, qualquer coisa, por menor que seja, para com os menos afortunados. Esquecemos que qualquer um de nós poderia ter sido aquela “garota se escondendo sob pontuações manchadas de sangue na poeira da guerra”, e quão rápido um país pode ser lançado em turbulência, por mais impossível ou distante que possa parecer,
A maior parte do mundo vive e trabalha simplesmente para sobreviver. A maioria de nós fica mais pobre a cada dia, embora continuemos trabalhando ainda mais. Isso inclui a mim mesmo. O que quer que tenha acontecido de repente com a economia, vejo-me cada vez mais pobre com cada vez menos poder de compra a cada ano. Onde eu moro, na Turquia, ou no resto dos muitos países do mundo: ninguém quer um emprego com salário, porque agora eles sabem, seja qual for o salário, nunca será suficiente para comprar uma casa para morar, ou realmente possuir alguma coisa. O sistema é projetado para que 90% da população tenha que continuar trabalhando apenas para se manter vivo. Às vezes sou levado a pensar que a invenção da propriedade é a pior coisa da história do mundo.
Sinto muito por parecer tão sombrio e pessimista, mas esses são os sentimentos que me levaram a escrever essa música.
– O que você retrata na letra? Eu retratei uma “garota se escondendo sob pontos de sangue na poeira da guerra”, e aqueles que vivem em ambientes mais confortáveis escolhendo acreditar na cobertura da mídia que ela é uma terrorista.
Em uma extremidade desta imagem:
“A esperança se foi.
A honra se foi.
Futuro se foi.
O irmão se foi.
A irmã se foi.
O bem se foi e agora esse mal venceu.
Enquanto na outra ponta:
‘Veja os rostos radiantes na faixa de check-out:
Barriga gorda saliente,
esquecido de toda a dor.
Descuido padrão com esse iPhone na mão,
Você não consegue entender:
O entretenimento governa a terra”
– Qual é a mensagem? A mensagem é: olhe para cima e olhe ao redor e faça algo além da gratificação constante.
– Comente sobre o som do single. O som é um híbrido entre rock puro e uma música eletrônica de dança. Esta é a única música do álbum em que usei um baixo sintetizado, exceto na introdução e no final, onde Reggie Hamilton faz sua mágica usual. Existem várias camadas de loops também, mas cuidadosamente enterradas no fundo, porque eu nunca desistiria do groove de Simon. Quando Simon começa a tocar, a música realmente começa a soar como um disco. Muitas considerações e sutilezas como esta.
Nos vocais, tive a honra de contar com minha amiga Mariami, que também me ajudou muito a dar forma final à música. Ela é uma cantora incrível, com uma tonelada de educação musical formal, e ela está realmente muito próxima da ideia da música, já que ela teve que deixar seu país natal, a Geórgia, devido à guerra, quando era criança.
Respostas de Barista
Laurence DaNova – “This Island” – (Canadá)
As piores condições da guerra na Faixa de Gaza em 2021 inspirou a canadense Laurence DaNova para compor a canção “This Island”, com a qual ela compartilhar um local sonoro de refúgio das desgraças do mundo. Por meio de uma sonoridade que une o pop dos anos 1980 e 90 ao soul e o trip hop, “This Island” (“Esta Ilha”, na tradução) é daquelas que nos colocam diante de uma sensação de paz. Por fim, a artista comenta que “Somos todos humanos e queremos a mesma coisa no final do dia”, se referindo a busca pela paz, felicidade e amor.
Você pode escutar este lançamento em todas as plataformas de streaming.
AxDm – “Mi Tierra” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que inspirou a composição de “Mi Tierra”? Bem, estou nos EUA há mais de 20 anos e, aos poucos, comecei a entender minha cultura e percebi o quanto senti falta dela. Este país tem um jeito de fazer você se sentir envergonhado de onde você é, pelo menos na minha opinião, então eu escrevi uma música sobre o amor que sinto pelo país em que nasci [México], embora nunca tenha estado lá. A maioria das coisas que menciono na música são lugares, e coisas que meus pais me contaram, coisas que ouvi de amigos ou simplesmente vi na TV, e eles só me fazem querer voltar e experimentar tudo por mim mesma. No entanto, não tenho permissão para voltar, e é muito triste porque não posso experimentar o que é estar lá pessoalmente, como adulto, e realmente desfrutar e ser feliz com minha terra e minha cultura.
– O que a letra traz? Qual é a mensagem dela? Acho que o que mais quero transmitir com essa música é ter orgulho de onde você vem. Quando criança nos EUA, eu era ridicularizado por ser mexicano, ficou tão ruim que comecei a dizer que nasci no Canadá e comecei a rejeitar de onde realmente era. As pessoas às vezes esquecem a beleza de sua casa, de sua cultura, de suas cores, sua comida, seus cheiros, essa música é um lembrete para se lembrar de onde você realmente veio. Eu escrevi sobre o México porque é de onde eu sou, mas é focado em qualquer um, e todos que estão longe de sua terra natal.
– Em relação ao som, o que você pode nos dizer? Na verdade, estou feliz que esta é uma das perguntas. Eu me concentro muito em criar uma atmosfera para a maioria das minhas músicas, algo que te teletransportaria para o mesmo lugar em que eu estava quando escrevi a música. Para essa música em particular eu queria usar sons bem tradicionais do México, e ritmos de lá também. Uma coisa que pode se destacar são os sinos, mesmo agora, quando eles fazem danças astecas tradicionais, eles amarram sinos em seus pés enquanto dançam, o que faz o mesmo som que incorporei na música, além de outras coisas como flautas e a percussão latina são todas as coisas que você encontraria na música tradicional mexicana. Tudo isso apenas para adicionar mais profundidade à mensagem e à sensação da música. Muito obrigado a Daniel Lantígua, um amigo muito querido no México que fez um trabalho espetacular com o trompete para realmente amarrar toda a música.
Respostas de Axel Diaz
Também – “Eu Mal Posso Sentir” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Como você chegou até a sonoridade brasileira e a língua portuguesa? [Resposta de Ingrid Cavaleiro]: Deborah Rosengarth e eu nos conhecemos em Boone, Carolina do Norte, em 2018, e descobrimos que éramos fascinadas pela música e pela língua brasileira! Começamos a aprender português para melhorar nosso sotaque e formamos a Também. “Eu Mal Posso Sentir” foi uma das primeiras músicas que tocamos juntas, e foi a primeira música que a Deborah escreveu em português!
Deborah começou a pesquisar sobre a música brasileira depois de ouvir a versão de Sérgio Mendes de “Mas Que Nada” no filme “Joe Versus the Volcano”. Meu primeiro contato com a música brasileira foi no Ensino Médio, quando meu irmão me mostrou o álbum “Wave” de Jobim.
– O que nos diz sua música, qual sua mensagem? [Resposta de Débora e Ingrid]: A mensagem que queremos levar ao nosso público é lembrar as pessoas da profundidade de suas próprias experiências. Nossas músicas exploram temas universais de alegria, amor e tristeza, e a intenção por trás de nossa música é que ela pareça visceral, vibrante e realista de uma maneira fácil de compreender.
– O que dizer da questão musical de “Eu Mal Posso Sentir”? [Resposta de Débora e Ingrid]: “Eu Mal Posso Sentir” expressa um sentimento de saudade e angústia – pretende encapsular um longo momento de uma experiência emocional e faz isso por ser uma “queima lenta” que explode perto do final. Muitas de nossas canções retratam as essências emocionais das experiências humanas e, neste caso, é a melancolia sadomasoquista sobre o romance passado.
Respostas das integrantes Débora e Ingrid
Serendipity Rabbitpaw – “London Town” – (Reino Unido)
Londres é uma das grandes cidades do planeta onde a diversão é garantida, com várias opções para a vida matinal e noturna. A banda londrina Serendipity Rabbitpaw sabe disso, mas não ignora os perigos de se viver nesta grande metrópole. Essa observação aparece no quinto lançamento do grupo que aconteceu neste 14 de outubro. Se trata do single London Town. “Esta música sobre a vida noturna de Londres, como ela pode te dominar se você não for cuidadoso e usar você!”, diz um dos integrantes.
A capa é um foto amadora tirada às 5 da manhã depois de uma festa, sendo a mulher da imagem a própria cantora do conjunto Charlotte Serendipity. Além da temática aquém do comum, a sonoridade de “London Town” segue o mesmo caminho, o que nos faz dizer que ela é “indefinida”.
A novidade está disponível em todas as plataformas de áudio. Confira!
Gabriele Deiana – “La Media Naranja” – (Espanha)
Em breve, Gabriele Deiana lançará seu álbum de estreia, “Geogina’s Rumba”. O primeiro aperitivo é o single “La Media Naranja”, que chegou aos streamings neste outubro. A música é considerada, pela própria artista, como a mais “energética e dançante” do álbum. A letra segue a mesma intenção de auto astral, uma vez que relata um domingo de Gabriele em Madri, em baladas e noitadas “cheia de latinos”, como ela descreve. O single é, portanto, uma ode a festança e alegria.
Musicalmente, Gabriele pontua as várias influências de “La Media Naranja”. O ritmo principal é a salsa moderna, que é acompanhada por rastros muito fortes de cumbia, funk, rock e rap.
Lowly Light – “Get Over Yourself” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que inspirou a composição da música? O que inspirou a composição da música foi um dia de limpeza! Eu estava reorganizando meu estúdio e me distraí com uma pilha de cadernos antigos. Enquanto folheava um deles, encontrei as frases do refrão que devo ter escrito há alguns anos. De alguma forma eu nunca fiz nada com eles que me surpreendeu porque eu gostei deles imediatamente. Comecei a pensar em quem poderia dizer essas palavras que levam a escrever os versos e encontrar os diferentes pontos de vista para expressar em cada verso.
– O que você retrata na letra? O que eu imagino na letra do primeiro verso é uma pessoa que é um pouco teimosa e desafiadora. Não de uma forma egoísta, mas alguém que está confiante em quem ele é e não se importa com o que os outros pensam sobre ele. Ele está ciente de que têm falhas com as quais lidar, admitindo confortavelmente para si mesmo.
O segundo verso talvez seja a mesma pessoa do primeiro, voltando sua atenção para pessoas que se sentem tão à vontade para criticar o estilo de vida e as escolhas pessoais de outras pessoas. Esse tipo de pessoa me incomoda demais. Pessoas cheias de medo, cuja ideia de liberdade pessoal se aplica apenas às suas próprias ideias, mas de alguma forma não pode permitir isso para os outros.
– Qual é a mensagem? A mensagem da música é dupla. Primeiro, não se preocupe com o que os outros pensam ou dizem sobre você e, em segundo lugar, aqueles que perdem seu tempo trollando os outros merecem o medo em que vivem.
– Comente sobre o som do single. O som de “Get Over Yourself” é uma mistura de nu-disco e pop alternativo. Vocais cheios de alma fluindo em cima de uma linha de baixo funky com um riff de guitarra irresistível para manter a música em repetição.
Respostas de Lowly Light
Will Conn – “Far Apart” – (Austrália)
Para compreender o contexto do novo single do cantor e compositor australiano Will Conn devemos regressar ao período fértil da pandemia de Covid-19. Durante o isolamento social imposto pela doença, o cara esteve distante da pessoa amada, e, mesmo próximos geograficamente, não foi possível um encontro. É essa explicação que Will, mas “Far Apart” serve para muitas ocasiões quando o assunto é “saudade”. Confira!
Pink Leather Jackets – “Sixteen Forties” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– O que fez “Sixteen Forties” surgir? A linha do refrão veio até mim enquanto eu estava dirigindo o carro. Eu vi um sinal de limite de velocidade que dizia Máximo “40”. Depois que a linha veio até mim, muito da música se escreveu. Dezesseis anos e quarenta anos de bebida instantaneamente me levaram de volta ao ensino médio e a todos os problemas e constrangimentos de ser um adolescente.
– O que você diz na letra? A letra dos versos foram inspiradas por pessoas da minha cidade natal. O primeiro verso é sobre meu amigo que foi expulso da escola na 9ª série. Foi só quando eu fiquei mais velho que percebi que as coisas em casa não eram muito boas para ele. O segundo verso é sobre alguém que conheci recentemente que inspirou esperança. Duas pessoas vindas de situações semelhantes. Um fez o melhor e o outro fez o pior.
– Qual é a mensagem? A mensagem geral é continuar, continuar crescendo e seguir em frente com esperança, ao mesmo tempo em que podemos olhar para a vida com uma perspectiva diferente da anterior. Trata-se de superar a si mesmo e todas as probabilidades que estão contra você. É sobre escolher ser uma versão melhor de si mesmo.
Respostas do integrante Chris
Jon Ruth – “Peaches and Cream” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que fez “Peaches and Cream” surgir? Como nasceu a música? Como muitas músicas, começou com uma única ideia musical – neste caso, uma parte de guitarra. Começou a tomar forma quando eu brincava com a bateria e o baixo. A instrumentação ficou parecida com a que eu imaginei, mas, embora as notas fossem as mesmas, a música ficou impregnada de um sentimento diferente. Estou percebendo cada vez mais que seu coração e sua alma vão sair de você, de uma forma ou de outra. Então, embora eu tenha decidido fazer uma música de rock, as circunstâncias da minha vida a levaram para o blues.
– O que você diz na letra? Qual é a mensagem principal? Há uma ironia no nome “Peaches and Cream”. É um anseio por uma vida simples de prazer com alguém onde essa alegria foi perdida para lutar. Quando alguém está para baixo e deprimido, eles se sentem deslocados (como um “pássaro noturno na claridade do dia”). Uma mulher não pode realmente amar alguém se estiver muito envolvida em sua própria vida/ansiedades para ser ela mesma. Embora você possa simpatizar com ela e procurar seu mundo interior, no final ela precisa ter uma compreensão sobre seus sentimentos. Ela tem que acordar e alcançar seu amante. Então, naturalmente, essa música era pessoal para mim.
– Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre o lançamento? Trabalhando com Richard nos vocais, ele fez um belo take imediatamente. No entanto, ele estava tocando “é pegajoso” (após a linha “nós temos uma situação pegajosa”) durante todo o final da música, em vez do que você ouve agora (“pêssegos e creme”). Eu definitivamente salvei aquele primeiro take, apenas no caso de eu precisar fazer um anúncio de mel ou algo assim. “É pegajoso!”.
Respostas de Jon Ruth
Oceans Of Mercury – “FALL (70’s love song for Michele)” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que inspirou esta composição? Eu tenho escrito músicas por muitos anos em muitas bandas diferentes. Principalmente eu escrevi músicas que são para festas, músicas de bom tempo com uma vibração alegre e engraçada. Eu estive em muitas bandas SKA e essa geralmente é a vibe. Para este projeto eu queria me tornar mais sério com minha música, então é isso que eu tenho feito com Oceans Of Mercury. Para “Fall” eu queria escrever uma canção de amor, já que nunca fiz isso antes. O tema inspiração para esta música é minha esposa de 20 anos e o relacionamento que compartilhamos. Eu apenas tentei pensar ao longo dos anos e perceber o que é que nos manteve juntos por tanto tempo. Depois disso, eu apenas desmontei e tentei conectar as letras perfeitas para dizer tudo o que eu queria dizer.
– O que você retrata nas letras? Estou imaginando minha vida com Michele desde o início, quando nos conhecemos, como me senti naquele dia e todas as vezes que passamos juntos. Eu pensei em todos os tempos difíceis e tentei mostrar como, quando olho para trás, eles não foram tão difíceis com alguém para viver com eles.
– Qual é a mensagem? A mensagem é de amor duradouro e admiração por alguém com quem você passou muito tempo e passou por muitos altos e baixos. É uma celebração de anos de felicidade de uma forma romântica. Espero que as pessoas ouçam e percebam que o amor é real e pode tornar a vida de qualquer pessoa bonita, então, por favor, dê uma chance, mesmo quando os tempos difíceis chegarem. Acho que muita gente se esqueceu do que é realmente a vida. A era da informação nos tornou um pouco mais egoístas e cansados dos outros. Eu quero mostrar que se você se abrir e deixar alguém entrar para compartilhar o mundo, isso pode lhe trazer felicidade que você não consegue encontrar sozinho.
Respostas de Tim Nelson, cantor e compositor da música, e integrante da Oceans Of Mercury. Nesta faixa, Tim foi o vocalista principal, guitarrista base, gaitista e baixista. A banda ainda é formada por seu irmão, Dom Bartoli, que em “Fall” tocou guitarra solo, ukulele, sintetizador, percussão, todos os instrumentos de orquestra.
Souls Extolled – “Self-Mutilation” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que inspirou a composição dessa música? Embora neste álbum nós definitivamente tenhamos mais indie-prog rock acontecendo, nós sempre pretendemos ser uma espécie de banda de rock groovy assustadora. Alguém nos disse uma vez que éramos “drácula-rock” e nós realmente gostamos disso! Então, com essa música, parece que estamos voltando às nossas raízes com essa vibe, misturando grunge e ska punk – parece que essa música poderia entrar em nosso último EP “Seraphic War”. Também se tornou uma das nossas músicas favoritas para tocar ao vivo, e é o single perfeito para começar a temporada assustadora aqui em outubro.
– O que você retrata nas letras? “Self-Mutilation” teve muita inspiração em nossas próprias vidas e nas vidas de nossos amigos. De casos extremos, como pessoas se cortando e se queimando, até formas mais aceitáveis de automutilação, como abuso de drogas, a automutilação é uma grande parte da nossa sociedade pela qual todos passamos. A música de certa forma justifica isso para nós mesmos, e meio que celebra quaisquer mecanismos que nos ajudem a lidar com a vida. Acho que é daí que vem a sensação de badass. E mesmo que seja uma música sombria, de certa forma é positiva, pois está dizendo que mesmo que a vida seja toda merda e dor, vamos continuar e nos orgulhar das dificuldades pelas quais perseveramos.
– Qual é a mensagem? Se pudéssemos voltar, provavelmente mudaríamos o nome dessa música para “Won’t Forget”. Embora a música seja sobre as dificuldades da vida e igualando o rock n’ roll com comportamento destrutivo como drogas, fumo e automutilação, na verdade é uma música positiva sobre encontrar maneiras de perseverar e se orgulhar da força através das dificuldades. Eu sempre digo que a melhor coisa do rock n’ roll é que é o único lugar onde as emoções mais ruins e destrutivas podem ser transformadas em algo positivo, onde elas não vão machucar ninguém. Seja apenas a natureza terapêutica de expressar esses sentimentos, ou o rosto que alguém se sente semelhante pode se relacionar com eles e pelo menos saber que não está sozinho.
– Há alguma história ou curiosidade sobre o lançamento? Este foi um dos melhores para ver nosso produtor Omar Vallejo trabalhar – parecia que ele realmente sabia o que queria fazer com este. Eu acho que ele está muito familiarizado com o som grunge que está na música, e a adição das pausas de ska punk, especialmente a linha de baixo de JP, ele realmente gostou. Ele apenas trouxe sotaques tão legais, utilizando Clint na guitarra barítono de apoio, e a maneira como as linhas de sintetizador de Andy são misturadas lá. Também foi ideia dele fazer as paradas no final do refrão: “won’t-for-get”. Isso realmente congelou o bolo nessa música!
Respostas do integrante Zach Black
Jane McNealy – “Country Boy” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– De onde veio a ideia da música? Em 1972, quando escrevi “Country Boy”, os norte-vietnamitas tinham acabado de lançar uma invasão massiva do Vietnã do Sul. Um amigo meu era um Boina Verde e ele e seu irmão estavam no meio da luta. Embora Nixon tenha continuado a diminuir a força das tropas americanas no Vietnã do Sul, a luta continuou e o irmão de meu amigo foi morto.
Muitos jovens morreram nesta guerra sem sentido. Eu era uma ativista antiguerra moderada na época e, embora o irmão do meu amigo não viesse do sul, eu tinha amigos sulistas da faculdade que haviam perdido irmãos e amigos. E para quê?
– Se quiser, conte um pouco sobre como foi o processo de escrita. Venho de uma formação religiosa incomum. Ambas as minhas avós eram cientistas cristãos. Um dos meus avós era ateu. Apesar disso, minha irmã me levou à igreja episcopal quando criança. Uma das minhas músicas favoritas era “Onward, Christian Soldiers”. A letra sempre me inspirou porque a música é um paradoxo.
Ao escrever “Country Boy”, o hino tornou-se a força subjacente à mensagem; que uma crise de consciência nem sempre resolve questões de vida ou morte, quando você tem que lutar pela sua liberdade para defender sua alma.
– Sobre o que é a letra e qual é a principal mensagem da música para o mundo? A letra é sobre a perda da inocência. Todas as guerras levam os jovens embora antes que eles tenham a chance de experimentar a vida. Um menino de uma pequena cidade no meio do país não tem ideia de por que ele vai lutar, ele só sabe que tem que lutar.
A mulher na janela é toda mãe, esposa, amante e filha que sempre espera que o jovem soldado volte para casa da batalha. Elas estão esperando desde o início dos tempos e continuarão esperando até o fim dos tempos.
– Como um “Country Boy” reflete a realidade mundana? Para mim, a realidade mundana não existe. A realidade é muito dura e imprevisível. Não há saídas fáceis da vida. Não há soluções simples.
“Country Boy” joga contra o ambiente bucólico que cerca uma pequena cidade, com o horror da guerra vindo à tona, destruindo a realidade e os sonhos e, finalmente, trazendo mais perguntas do que respostas para a conclusão da vida, sem nunca resolver o desgosto.
Respostas de Jane McNealy
Steve Pointmeier – “Even in a bar” – (Canadá)
Ao lado de uma banda de três membros e do produtor musical Bart McKay, o cantor e compositor country canadense Steve Pointmeier gravou seu novo som, em estúdio localizado em Saskatoon no ano de 2021. A música, que é o décimo primeiro lançamento de sua carreira solo, é uma defesa a causa feminina. A letra retrata uma mulher que é traída por seu par afetivo, sendo sua vingança a ida para um bar local. Confira!
Robert Paul Brandolino – “Call on His Name” – (Estados Unidos)
“Songs Of Scripture” é o primeiro álbum do cantor e compositor gospel Robert Paul Brandolino, sendo a faixa “Call On His Name” o primeiro aperitivo deste trabalho e também a estreia fonográfica do artista. A canção autoral é um retrato da passagem bíblica de Romanos 10:13 que diz “Todos os que invocarem o nome do Senhor serão salvos”. Segundo Robert, a ideia de “Invoque o Seu Nome” (tradução do título) é ajudar as pessoas a conhecerem, aprenderem e memorizarem as escrituras bíblicas.
Franz Josef – “Später”– (Alemanha)
As canções do cantor e compositor alemão-austríaco Franz Josef são impulsos para boas reflexões. Essa característica impecável do cara se perpetua em seu novo single. Intitulada “Später”, esta canção se refere ao tempo e como o nosso péssimo uso dele nos distancia da vida que sempre sonhamos. “Há muitas coisas que adiamos para sempre, embora tenhamos planejado fazê-las pelo que parece uma eternidade. Algo sempre parece mais importante ou urgente, vamos fazer isso depois”, diz o artista.
Tendo isso em vista, podemos dizer que “Später” é um convite de Franz e sua talentosa de equipe de gravação para pensarmos nos sonhos e desejos que estamos deixando o tempo levar. Escute!
S.C.A.B. – “Why Do I Dream Of You” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que inspirou a composição desta música? As influências incluem The Strokes, Coldplay, Women, Parquet Courts; Eu apenas tento capturar os belos momentos que eu acho que são mais importantes para o meu crescimento pessoal, sejam eles bons ou ruins. Eles podem ser qualquer coisa, desde eventos reais até percepções que tenho sobre mim naquele momento. Ser capaz de processar a turbulência da minha vida através da música me permite apreciar a beleza ao meu redor de uma maneira diferente, curiosa e pungente.
– O que vocês retratam na letra? Qual a mensagem? “Why Do I Dream Of You” trata de uma paixão superficial. Essa situação em particular me levou a um sonho revelador do qual falo sobre acordar no final da música. Depois desse sonho, consegui processar a situação e lentamente percebi que provavelmente não era saudável. Era uma conclusão que eu precisava chegar a mim mesmo (em vez de ouvir de outras pessoas).
– Comentem sobre a sonoridade do single. “Vigas verdes de aço cuja pelagem se decompõe e lasca em mim” (um aceno para Frank Sinatra) reflete o sentimento de impotência e lutando para chegar a um acordo com a realidade da situação, mas mantendo a idealização de nós juntos.
Respostas do vocalista e guitarrista Sean Camargo
Lesley Pike – “Paper Thin” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– Quais angústias deram origem à canção? Eu estava hospedado em um hotel na noite anterior a uma sessão de estúdio e fiquei acordado a maior parte da noite por um casal brigando no quarto ao lado. Foi realmente angustiante ouvir, mas também me fez refletir sobre a natureza do conflito e como isso afetou meus próprios relacionamentos para melhor ou pior – e como é fácil perder a perspectiva e ficar preso em um ciclo vicioso quando está nesse estado.
– O que você traz na letra? A letra basicamente faz as mesmas perguntas que fizemos naquela manhã no estúdio; como e por que as pessoas tendem a lutar e a que propósito isso serve, é normal, etc. Eles também são um lembrete de como é fácil dar por certo aqueles de quem estamos mais próximos e, da mesma forma, como pode ser fácil esperar mudar isso.
– Qual é a mensagem? A mensagem é que podemos escolher ouvir e fazer uma pausa ou respirar fundo antes de reagir ou responder. Acho que há um ponto durante uma briga ou conflito – e acho que geralmente é bem cedo – que, se não tomarmos cuidado, paramos de nos ouvir e isso pode se tornar bastante improdutivo e possivelmente até destrutivo nesse ponto. Se pudermos nos pegar nesses momentos, ou mesmo ter uma pequena mudança de perspectiva (ou pausar e literalmente mudar nosso cenário / sair / pegar um pouco de ar etc.), isso pode mudar completamente a dinâmica e a perspectiva.
– Existem histórias interessantes sobre o lançamento? Tínhamos planejado escrever uma música completamente diferente nesta sessão em particular, e quando cheguei ao estúdio contei aos caras a história sobre a briga no hotel principalmente para explicar por que eu estava tão cansado. Isso levou a uma conversa fascinante e acabamos escrevendo Paper Thin em cerca de meia hora naquela manhã e gravando muito naquele dia. É meio engraçado pensar que os estranhos no quarto de hotel ao meu lado naquela noite nunca saberão o impacto que sua discussão teve ou que há uma música no mundo agora por causa disso!
Respostas de Lesley Pike
Patient Lounge – “Hard Truth” – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]
– Descrevam a ideia da letra de “Hard Truth”. A letra de ‘Hard Truth’ é realmente uma carta para nossos “eus” mais jovens, e os “eus” mais jovens de muitos de nossos amigos. As pessoas simplesmente envelhecem e desistem de seus sonhos. As pessoas são informadas de que devem seguir o caminho “seguro”. Em nossa opinião, o caminho “seguro” é, na verdade, o mais perigoso: você se verá vivendo uma vida que odeia. A “Hard Truth” na música é que, para muitos de nossos amigos, eles desistiram de algo com o qual se importavam para que pudessem passar o dia todo fazendo algo que odeiam. É triste.
– O que você trouxe dos anos 1990 para esta música? Acho que acabamos de trazer um pouco daquela musicalidade do rock dos anos 90. Há muita coisa hiper produzida acontecendo no momento, e você pode ser um técnico bem mediano em seu instrumento e ainda soar bem devido à “magia de estúdio”. Nós fazemos o nosso melhor para ficar longe disso nós mesmos.
– Fale mais sobre os arranjos e sonoridade desta música. O arranjo da música é muito divertido. Nós brincamos com assinaturas de tempo de 7/8 por toda parte. Você pode nos ouvir “dica” no ritmo 7/8 no início da música, e então isso realmente volta para casa no segundo verso. Gostamos de tocar com ritmo diferente, isso nos mantém interessados no que estamos fazendo.
Respostas em conjunto da banda
Dariann Leigh – “Jackson” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Em qual contexto surgiu essa canção? Quando eu escrevi “Jackson”, eu tinha acabado de agendar minha grande mudança para Nashville. Tudo o que eu sempre desejei estava prestes a acontecer e a data estava marcada no calendário, mas percebi que estava prestes a deixar tudo o que eu conhecia. Eu sou de uma cidade muito pequena sem semáforos e vivi lá toda a minha vida. Escusado será dizer que houve muitos sentimentos que vieram com a mudança e que brilha em cada linha desta música. Acho que as pessoas podem se identificar com isso em épocas de mudança em suas vidas… A mudança pode ser uma coisa linda, e essa mudança específica certamente foi.
– Até que ponto ela reflete a sua infância e realidade? “Jackson” reflete quase todas as partes da minha infância. Eu gosto de dizer que “Jackson” é uma peça do quebra-cabeça que é a minha vida. Há gritos para meus pais e irmãos. Há também uma referência a uma música anterior que alguns fãs provavelmente tentarão descobrir agora que a mencionei!
– O que os versos dela trazem? Há alguma mensagem por trás de tudo? Os versos de “Jackson” dão a você a história de fundo do que me trouxe aqui e agora em Nashville, Tennessee. Tocando música, escrevendo músicas e lançando músicas assim… É realmente uma honra estar onde estou hoje, e sou grata pela jornada. “Jackson” é reflexivo, mas otimista para o futuro. À medida que crescemos e perseguimos nossos sonhos, lembramos e reconhecemos o significado que nosso passado desempenhou em nossas histórias individuais. Embora os versos revelem experiências da vida real, é um sentimento que acho que muitos podem se identificar.
– O que dizer da sonoridade e arranjos de “Jackson”? Meus fãs têm pedido uma música country. Minha resposta a isso é “Jackson”! Fui criado na música country, e parece certo compartilhar algo que soa mais como minhas raízes. É realmente especial ter o privilégio de lançar músicas que todos os meus incríveis fãs pediram. Seja um som mais country como este, ou algo mais pop. “Jackson” sou eu. É quem eu era, quem eu sou e quem eu serei. É de onde eu venho, onde estou e para onde vou. E eu não poderia estar mais grata pelas respostas até agora!
Respostas de Darian Leigh
Sofi Gev – “Stay Awake” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que aconteceu na sua vida que motivou a composição dessa música? Essa música surgiu de um sentimento de desencanto com a sociedade em geral e frustrado com meus próprios problemas de saúde mental. Eu tenho lutado com TDAH e depressão desde que eu estava no ensino médio. Eu não sabia o que estava acontecendo na época, mas eu senti como se estivesse andando em uma nuvem, constantemente brincando com meus colegas de classe.
Como adulto, entendo melhor minha própria mente e tenho estratégias para lidar, mas a vida ainda tira o melhor de mim às vezes. Eu tenho que me lembrar que não estou quebrado, que o problema está mais na sociedade desconectada em que vivo.
– O que as letras trazem desse período e do seu tempo atual como ser humano? Qual é a mensagem final de “Stay Awake”? Não me perder nas nuvens é algo com o qual tenho lutado desde a adolescência. “Stay Awake” é uma promessa pessoal para mim mesmo de estar presente, levar a vida no meu próprio ritmo e fazer apenas o que parece certo para mim, não o que é ditado por todo o barulho ao meu redor.
– Sobre o som, o que você pode nos dizer? “Stay Awake” foi produzido pelo brilhante Nate Pyfer da June Audio em Provo, Utah. Juntos, criamos a vibe praiana e preguiçosa da música. Se a mensagem da letra é “ficar acordado” em sua própria vida, o groove da música é como a corrente subterrânea tentando embalá-lo para dormir. Adoro a justaposição. Eu tentei capturar essa sonolência no meu vocal também.
Respostas da cantora e compositora Hannah Lovelady da Sofi Gev
Behmer, B3nte e Amberlind – “The Captain Down Below” – (Suécia)
“The Captain Down Below” é uma realização de três artistas suecos. Eles foram longe quando observamos a ideia da letra, que, basicamente, conta a história de um capitão pirata tocando piano no fundo do mar, sendo isso alinhado à uma sonoridade destinada aos amantes das pistas de dança e, em especial, para o período do próximo Halloween. Convido você, leitor, a embarcar nesta brisa encabeçada por Behmer, B3nte e Amberlind. Boa viagem!
Joseph leavelle – “Reflections” – (Estados Unidos)
“Reflexões” (tradução do título) é uma música de encorajamento. Por meio de uma sonoridade folk e leve, a canção teve em seu autor, o cantor e compositor Joseph Leavelle, uma inspiração de quem estava em “um beco sem saída”, como ele mesmo descreve. “Trata-se de refletir sobre a vida, aceitar a realidade e retornar a um lugar de gratidão e otimismo, apesar das circunstâncias indesejáveis.”, disse Joseph.
A música “Reflections” está disponível em todas as plataformas de áudio. Confira!
neon radiation – “Soul Of A Sinner” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que a música nos diz? Esta é liricamente uma música bastante sombria. É a história de alguém (o cantor) fingindo oferecer ajuda a alguém vulnerável, mas na verdade faz o contrário. Musicalmente, os sons profundos da guitarra elétrica e do sintetizador foram moldados para se encaixar nessa história.
– Qual é a sua mensagem? Não confie em estranhos! Você é mais forte do que pode imaginar e, se precisar de ajuda para passar por algo, escolha um bom amigo ou família.
– Por que você diz que é uma homenagem ao Depeche Mode? Musicalmente e liricamente, é um aceno para o trabalho dos anos 1980 e 90 quando eles introduziram guitarras em seu som e no geral se tornaram muito mais sombrios.
– O que “Soul Of A Sinner” revela do seu novo álbum? O novo álbum “Neon Radiation II” tem uma mistura de músicas. Alguns são uptempo e “felizes” – algo para todos. Mas, é seguro dizer que se você gosta de The Killers e Depeche Mode, não ficará desapontado.
Respostas de Gary Blake (neon radiation)
BenOaks e Bones Culture – “Dust on the Ceiling Fan” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu o single? Conte-nos curiosidades sobre. “Dust on the Ceiling Fan” é uma peça de colaboração. Todos nós conhecemos um evento mensal de limpeza do bairro organizado por Sir Dominique Jordan. Nós nos reunimos regularmente para recolher o lixo ao redor do bairro. Então nos encontramos novamente neste microfone aberto de poesia na cidade. BenOaks já estava produzindo o álbum de estreia do Circumstantial Saint. Sean Hogan é professor em uma escola local. Pedimos a ele que viesse ao estúdio para gravar um verso. Sir Dominique Jordan passou por aqui enquanto estávamos gravando e ele cantou nela.
Respostas de BenOaks
Jacob Bennett – “Heathen” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu a música? Essa música é uma reflexão sobre uma amizade de longa data que está se desfazendo.
– O que os versos nos dizem? Cada um dos três versos reflete sobre o passado, enquanto também contempla planos de como lidar com a amizade daqui para frente.
– Existe alguma mensagem final? O ponto crucial da música é contemplar o valor de manter uma amizade que começou a parecer pouco saudável, ou ir embora completamente.
Respostas de Jacob Bennett
El Gallo y Lä Sireña – “Hallelujah” – (México – Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual é a história por trás desta versão de “Aleluia”? “Aleluia” é uma música clássica de Leonard Cohen, e provavelmente a música mais regravada do mundo. É interessante porque muitas pessoas costumam ter um forte apego a essa música e a versões específicas que associam a momentos emocionais em suas vidas. Por essas razões, eu realmente evitei cantar um cover dela, embora tivesse sido solicitado muitas vezes.
No entanto, assim que comecei a trabalhar com o Jesús e a mergulhar no som rico, exuberante e apaixonado que ele cria, pensei que seria interessante experimentar. A música realmente se presta muito bem às peças cruas, emocionais e despojadas que estávamos criando. Após nossos primeiros ensaios, eu estava encontrando momentos inesperados na música e queria ouvi-la continuar a evoluir.
– Por que exatamente a escolha de “Aleluia” para esta homenagem? Estávamos trabalhando em capas de Both Sides Now e Vincent (Starry Starry Night) para um documentário em desenvolvimento sobre uma tragédia familiar. E quanto mais experimentávamos “Aleluia” nos ensaios mais parecia se conectar e fluir dentro desse círculo. Eu estava encontrando um significado diferente para “Aleluia” em cada verso e realmente comecei a conectar cada momento à minha própria história. Paixão e dor e esperança e entrega.
No final, uma conexão emocional se desenvolveu, e o lançamento celebrou as memórias de Leonard Cohen (aniversário de seu nascimento em 21 de setembro de 1934) e minha gentil e linda mãe (aniversário de seu nascimento em 15 de outubro de 1939)
– E essa versão acústica? Existem tantas versões lindamente orquestradas dessa música, com coros altos e anjos cantando. Mas para mim, eu realmente me deliciei com a riqueza simples daquele som escuro e profundo da guitarra flamenca, e acho o instrumental de Jesús levando à modulação tão comovente. Parecia muito íntimo e pessoal. Eu esperava que outros também gostassem da simplicidade despojada desta versão.
Mensagem final da entrevista: Um grande abraço ao Brasil! Os 3 países que mais ouviram desde o lançamento são Espanha, Argentina e Brasil e isso me deixa muito feliz! Obrigado por ouvir Brasil!
Respostas de Dana P. Dimon
Estella Dawn – “Winners” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiram os vencedores? Eu estava experimentando com instrumentais diferentes, e tinha a frase:
“Eu não vou sangrar se não precisar, autopreservação é a semente que plantei / Não vou ceder se não precisar não quando o único com o poder está no trono”
Escrito no meu telefone. Então, essas letras junto com a música que eu criei definiram o tom de como a música seria! A partir daí, meio que apenas se escreveu.
– Qual é a mensagem por trás da música? Eu queria escrever uma música que incorporasse independência e poder ferozes – uma faixa sem remorso.
“Winners” é se colocar em primeiro lugar e se livrar das coisas que não servem para você.
“Qual é o mal em um pequeno jogo sujo?
vencedores são vencedores no final do dia,
eu bato para mim, eu mesmo e eu,
então, se você está contando comigo, o erro é seu.”
O significado por trás dessas letras em particular é despejar energia nas coisas que vão beneficiar você, sem desculpas. Às vezes você precisa ser implacável com suas intenções para obter os resultados que você sabe que são melhores para você.
– O que esse single diz sobre sua carreira artística? Acho que estou crescendo e evoluindo como artista, então essa música para mim é apenas mais um trampolim para refinar a música que faço. Esse single diz que não vou desistir e não vou desacelerar.
Respostas de Estella Dawn
Sarah Anjali – “It May Burn” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual foi a origem dessa música? Minha intuição sempre foi uma fonte de insights claros para mim, mas em um certo ponto, parecia que o universo estava me pedindo para fazer uma escolha impossível; escolher entre a vida que levava, ou me colocar lá fora e seguir minha paixão. Parecia que compartilhar minha voz, minha música, ia acender algo maior do que eu, e estava preocupado em perder de vista quem eu tinha sido o tempo todo. Eu escrevi essa música inatamente por pura necessidade de encontrar uma resposta, e desde então isso me acalmou quando as coisas ficaram embaçadas.
– O que a letra de “It May Burn” nos diz? As palavras exemplificam um momento muito conflitante em que me encontrei. Eu sigo minha paixão ou me contento em estar confortável? A paixão me arriscaria a ser totalmente jogada na chama, e o conforto me manteria pacificado, preso onde sempre estive. Eu não queria perder quem eu realmente era, e correr em direção à chama parecia descuidado. Eu não sabia se podia confiar em mim mesmo, a luz que eu via estava com defeito? A chama me acendeu, me alimentou e me hipnotizou, mas se eu chegar muito perto, pode queimar.
– Comente sobre o som e os arranjos da música. A parte da guitarra veio a mim de forma inata um dia, eu adorei o quão edificante e percussivo era, e como era empoderador tocá-la repetidamente. Ativou um canto em mim, onde pude falar honestamente comigo mesmo. As palavras vieram naturalmente. Eu uso exatamente a mesma letra para ambos os versos, como um mantra pessoal e um lembrete da beleza e do poder destrutivo que minhas paixões possuem. O verso nos permite continuar, e o refrão atua como um lugar de reflexão, e a ponte nos permite encontrar facilidade através do contraste. O som é justamente folk, forte, mas etéreo.
Respostas de Sarah-Anjali
