Somos uma revista de arte nacional, sim! No entanto, em respeito à inúmeras e valiosas sugestões que recebemos de artistas de diversas partes do mundo, criamos uma playlist chamada “Além da BR”.
Como uma forma de estende-la, nasceu essa publicação no site, que agora chega a sua 19ª edição. Neste espaço, iremos abordar alguns dos lançamentos mais interessantes da playlist.
Andy Caruso – “Did you see my baby?” – (Reino Unido)
Como Andy Caruso, este é o seu primeiro single. Gravada em seu próprio estúdio, a música tem, ao meu ver-sentir sua potência localizada mais nos elementos instrumentais do que na voz. É, no entanto, nos vocais de falsete que ele pergunta “Você viu minha garota? Acabei de perder meu bebê”, e depois outro vocal responde “Os vencedores escrevem os livros, agora o que você vai fazer?” Vale dizer que as letras irônicas são inspiradas no artista disco italiano Pino D’angiò dos anos 80.
Já no quesito musical, um gênio se mostra vivo em “Did you see my baby?”. O cara se inspirou na sonoridade da cena disco europeia contemporânea, buscando, ao seu próprio modo, beber da fonte de nomes como Folamour, Kapote, Cody Currie e Purple Disco Machine. Parece que Andy Caruso resgatou o que há de bom em décadas passadas e os tornou mais do que modernos. Parabéns, Andy!
SUN – “WAVE” – (França) – [MINI RNTREVISTA]
– Primeiramente, apresentem-se! Eu sou SOL, misturo Pop e Metal! Eu também sou atriz.
– O que diz a letra da música? Wave é a derradeira canção de amor brutal e poderosa
– Comente a respeito da sonoridade, arranjos e produção do single. 3 Wave foi produzido por mim e mixado por Andrew Scheps (Adèle, RHCP, Smashing Pumpkins, vencedor de 3 prêmios Grammy). Eu queria que o som fosse áspero e muito poderoso!
Respostas de Sol
Project Earthbridge – “Alicia” – (Suécia) – [MINI ENTREVISTA]
– O que deu origem a essa música? Eu criei o verso “If you’re a storm, eu serei seu shoreline” e queria escrever uma música que girasse em torno desse verso. Eu também tinha a frase “E se a vida é como o oceano, toda alma precisa de um cais para ancorar” e achei que se encaixava com a frase sobre a tempestade e a costa.
– O que você traz nas letras? “Alicia” é uma música alegre de verão que traz o ouvinte a dias calmos na praia com as ondas rolando na areia. Na música, “Alicia” representa a natureza selvagem do oceano, enquanto seu admirador se oferece para ser seu porto seguro. – E o som e os arranjos? A maior parte do som e dos arranjos desta versão unplugged são baseados em guitarras gravadas por Leyton Green, que também forneceu os vocais para a música. Instrumentos adicionais foram tocados pelo produtor/co-compositor Thomas Karlsson.
Respostas de Jimmy Granstrom
Andrea Pizzo And The Purple Mice – “Ada” – (Itália) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, peço que se apresente! Somos Andrea Pizzo and the Purple Mice, somos um grupo de artistas italianos, que amam rock e adoram se divertir. Já lançamos um disco chamado Potatoes on Mars, dedicado à ciência e exploração espacial, que teve uma ótima resposta no campo indie rock.
– O que do single nos diz? Fizemos este single duplo com a música que abrirá nosso segundo álbum: é Ada, uma música indie-pop dedicada a Ada Byron, Condessa de Lovelace, matemática e estudiosa, considerada a primeira programadora da história: uma figura que gravou um muito na história da ciência, mas que é pouco conhecida, como muitos outros aos quais decidimos dedicar micas deste novo álbum conceitual.
– O que há da música mexicana e internacional nesta canção? Conseguimos nos expressar bem na forma de álbum conceitual, para nós cada música é como um capítulo de um livro. Neste novo livro, focamos na relação entre homem e máquina, o papel que a tecnologia desempenha em nossas vidas. Musicalmente nos inspiramos nos grandes clássicos do rock dos anos 70 e 80, do Queen ao Pink Floyd, passando por David Bowie e os grandes clássicos.
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? Aquele abraço do Brasil! O disco será lançado em parcelas como um romance de apêndice: nos próximos meses chegarão outros capítulos de nossa história, que esperamos que interessem a um público cada vez maior e corram bem ainda mais do que nosso trabalho anterior.
Respostas de Andrea
BRISTLECONE HEED – “Old News” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Por favor, apresente-se: Somos uma banda baseada em Portland, Oregon, Estados Unidos, bem como Detroit, Michigan, Estados Unidos. Nós somos irmãos. Robert, de Portland, é o vocalista e guitarrista. Brent, de Detroit, é o baterista que também toca guitarras e outros instrumentos. Essa música é do nosso EP de estreia de seis músicas chamado “Doing Fine”, que é uma frase do refrão desta música “Old News”. Lançamos em 25 de outubro e foi difícil escrever de duas cidades diferentes, mas conseguimos. E estamos orgulhosos disso.
– O que o single nos diz? Esta foi uma música divertida de escrever e é uma música divertida de interpretar. A pessoa nesta música está solitária, mas não sabe o que fazer sobre isso. Ele não sabe como resolver seu problema de solidão. Ele não pode nem tentar se conectar com ninguém, porque acha que ninguém vai se importar. Afinal, ele tem esses sentimentos há muito tempo e – como diz o ditado aqui nos EUA – é “notícia velha” que ele ainda se sinta assim, e ninguém se importará. E é notícia velha de novo e de novo e de novo.
– Quais são seus comentários sobre o som e o arranjo dessa música? A música básica é a mesma progressão de acordes por toda parte. Mas dobra em cada parte. São alguns compassos no verso, então dobre isso durante a parte em que os vocais entram e dizem “sim, sim”, e depois dobre novamente para a parte em que o vocalista está dizendo “Estou indo bem”. Pode não soar como a mesma progressão de acordes, no entanto, porque adicionamos algumas partes principais e uma execução de baixo a ela. Mas é uma progressão simples de 4 acordes, e eu queria escrever uma música muito simples com uma raiva furiosa. Acho que fizemos a parte da raiva corretamente. Esperamos que gostem, e esperamos que cantem! Apreciar!
Respostas de Robert
Blackbirds FC – “Magiclands” – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, peço que se apresentem! Blackbirds FC é uma banda de seis membros de Melbourne, Austrália. Tocamos nossa própria marca de alt. country rock e power pop inspiradas no XTC, Go-Betweens, The Church e Wilco. Estamos prestes a lançar nosso segundo álbum Magiclands em 18 de novembro. No ano passado, lançamos os singles ‘Transport Planes’ e ‘Island Of The Dogs’ tocando nas rádios de todo o país. Island of the Dogs chegou a traçar, estreando em # 10 nas paradas AMRAP Metro.
– O que o single nos diz? A música Magiclands’ é sobre um lugar favorito – uma onda de surf selvagem em Woolamai Beach, em Phillip Island, no sul da Austrália. Para mim, é um lugar calmo – a vista da capa é uma ótima maneira de descansar os olhos, e o ruído branco das ondas quebrando bloqueia suas vozes internas ansiosas. A música foi inspirada por uma caminhada ao longo da praia enquanto uma tempestade do sudoeste se aproximava. Enquanto as ondas e o vento batiam na costa, me ocorreu que eles tinham vindo do grande Oceano Antártico para estar lá. Cada onda estava no clímax de uma jornada épica. Isso me fez pensar em como tudo está inter-relacionado e como isso é óbvio na natureza. Mais tarde, durante os bloqueios de Melbourne, desejei a paz e a perspectiva de Magiclands. Li sobre o monge budista vietnamita Thich Nhat Hanh que disse: “A iluminação é o momento em que uma onda percebe que é o oceano”, e a música se tornou sobre como as cidades nos desconectam do mundo natural e, ao fazê-lo, da iluminação.
– Quais são seus comentários sobre o som e arranjo do single? Como tantos discos dessa época, o COVID significava que a banda tinha que olhar as coisas de maneira diferente e encontrar novas maneiras de trabalhar. Era raro que todos os cinco membros da banda pudessem se reunir, então a gravação foi feita em pequenos grupos de um ou dois e o produtor Cam. Não podíamos nos comunicar apenas martelando as coisas no ensaio e, em vez disso, usávamos bandas e músicas que nos influenciaram como ponto de referência para o que estávamos fazendo. A banda se conectou através das influências mais antigas e primitivas de nossa juventude. Bandas como The Jam, The Church, XTC, REM e The Hoodoo Gurus, e The Pretenders. Durante longas caminhadas de bloqueio, reavaliamos nossas antigas chamas musicais e voltamos a nos apaixonar por elas. Parecia um lugar mais confortável e autêntico para se estar.
– O que essa faixa título diz sobre o álbum como um todo e sobre você? As músicas deste disco são sobre amor, a busca por iluminação, estupidez, política, mudança climática, frustração e fuga. Durante a gravação decidimos que não nos importávamos de mostrar nossas influências e as tornamos pontos de referência para o álbum. Há um salve para Midnight Oil’s Wedding Cake Island em Magiclands e BAD’s E=MC2 mostrou o caminho para The Light Was Amber All the Time. O uso de backing vocals de contra-melodia pelo REM inspirou muitos refrões. Além disso, por causa do COVID, parecia um presente quando podíamos fazer algo. Cada sessão tinha uma sensação de aventura e emoção. Voltamos a gravar com o produtor e craque da guitarra Cam McKenzie, e a familiaridade e o carinho tornaram até as longas sessões divertidas e produtivas. O tempo extra significava que poderíamos nos esforçar ainda mais, experimentar e pensar em escolhas, o que é um luxo raramente disponível em um cronograma de gravação apertado.
Respostas de Jeremy Gronow
Jeremy Parsons – “Tickin” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, apresente-se! Meu nome é Jeremy Parsons, e sou um cantor e compositor em tempo integral de San Antonio, TX. Morei em Nashville por dez anos, onde aperfeiçoei meu ofício e disquei quem eu era e meu som mais. Gosto muito do que faço, desde viajar, conhecer novas pessoas e criar e lançar novas artes. Eu tenho três projetos completos até hoje, com minha última música, “Tickin'”, sendo meu lançamento mais recente do que será meu próximo EP. Este é o meu lançamento mais criativo até hoje, e foi incrível fazê-lo com meu bom amigo e gênio por trás do som Dustin Martin.
– O que você diz na letra de “Tickin'”? Qual é a mensagem? Temos aqueles momentos em que nos sentamos e olhamos onde estamos. Às vezes, seguido por isso é o pensamento, “é aqui que eu pensei que estaria?” ou “é aqui que eu deveria estar na minha vida?” A pandemia encarnou esse momento para mim. Eu tive a sorte de ser tão dedicado ao meu ofício e ter isso como meu foco claro, mas isso me deixou pensando: “e se eu não tivesse?” Eu ponderei onde eu estaria mental e emocionalmente se não fosse por isso. Esclareceu abundantemente o quão precioso é o nosso tempo e qual deve ser o foco. Tenho sorte de ter essa saída criativa e encontrei meu caminho nesta vida. Isso é tudo que eu quero para qualquer outra pessoa. Eu quero que eles sejam felizes com suas escolhas para si mesmos e sua vida. É uma jornada para todos nós; temos o tempo de que precisamos e não devemos tomar isso como garantido.
– O que a metáfora dos ponteiros do relógio simboliza nessa música, para você? Eu diria que os ponteiros do relógio enfatizam mais o diálogo da música do que o simbolizam. É o lembrete fora da letra de que o relógio está fazendo tique-taque.” Isso é algo que não vai mudar, apesar do quanto você tente ignorá-lo enquanto ouve a faixa ou em sua vida diária.
– Quais elementos nos sons você usou para fortalecer a letra da música? Os elementos de destaque nisso para mim foram o piano quebrado com um martelo nas duas notas que Dustin tocou para frente e para trás. O relógio de pêndulo que está na minha família que Dustin sampleou e usou como força motriz ao longo da música para dar aquela experiência e sensação autênticas também foi muito crucial. Por último, mas certamente não menos importante, as fantásticas e únicas partes de guitarra de aço de Mike Flanders nos levaram para casa e nos mantiveram em nosso habitat, casa do leme Americana/Country, onde sou conhecido por residir. Eu amo o quão dinâmico esta peça é, e estou animado para ver o que todos pensam dela.
Respostas de Jeremy Parsons
The Lad Classic – “New Emotion” – (Canadá)
Com produção musical de Dave Schiffman (The Strumbellas, Red Hot Chili Peppers, Audioslave, Adele, Rage Against the Machine), o trio canadense The Lad Classic gravou o seu EP de estreia, com influências do rock, soul, pop, gospel e funk. Agora, os caras chegam com um single frenético: “New Emotion”, single cuja a letra se debruça sobre encontrar alguém incrível, mas se sentir dividido entre ir a fundo (o lado emocional) e ir com calma (o lado racional). Confira!
Lo Artiz – “Softly Pt. 1” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Que ansiedades deram origem à canção? É uma história de morte e renascimento; morte por mágoa e renascimento da mesma dor. Você vê a história de amor não correspondido em filmes, livros e programas de TV. Eu queria contar essa história através de uma música. Softly Pt.1 explora o medo existencial e o processamento do desgosto. Se Pt.1 é a morte do eu, Pt.2 é o retorno ao eu.
– O que você traz nas letras? Quando seu coração está partido, você não pode deixar de pensar nas coisas maiores desta vida. Durante meu próprio desgosto, me peguei pensando sobre a vida em sua totalidade – seu significado, a mentira que é o controle e encontrar um propósito quando ser humano parece muito difícil. Minhas letras tecem dentro e fora dessas histórias, abordando pensamentos quase como um devaneio sônico, enquanto também aborda a história de amor não correspondido sendo contada. Eu sou cruelmente vulnerável em minhas letras e estou muito orgulhoso disso nesta música. Eu queria encontrar as palavras certas para descrever essa versão da dor.
– Qual é a mensagem? A mensagem nesta música é uma “história de retorno”. A heroína é quebrada por um amor que não pode ser retribuído, mas pela dor os pedaços que ela recupera trazem mais beleza do que ela poderia imaginar. A dor trouxe não apenas beleza, mas também força e graça. A mensagem aqui é que você é o maior amor que você já teve – para valorizar sua capacidade de amar, mas também para protegê-la.
– Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre o lançamento? O videoclipe de Softly Pt.1 & Pt.2 sai sexta. 7 de outubro. É uma obra de arte em quadros móveis para dizer o mínimo. Os membros do HAUNTER, Jonah e Sander estão de cada lado de mim enquanto estou no centro do quadro realizando a coreografia enquanto estou sentado em uma cadeira em uma tomada. É uma peça conceitual muito especial para mim e estou muito animada para vê-la.
Respostas de Lo Artiz
As Is – “O Holy Night” – (Estados Unidos)
O duo norte americano As Is tem presença recente nas plataformas de streaming, com “apenas” três canções lançadas. A música que marcou a estreia deles é uma versão aquém do comum para o clássico “O Holy Night”. Empenhados em torná-la ainda mais acessível à todos, a versão do duo masculino-feminino se apega no samba, guitarra animada e vocais melódicos. Na vista do duo, “O Holy Night” é alegre e tem como uma das finalidades aquecer o coração até a chegada do Natal. Percussão abrasileirada, contrabaixo, guitarra e vocal. É essa a “O Holy Night” da As Is. Confira!
Elliot Levine – “Sugar Honey Iced Tea” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você traz na letra? Qual a mensagem? Uma vibração suave, inspirada na arte e nas palavras ao meu redor.
– Comente sobre a sonoridade intimista e os arranjos simples de “Sugar Honey Iced Tea”. É sobre o verão, o sol brilhando, o clima quente e a praia e tomar um chá frio para beber. Não tem nada a ver com a sigla.
– Há alguma história ou curiosidade sobre o lançamento? “Sugar Honey Iced Tea”, o sexto álbum do tecladista Elliot Levine, apresenta músicos de Myrtle Beach, Carolina do Sul. O single, que também serve como título do álbum, apresenta os vocais sensuais de Jaron Bradley. A pintura de Nia Kitura, localizada em Washington, DC, serviu de inspiração para “Sugar Honey Iced Tea”. Leroy Harper Jr., saxofonista de James Brown, e Nelson Ortiz, percussionista de Santana, tocam nas nove músicas suaves e funky do álbum, que também conta com uma mistura de outros artistas. O jovem músico Bryson Grove, 24, toca bateria e guitarra em cada música. Seu solo de guitarra em Guava Cake é uma reminiscência de Van Halen. Elliot Levine, natural de Silver Spring, Maryland, fez turnê com Wilson Pickett e é membro do Heatwave (Boogie Nights/Groove Line/Always and Forever) há 23 anos. Ele é a segunda pessoa no mundo a receber um milhão de downloads do MP3.com em 1999. O CNN.COM e o Wall Street Journal cobriram essa conquista. De acordo com o Jazz Times, ele está “mostrando talento notável” em sua forma de tocar. As músicas “Sugar Honey Iced Tea”, “Summer Madness” e “I’ll Be Around” são adequadas para tocar no rádio.
Respostas de Elliot Levine
Dan Del Negro – “Sergio 2020” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Comente, em geral, o que essa música representa. Uma homenagem a Sergio Mendes e Brasil 2020. Ao vê-los ao vivo, fiquei impressionado com a condução dos grooves da Bossa Nova, e tentei capturar isso nesta música original.
– Existe alguma mensagem (ou tema) por trás desse instrumental? Melodia, harmonia, groove e improvisação de jazz.
– Que referências de world music você trouxe? Bossa Nova from Brasil!
– Deixo este último espaço para você se apresentar. Dan Del Negro é pianista / tecladista, vocalista, compositor, produtor. Originalmente de Chicago, Illinois, EUA; morou em Los Angeles por cerca de 5 anos, depois se mudou para Honolulu, HI. em novembro de 2000 – ainda está lá! Músico profissional ao longo da vida; agora focando em escrever, produzir e promover jazz original direto, latino e contemporâneo.
Respostas de Dan Del Negro
Alex Sandra – “Take Me Home” – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou esta música? Leve – me para casa é minha música de fuga. Infelizmente tive uma infância muito difícil. Como uma criança de uma família disfuncional, aprendi a ser feliz do meu jeito. Desde pequena, quando estava especialmente triste, colocava meus fones de ouvido e ouvia música. Eu fingiria que sou um personagem em um videoclipe e tudo na minha vida é normal e maravilhoso. Era minha maneira de sobreviver.
– O que, exatamente, dizem as linhas de ” Leve-me para casa “? Basicamente sou eu pedindo para fazer uma pequena pausa.
– Qual é a mensagem principal? Todo mundo deveria ter seu próprio espaço seguro para liberar sua mente de vez em quando e foi exatamente isso que eu fiz ao escrever essa música, deixei a música assumir o controle.
– Existem histórias ou fatos interessantes sobre este lançamento? A música foi escrita por mim e meus co-escritores Nick Axel Fauffman e Vincent Sparvoli
Respostas de Alex Marshaniia
RotterDamn! – “Dance Like Marin” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu a música? A música “Dance Like Marin” nasceu muito rapidamente. No final do verão na Finlândia, houve um alvoroço sobre as danças e festas de nossa primeira-ministra Sanna Marin. No começo eu tentei me impedir de dizer “não faça disso uma música”. A partir daí, porém, foi obrigado a parar. Primeiro esse padrão de sintetizador/baixo veio à mente e depois os vocais do vocoder no refrão. Demorou 10 dias desde os primeiros pensamentos sobre a música até o fato de que a música já estava sendo carregada no Spotify.
– Qual a mensagem e finalidade dela? O objetivo da música é trazer uma sensação boa; outros pensamentos podem então ser encontrados nos pensamentos do ouvinte. Claro, a música também tem o objetivo de levar as pessoas à pista de dança depois de tempos difíceis.
– Há alguma curiosidade relevante sobre o lançamento? “Dance Like Marin” já é meu segundo single lançado no outono de 2022. Há pouco mais de um mês, saiu a música funk, soul e disco “Dance! Dance! Dance!”. Este ano haverá pelo menos mais uma música, que foi feita em colaboração com um DJ e um artista. Então esse “tema de dança” pode mudar para tópicos um pouco mais sérios nas letras.
– Fale sobre você. Como artista, tenho uma longa experiência no rock como guitarrista e cantor. Machuquei minha mão em um acidente de moto. A cirurgia na mão e a pausa nos shows trazida pelo corona me fizeram pegar sintetizadores, e a partir daí comecei uma carreira na música ainda mais leve.
Respostas de RotterDamn!
James Gittins – “What You Want” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]
– O que deu origem a essa música? A melodia da música começou como um grande riff de guitarra que veio até mim enquanto fazia freestyle na minha guitarra. Minha composição musical sempre começa com uma melodia que vem a mim enquanto improviso na guitarra ou no teclado ou uma melodia ou letra aparece na minha cabeça. Isso forma a base na pista que eu construo em torno deles. Uma vez que eu tinha o riff de guitarra para What You Wnat, eu transformei isso em um grande riff de baixo como âncora da música.
– O que você traz nas letras? As letras têm um duplo significado, embora possam ser interpretadas como passionais e sexuais “é isso mesmo que você quer”, o verdadeiro significado é questionar nosso consumo e o impacto que isso tem, “você REALMENTE quer essa coisa, você quer? REALMENTE precisa disso”?
– E o som e os arranjos? Eu queria um groove pop disco pop realmente uptempo semelhante a ‘Everybody Dance’ de Chic, então temos o grande baixo funky como o elemento central do instrumento acompanhado pelo trompete e piano. A guitarra realmente apenas adiciona uma cor agradável e a percussão tem a vibe do disco tribal com congas e outros elementos.
Respostas de James Gittins
Carys Garvey – “Daydreamin” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiro, apresente-se! Sobre o que é a letra da música? Qual é a sua mensagem? Olá, meu nome é Carys Garvey e sou da Califórnia! Eu escrevi essa música com a intenção de ser uma música de Bossa Nova descontraída e romântica que faria as pessoas quererem dançar! As letras são sobre a sensação de começar um novo e excitante relacionamento romântico.
– Descreva a ideia do arranjo e do som dessa música. Como você, como norte-americano, chegou à bossa nova? Em termos de arranjo, eu queria misturar a Bossa Nova tradicional com algumas técnicas/estilos de produção pop modernos. Combinei guitarra, piano elétrico e bateria com um som mais produzido e influenciado pelo pop na introdução da música (com vocais de telefone e efeitos sonoros de chuva pacífica). Eu estava inicialmente inspirado a tentar escrever uma música de Bossa Nova porque eu cresci com meu pai tocando vários gêneros diferentes de música de todo o mundo, e eu sempre amei a música brasileira porque me fez querer dançar!
Respostas Carys Garvey
Gunpowder Candy – “Laurel” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que essa música diz? Qual é a sua mensagem, se houver? Esta música pretende oferecer um pouco de facilidade para quem perdeu alguém especial em suas vidas – as leis da física nos dizem que a energia nunca pode ser destruída, só pode ser alterada. Meu marido e eu experimentamos a morte de entes queridos em nossas vidas. Saber que a energia de quem essa pessoa era ainda existe – apenas de uma forma diferente – me trouxe algum conforto em minha dor e eu queria expressar isso de uma maneira bonita. É um pouco científico, mas também é espiritual – e, eu acho, uma combinação interessante para uma música.
– Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre o lançamento? Só que foi inspirado não só pela minha tia Laurel, que era uma senhora extraordinária, mas também por outros entes queridos que perdemos. Esta é uma vida estranha, e aprender a conviver com eventos devastadores pode ser uma jornada confusa e desorientadora. Ainda há alegria a ser encontrada, porém, e pequenos momentos de paz e felicidade se tornam momentos maiores.
– Deixo este espaço para você se apresentar. George Dimitrov e eu somos uma dupla de marido e mulher de Orlando, FL, EUA, e normalmente tocamos com uma banda americana chamada Oak Hill Drifters. O Gunpowder Candy surgiu porque escrevemos algumas músicas que não se encaixariam com a nossa outra banda, e decidimos fazer um projeto separado especificamente para gravar essas músicas. Obrigado a todos que tiram algum tempo para ouvir – nós agradecemos!
Respostas Rachel Decker
Oro Verde – “A Marte” – (México) – [MINI ENTREVISTA]
Como surgiu o Oro Verde? Kenya e eu estudamos química juntos na mesma universidade e foi lá que nos conhecemos, nossa aproximação foi graças à música, pois um amigo comum da escola nos apresentou, para que pudéssemos participar de um show de talentos da escola, que não ganhou, mas que nos fez estabelecer uma amizade que culminou também na criação do que é hoje Oro Verde.
– Seu primeiro single foi “Distance”. Como surgiu e qual é a melancolia dessa música?
Naquela época eu estava em um forte estado de depressão e ansiedade, provavelmente causado pelo abuso de LSD, e meu relacionamento amoroso havia terminado, então me sustentava com música, começando a escrever e compor, sendo “Distance” uma das aquelas músicas que logo depois seriam nosso primeiro single.
– A distância tem quase 20 mil visualizações no spotify, nada mal para um projeto que está apenas começando, certo? Sim, acho que essa música foi fundamental para mim porque eu não estava feliz estudando química, e quando percebi que nossa primeira música havia sido bem recebida entre as pessoas que a ouviram, (com isso quero dizer amigos, conhecidos e um ou outro pessoa que nos descobriu por aí na internet) Então resolvi sair da escola para aprender mais sobre como produzir nossa música e tudo que vem de ter um projeto independente, e com a pandemia tive tempo de fazer com bastante calma, porque não deu Demorei muito para perceber que esta é uma maratona e não uma corrida de 100 metros.
–Bom, vamos para essa nova música “A Marte”, em que se inspira e qual é a letra? Essa música é definitivamente romântica, eu escrevi porque eu tinha uma namorada com quem eu ia namorar por um ano, e bem no México, (não sei se no Brasil também), costumávamos dar um ao outro detalhe ou presente, e bem pra minha fortuna eu não tinha uma quinta, era uma pandemia e eu não tinha emprego, então comecei a buscar inspiração para fazer uma música e surgiu “A Marte”. A letra fala simplesmente do prazer de passar uma tarde matando o tempo com o namorado ou namorada, não há muito além disso, é uma música que fala de algo simples, mas ao mesmo tempo bonito.
– Quanto ao som e arranjos da música, como você chegou a esse resultado? Em que se basearam? Não sei, a verdade é que nessa música tudo foi feito aos poucos na hora, eu fiz a minha parte que era compor e escrever a letra, quando chegou a hora de gravar, o Polo fez uma base de bossa nova, o que eu gostei, mas realmente não me convenceu até que me ocorreu que a bateria muda para um ritmo simples de rock quando o solo de guitarra entra. Eu estava preso com a guitarra base e o baixo, não estava convencido dos meus arranjos, então convidei alguns amigos (Miguel de la Fuente e Pablo Tuku) e em questão de horas eles fizeram seus arranjos e a produção foi terminado.
– Por fim, onde podemos ouvir este tema e os demais? Você pode nos encontrar em todas as plataformas de música digital como Oro Verde e no YouTube como Oro Verde Música. Estamos também nas redes sociais como Oro Verde no Facebook e no Instagram como oroverdemusica.
Respostas de Martin Verdi
Ajeet – “Water and Sky” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual a origem da música? Qual a mensagem dela? O que os versos nos dizem? “Water and Sky” é o lugar no horizonte que não está muito claro. É um espaço entre e uma espera pela jornada. Uma música escrita para nossos entes queridos que se foram, e também para nosso gosto de tocar aquele vasto azul. A perspectiva muda e o sentido do que é lar cresce. Gravada em um quarto de hotel em Portugal, essa música foi o resultado de sincronicidade e doce conexão. Nossa primeira colaboração foi pura doçura de fazer. Esperamos que você ame como nós.
Resposta de Ajeet
Dwi Riana – Sekarang – (Canadá) – [MINI ENTEVISTA]
– O que essa música diz? “Agora” significa “Agora”, e o gancho para isso se traduz em “Então este sou eu, agora”. Eu sinto que é difícil me acompanhar. Estou sempre mudando e sempre fui assim. Já tenho problemas suficientes para me manter e sei que é difícil para minha família e amigos na Indonésia. Eles me veem em episódios e me veem através de uma pequena tela. Eles não podem sentir minha energia. Quando não conseguimos encontrar tempo, às vezes passavam meses antes de podermos conversar um com o outro. É difícil mantê-los atualizados. Tenho a sensação de que às vezes eles se agarram à versão de mim que viram pela última vez na vida real, e isso não é mais quem eu sou. Há aquele muro na Queen Street West que diz “Você mudou”. Toda vez que o vejo pela janela do bonde, aceno com a cabeça e concordo. Eu mudei e continuarei mudando. O refrão diz: “Então este sou eu, agora, talvez esse seja eu, sempre”, pois também não tenho certeza do meu estado. O que é constante é o meu amor pelas pessoas da minha vida. Isso nunca vai desaparecer e espero que eles saibam disso.
– Qual é a sua mensagem, se houver? Eu acho que é importante ser amado no tempo presente, às vezes ficamos tão presos no que uma pessoa era ou no que ela poderia ser, e falhamos em amá-la nesse meio tempo.
– Em relação ao som/arranjos, o que você acredita que trouxe algo novo e bom? Com isso estou combinando elementos ocidentais com instrumentos tradicionais da Indonésia. Eu também escrevi isso do jeito que eu escreveria uma música folk em inglês, acho que isso teve alguma influência na forma como a música é estruturada. Eu tive o prazer de trabalhar com alguns artistas indonésios talentosos e isso realmente aumentou a sensação que eu imaginei com a música.
– O que o single diz sobre você? Diz que minha história ainda está sendo escrita, então não estou me julgando pelo que imaginei que meu futuro seria versus como ele é na realidade. Você nunca sabe o que está por vir e isso é emocionante.
Respostas de Dwi Riana
Kristofer Greczula – “Stronger” – (Suécia)
“Stronger” é uma canção que ficou conhecida na voz de Britney Spears, mas tem sua composição assinada por Max Martin e Rami Yacoub. Entusiasmado, o cantor e compositor sueco Kristofer Greczula, artista de pop rock que vem ganhando expressão em sua terra, decidiu dar novos ares para “Stronger”, exaltando, assim, a atitude rock embalada no pop que a gravação original já sustentava. “Sinto-me muito privilegiado por dar uma nova cor a esta música. Eu sempre fui um grande fã de Max Martin, então parece um pouco irreal agora lançar uma música que ele escreveu.”, contou o cara.
A releitura de “Stronger” é a continuidade de uma carreira iniciada em 2017. Desde então, com a chegada à época do single “You’re Not Alone”, Kristofer vem demonstrando suas habilidade. Está mais do que indicado!
Mapochossippi – “Corona” – (Chile)
O grupo chileno Mapochossippi fez de um tema doloroso para todos nós um pedacinho de bom humor. É isso que acontece no single “Corona”, inspirado na pandemia e seu terrível isolamento social, mas mais ainda em referência a grandiosa vontade de superar a crise e tomar um drink com os amigos, o que os integrantes consideram ser o que mais os causava ansiedade enquanto presos.
Essa temática divertida vem acompanhada de uma sonoridade blues rock, com influências da música latina, com guitarras elétricas e percussão latina. Com isso, eles pontuam a boa intenção de dar um novo ar ao blues tradicional.
The Euphony Machine – “End Of The World Vibes” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Apresente-se: Meu nome é Michael Smith. Eu lanço música sob o nome de The Euphony Machine com meu baterista Marc Meneghetti. O projeto começou em 2010, mas tem sido apenas um 2 peças por cerca de um ano. Nós nos concentramos em criar um som eclético através da experimentação de uma variedade de gêneros e apresentando diferentes artistas locais.
– O que “End Of The World Vibes” nos diz: End Of The World Vibes é o nosso single para o álbum. Entre o single, o álbum como um todo e o conto que os acompanha, os temas incluem imortalidade, legado e o clássico ditado “cuidado com o que você deseja”. Essa música nos lembra de aproveitar nosso tempo aqui e aproveitar ao máximo nossas vidas. Ouça o mundo ao seu redor, mergulhe nele.
– Qual é a sua mensagem? Como esta música é, de forma mais geral, com este álbum, estou tentando inspirar as pessoas a criar. Não tenho filhos no momento, talvez um dia tenha, mas enquanto isso, sinto que preciso deixar minha marca. Tenho certeza de que muitas pessoas se sentem assim e, na minha opinião, além de ter filhos e incutir neles suas características positivas e transmitir o conhecimento que você acumulou, criar obras de arte inspiradoras é a próxima melhor maneira de construir seu legado.
Respostas Michael Smith
Romain Gutsy – “If You Don’t Mind” – (Bélgica e França) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou “If You Don’t Mind”? Às vezes as pessoas pensam que para ser legal, ou ser uma mente livre, você tem que fazer coisas que de fato não são boas para você e para os outros. Acredito na integridade e fidelidade e em alguns valores que às vezes são descritos como “chatos”, quando na verdade são a chave para ser livre e feliz. Isso é o que eu queria transmitir na minha música. E, de fato, cada exemplo é verdadeiro para mim, e é assim que eu vivo de verdade.
– O que você traz na letra? E por que diz que “o público poderá refletir sobre a verdade contida na expressão ‘sexo, drogas e rock n roll'”? Mesma questão aqui. Usar drogas seria legal se você quer ser rock ‘n’ roll, e fazer sexo aleatório também. Não é verdade, é tudo menos legal. É a melhor maneira de se tornar um escravo. Queria dar outra visão, não do ponto de vista “moral”, mas do ponto de vista da vida e da energia. Para mim, ser rock n’ roll é ser livre, e liberdade vem com fidelidade, gentileza e liberdade das drogas.
– Comente sobre a sonoridade/arranjos do single. Foi arranjado, produzido e mixado por Marc Bentel e, claro, comigo. É uma música muito legal, eu acho, que mistura sons folk autênticos com um arranjo moderno. É autêntico, mas moderno. E é edificante. Pelo menos eu espero que sim! O que você acha?
Respostas de Romain Gutsy
Alec Berlin – “What I Wish I Had Said” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Existe uma mensagem por trás desse trabalho instrumental? Hmmm… acho que sim. É subjetivo, considerando que não há palavras, mas aqui está o que eu gosto nela – para mim, essa música é muito calorosa e convidativa. É alegre, é comemorativo. É ocasionalmente funky, mas não se trata de fanfarronice ou arrogância – trata-se de expressar gratidão e amor. De uma forma alegre e alegre.
– Comente sobre o papel da guitarra no arranjo e também sobre o som como um todo. Meu objetivo era escrever música onde o violão fizesse o papel do cantor. Essa não é uma ideia original, de forma alguma – as pessoas fazem isso há muito tempo. Mas muitas vezes a música instrumental baseada em guitarra é extremamente técnica e chamativa, ou então está impregnada de um idioma específico, como o Blues. Isso não é uma crítica – eu amo esse tipo de música – mas eu queria que minha música instrumental apresentasse músicas facilmente digeríveis, músicas que você cantaria junto, se tivessem palavras. Para compensar a falta de um cantor, tive que despertar o interesse e prender a atenção dos ouvintes criando uma sensação de contraste sonoro – ou seja, são todas guitarras, mas a guitarra soa diferente no verso do que no refrão, e soa diferente novamente na ponte, etc. Experimentei muitas coisas diferentes,
– O que esse trabalho revela sobre você? Que eu sou sentimental! Mas também que eu gosto de rock.
Respostas de Alec Berlin
Zion Head – “Bless Me Jah Jah” – (França) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu a música? O que você traz na letra? Eu escrevi “Bless me Jah Jah” em 2019 quando eu estava passando por um período difícil na minha vida, eu me senti sozinho e ninguém estava lá para mim além de Jah, então liguei para ele e ele me deu essa letra para ter o força para acreditar nos meus sonhos.
Resposta de Zion Head
Rival Karma – “Photograph” – (Reino Unido)
Esta é a penúltima faixa do segundo EP da banda Rival Karma. Ela baseia-se na história de alguém que vive em sua zona de conforta, uma bolha difícil de ser furada. A letra retrata a batalha com seus demônios, ou seja, suas emoções, mas, ao mesmo tempo, da disposição do eu lírico de lutar contra eles. “Photograph” é um bom caminho de inspiração. Confira!
Platune – “El Camino” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, se apresente! Meu nome é Platune, sou um rapper latino misto da cidade de Filadélfia. Eu amo um bom anime de ação, batidas cinematográficas divertidas e divertidas, esportes da Filadélfia e filmes de todas as épocas. Essas são grandes inspirações na minha música e como apresento o Platune.
– O que você diz na letra de “El Camino”? Minha música “El Camino” é uma história das belezas e dores de ser latino na Filadélfia e nos Estados Unidos, não apenas na sociedade, mas no jogo da vida. Muitos amam a música, a dança, a comida e as mulheres da nossa cultura, mas ainda não nos dão o mesmo respeito na vida cotidiana. Quando eu digo que estou dançando com a morte, me diga, você sabe dançar? Estou desafiando todos os que ouvem a dançar com a vida e tomar a dianteira no ritmo de suas vidas, porque muitos ficam vivendo uma vida de sonhos, para nunca vê-los se tornarem realidade. O que leva ao refrão, a história de uma linda garota, mas nunca livre para conhecer plenamente a liberdade devida aos costumes deste mundo frio.
– Faça um comentário sobre a sonoridade e arranjos da música. Quanto à composição, eu queria usar um groove que não apenas canalizasse minhas raízes porto-riquenhas imediatamente, mas também queria criar um som que acompanhasse os altos e baixos poéticos da maneira como conto histórias. A ligeira mudança na velocidade da amostra de introdução adiciona um elemento enervante antes que as duras realidades da vida atinjam o lirismo. Escolhi o nome Platune porque sou um homem com muitos fluxos versáteis e formas de desafiar a música. Você já se juntou à equipe Platune?
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? Curiosidades sobre o lançamento: na verdade eu escolhi a linha, uma luz apagada nessa vida porque o nome do meio da minha mãe é Luz e ela viveu uma vida difícil que teve muitos sonhos destruídos por causa da forma como a sociedade branca via sua cultura e a forma como ela homens trataram uma bela mulher com oportunidade. Eu moldo o coral para ser sobre qualquer mulher que tenha que superar as adversidades da sociedade.
Respostas Platune
KLEN – “The Pipers” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você diz na letra? Há alguma mensagem? A letra conta a história de The Pipers of Boleigh & The Merry Maidens – um par de pedras ao lado de um círculo de pedra no sudoeste da Cornualha. “Eles são os gaiteiros, os jogadores eternos. Para eles dançam, através dos portões da aurora.” Reza a história que os gaiteiros tocavam música para as mulheres locais da aldeia, dançavam tanto que perdiam a noção do tempo e ao nascer do sol no sábado, são os gaiteiros que foram transformados em pedra por uma maldição pagã. A música vem dessa história e nossa vontade de contá-la.
– Como surgiu “The Pipers”? – Comente a sonoridade e arranjos do single. KLEN gravou “The Pipers” no Mustard, um estúdio DIY em Helston, Cornwall. Gravamos a faixa juntos em uma sala, sobrepondo guitarras extras e partes secundárias de bateria sobre nossas bases ao vivo. Queríamos usar uma abordagem minimalista da velha escola para gravar, a fim de capturar melhor a energia bruta de nossas apresentações ao vivo, onde essa música foi desenvolvida e aprimorada.
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? (Curiosidades) A capa apresenta duas bruxas bem conhecidas da área onde as pedras estão localizadas, junto com um grupo de turistas da América e Derek, o dono da fazenda em que as pedras estão.
Respostas de Klen
Danny Smart – “Unwind” – (Reino Unido)
O quinto single do cantor e compositor Danny Smart é uma referência direta ao seu amor pelo blues e por artistas que tanto admira, como Muddy Waters, Larkin Poe, Led Zeppelin, e outros. Intitulada “Unwind”, a canção tem algo dos anos 1960 da banda The Animals, cuja a ideia era de “dar a sensação de puro rock and roll sem sentido!”, como diz Danny.
Vale dizer que este lançamento é a continuidade de um artista que está em atividade discográfica solo desde 2014 quando lançou o EP “Moving On”. Portanto, indicamos não somente esta, mas todas as canções do cara.
David Khan – “journey” – (Estados Unidos)
O novo lançamento de David Khan é definido por ele como “o nosso hino”. A explicação é que, assim como a letra de “Journey” encaminha, a vida “não é sobre o destino, é sobre a jornada”. David teria escrito esta canção no intuito (também) de lembrar ao mundo esse entendimento tão essencial.
O artista ainda comenta que “o segundo verso é sobre como ser capaz de aceitar isso ainda como luta, mas lembrar de amar a si mesmo e dar um passo de cada vez.”, diz ele. E complementa: “Meu propósito na vida é espalhar essa mensagem e muito mais através da minha música”.
Inspire sua jornada com “Journey”, um prato cheio para nós seres humanos feitos de carne e osso!
J Güero – “Güereando” – (México) – [MINI ENTREVISTA]
– Existe uma mensagem por trás do arranjo desse som? A mensagem é sobre ter liberdade criativa e seguir seus instintos criativos.
– Quais são os elementos rítmicos e instrumentos usados no single? É uma música psicodélica de cumbia com elementos eletrônicos. Instrumentos usados são sintetizadores e percussão.
– Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre o lançamento? A música veio de um post no Instagram que fiz tocando uma melodia no sintetizador, e o texto no post era “Güereando” que é uma palavra que não existe. Significa “Fazer o que J Güero gosta de fazer” (ou algo assim).
Respostas de J Güero
