Playlist “Além da BR” #22 – Sons do mundo que chegam até nós

Somos uma revista de arte nacional, sim! No entanto, em respeito à inúmeras e valiosas sugestões que recebemos de artistas de diversas partes do mundo, criamos uma playlist chamada “Além da BR”.

Como uma forma de estende-la, nasceu essa publicação no site, que agora chega a sua 22ª edição. Neste espaço, iremos abordar alguns dos lançamentos mais interessantes da playlist.

KASIA – “Heart is a Fire” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que você diz nos versos de ” Heart is a Fire “? Existe uma mensagem central? A letra do refrão é “Este meu coração é um fogo que você nunca apagará.” Esta é uma música que escrevi depois de um relacionamento casual em que fui magoado por alguém por quem estava me apaixonando profundamente e acho que escrever essas palavras me ajudou a verbalizar esses sentimentos e descobrir quem eu sou e como amo. Além de uma realização, é também uma mensagem para todos os meus amantes anteriores, que não puderam compartilhar seu coração comigo ou me deixaram com uma sensação de vazio e invisível.

– Quando e como essa música surgiu? Eu originalmente comecei a escrever isso como uma canção de amor! Os acordes estavam la mas a melodia e o conteúdo da letra acabaram mudando drasticamente depois que senti que tinha perdido o ímpeto da primeira ideia. Eu estava tendo uma aula de composição na época e me lembro de dirigir para casa começando a cantarolar a nova melodia do refrão e então passei uma hora depois da aula juntando as palavras. Assim que o refrão foi escrito, o resto da música começou a fluir de mim, com a última parte escrita sendo a ponte, que serviu para finalizar o pensamento levando à pausa instrumental.

– Como você define o som e o arranjo? Colaborei nessa ocasião com um produtor aqui de Chicago, Duncan Lee, que me ajudou a compor a música com inspiração em grandes vocalistas do soul como Minnie Riperton, Aretha Franklin, Roberta Flack. Essa música apresentava fortemente um piano Rhodes (tocado e de propriedade de Duncan) desde o início e é um dos meus pianos favoritos por sua qualidade mística. A música também traz uma guitarra elétrica de nylon e diferentes ritmos de percussão, como carrilhões, güiro , clave e triângulo.

Introdução:

KASIA (ou em inglês: Catherine) é uma artista e vocalista polonesa-americana que vive em Chicago, IL. Tendo escrito canções desde tenra idade, Catherine passou os últimos anos envolvida na cena musical local em Chicago, tocando baixo e cantando no projeto folk Honey Cellar. KASIA marca a primeira exploração de Catherine nos sons com os quais ela cresceu, de artistas pop como Christina Aguilera a ícones do jazz como Ella Fitzgerald e Nina Simone.

Além de compor, Catherine está empenhada em ser uma cidadã global e já viajou para mais de 15 países e passou longos períodos morando no Equador, Indonésia e Polônia.

                                                                                                 Respostas KATIE

Sarah King – “Devil’s Try” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que diz a letra da música? Devil ‘s Try é uma versão moderna da clássica canção “lidando com o diabo devido a tempos difíceis”. A letra começa retratando alguém que não tem mais nada além da garrafa, e até mesmo “agora acabou”, nenhum lugar para chamar de lar, e levando o ouvinte a um acordo com o diabo. No entanto, em vez da típica música desse tipo, a letra então diz “o diabo tem que ficar na fila” – porque o cantor ainda não desistiu. Adoro a sensação de poder – dizer ao diabo para ficar na fila porque você decidiu que ainda não está pronto para ir, mesmo diante de tempos realmente difíceis. 

– Quais são seus pensamentos sobre o som e arranjo do single?  Eu amo isso! A música foi escrita por um amigo meu, Scotty Hawkins, e estou emocionado por compartilhar suas palavras com o mundo. Eu amo o que meu produtor e colegas de banda criaram para a instrumentação. Mantivemo-nos fiéis a algumas das ideias originais de Scotty, como a guitarra slide na introdução, snaps no final e os misteriosos vocais de fundo na primeira vez que ouvimos a frase “o diabo quer beber comigo” acrescentando um teclado profundo linhas, pisadas e palmas e produção de rock contemporâneo com um grande momento de banda completa em cerca de 2 minutos.

– Qual a ligação dessa música com a música norte-americana? Músicas sobre como lidar com o diabo são super comuns na música folk norte-americana, e eu sinto que essa música tem uma grande conexão com os temas clássicos do blues americano, ao mesmo tempo em que incorpora elementos do rock norte-americano contemporâneo! 

– Neste último espaço, apresente-se aos nossos leitores.  Sou Sarah King, uma cantora/compositora americana que mora em Vermont, EUA. Acabei de lançar alguns singles nos últimos 2 meses e tenho um álbum completo chegando em 2023, estou animado para compartilhar! Se você gosta de blues-rock e americana, espero que ouça minha música! 

Respostas Sarah King

Kamaka Camarillo – “Nā Iwi” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que diz a letra da música? A letra em inglês fala sobre como nós, como havaianos, acreditamos na cultura havaiana e que quando nossos ancestrais passam para o mundo espiritual, eles ainda estão entre nós e guiando nossas “navegas” neste grande oceano da “vida”. As letras havaianas reforçam essas visões e valores. As letras havaianas também falam sobre como os ossos de nossos ancestrais vivem por meio de nossas tradições que praticamos e das maneiras como nos comportamos.

 – Como surgiu? A música foi liricamente inspirada pelo triste falecimento do meu avô no ano passado em 2021. A música foi inspirada no grupo da Nova Zelândia, Six60, e seu hit “Kia Mau Ki To Ukaipo”. Eu vi o videoclipe ao vivo deles tocando a música no show e como eles gravaram nos bastidores. O título original em inglês da música é “Don’t Forget Your Roots”, mas foi traduzido para o maori. As “raízes” referem-se à cultura maori. Assistir aos vídeos deles realmente me inspirou a escrever uma música com uma vibração semelhante, que acabou se tornando minha nova música, Nā Iwi.

 – Quais são seus pensamentos sobre o som e arranjo do single? Que elementos você trouxe?  Estou feliz com o arranjo e o som do single. Apresentei minha prima No’eau Kalima, tocando flauta de nariz havaiana e realizando um oli (canto) em diferentes partes da música. Demorei um pouco mais para descobrir como eu queria cantar a parte da ponte no final, mas valeu a pena. No geral, a música é principalmente uma melodia de reggae com letras em inglês e havaiano.

–  Deixo este último espaço para você se apresentar.  www.kamakacamarillo.com e siga @kamakapella88 no IG para atualizações. Oi, meu nome é Kamaka Camarillo. Sou natural de Kīhei, Maui, e atualmente resido em Honolulu, Havaí. Sou um multi-instrumentista, compositor e graduado pelo Programa de Educação Musical da Universidade do Havaí em Mānoa. Atualmente, ensino violão, ‘ukulele e música polinésia na Kaiser High School. Também me apresento semanalmente em Waikīkī. Meu primeiro single, E Piʻi Mai com Wikz, estreou em outubro de 2018. O álbum de estreia de Kamaka , SOUL, ganhou o Álbum de R&B do ano de 2020 no Nā Hōkū Hanohano Music Awards (prêmios de música havaiana). Seu single do ano passado, Kūpaʻa, foi nomeado para 2022 Single of the Year. 

Respostas Kamaka Camarillo

Joe Beaudette – “The War That Never Ends” – (Estados Unidos) – [MINI ENTRVISTA]

– O que “A guerra que nunca acaba ” nos diz? O que há nos versos? Eu era uma criança baby boomer dos anos 60.   Na época da guerra do Vietnã, eu estava na faculdade em meio ao caos de manifestações contra a guerra , esforços concentrados de grupos de indivíduos, especialmente jovens, para impedir o envolvimento dos EUA na guerra e, principalmente, esforço desorganizado de jovens elegíveis para recrutar para evitar o rascunho. Os versos descrevem a decisão de um jovem de origem rural que aceita o comando de seu país para entrar na luta.   O que acontece conforme descrito na letra retrata a experiência de um soldado de combate, realmente em qualquer guerra por qualquer país.   Isso é ação “tão rápida quanto uma luz ofuscante” combinada com o fato de que não há tempo para longas  considerações morais quando você é o instrumento e testemunha da morte e destruição.   Muda você, para a sua vida, muitas vezes sem cura.   Como diz a música “para ele essa guerra nunca vai acabar”.

– Como essa música surgiu? O que você sentiu ao ter que escrevê-lo? Como mencionado acima, eu estava na faculdade durante a guerra do Vietnã .   Após a formatura em junho daquele ano, voltei para casa e em 30 dias fui convocado.   Após o treinamento básico, passei 8 meses e meio nos Estados Unidos entrevistando pessoas que ingressaram no exército, seja por ingressar ou, como eu, por ser convocado.   Certamente aprendi que, na maioria das vezes, não havia correlação entre o que acreditavam e o que queriam fazer dentro ou fora do Exército dos Estados Unidos e as funções para as quais eram designados.   Por fim, fui enviado como escriturário datilógrafo para o Quartel General da 196ª Brigada ^de Infantaria Leve em Hawk Hill, no Vietnã. Minhas experiências no Vietnã não foram particularmente perigosas para minha segurança, mas a área onde eu estava estacionado produziu um livro escrito sobre isso chamado “O Vale da Morte”.   Basicamente, as tropas estavam em uma situação impossível travando batalhas por razões que em muitos casos eram sem mérito ou verdade.   Freqüentemente, levávamos de volta para a sede da empresa os caras que estavam em campo; os “grunhidos”.   Muitos deles como eu, recrutas.   Eles enfrentaram situações que os afetaram física e mentalmente pelo resto de suas vidas.   Achei que, mesmo que alguém discordasse sobre nosso envolvimento na guerra, era um crime não tratar melhor nossos veteranos.

– Há alguma história ou curiosidade interessante/relevante sobre o lançamento? A música “The War That Never Ends ” é uma das 17 músicas do meu cd “Stay in Time”.   Este cd foi um esforço de mais de 3 anos, em sua maioria remendado e gravado por meu filho Jeremy Mage após consultar a família de que eles precisavam gravar minhas canções porque minha voz do túmulo provavelmente não iria muito longe.

Respostas Joe Beaudette

 

Rellik – “This Town” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]

– O que a letra diz? Qual é a sua mensagem? Como surgiu? Essa música é sobre um jovem casal tentando escapar dos nfns de sua pequena cidade e viajar para a cidade grande. É divertido e cativante.

– Qual é a sua avaliação do som e dos arranjos do single? A música é Country com alguns elementos da música Urbana. Comecei como artista hHp Hop por muitos anos, então esses sons se tornam muito aparentes na minha música. É uma mistura de muitos gêneros, na verdade. Eu tenho um grupo incrível de caras na minha banda e todos eles se esforçaram para fazer uma ótima performance para essa música.

– Apresente-se! Sou Rellik, um artista de fusão multipremiado do Canadá. Você pode encontrar todas as minhas informações em www.rellikmusic.ca . Espero que todos gostem da melodia!

              Respostas de Rillik

Good Terms – “Drive-In” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que você diz nos versos de ” Drive – In “? Existe uma mensagem central?  “Drive – In” é uma criação do nosso guitarrista Ivan Barry e foi escrita durante o verão de 2020, no auge da pandemia, quando as opções para nutrir um relacionamento inicial eram extremamente limitadas. Ivan fez planos de ir acampar em Joshua Tree com alguém com quem estava saindo e que acabou abandonando completamente a viagem no último minuto, o que deixou todo o relacionamento deles em um doloroso estado de incerteza. Como forma de tentar esquecer tudo, Ivan se arrumou e foi para um drive – no cinema sozinho, onde se viu mandando mensagens de texto para essa pessoa o tempo todo e sentindo ainda mais a falta dela. 

– Como você define o som e o arranjo? “Drive – In” é a primeira música do Good Terms a apresentar proeminentemente Ivan fazendo os vocais principais e todos os três guitarristas de nossa banda tendo vozes tonais distintas que se entrelaçam ao longo da música. Com a produção e mixagem da música, incorporamos muitas novas técnicas modernas que não tínhamos anteriormente para fazer a música parecer igualmente visceral como uma “banda de verdade” e hi-fi brilhante. Drive – In é emotivo e poderoso, mas ainda parece divertido, e não poderíamos estar mais orgulhosos de como acabou.

– Qual é o ponto de encontro do ” Drive – In ” com a música norte-americana? Estamos falando de uma sala de cinema ” Drive – In “, uma sala de cinema onde você dirige seu carro para assistir a um filme em meio a vários outros carros em uma tela enorme e ouve o áudio do filme pelo som do seu carro. Durante a pandemia, era o único lugar para sair e ver um filme, e uma das poucas maneiras de escapar com segurança do isolamento de sua casa.

– Deixo este último espaço para você se apresentar. Good Terms é a banda emo da sua vizinhança. Depois de anos trabalhando nos bastidores da indústria da música, esse grupo de melhores amigos finalmente uniu forças para voltar às raízes do que os fez se apaixonar pela música. O quarteto baseado em Los Angeles adota o espírito DIY da cena em que cresceram gravando, produzindo e mixando todas as suas músicas. Good Terms mantém uma paleta sonora diversificada que vai do pop emo ao empolgante hardcore duplo, com uma pitada de tudo o que você conhece e ama do universo da cena. A Good Terms convida você a fazer parte de sua comunidade e participar dea catarse que eles encontraram juntos.

Respostas Zach Boucher

Versum – “Same Moon” – (Suíça) – [MINI ENTREVISTA]

– O que o texto diz? O texto diz muito. Na minha opinião, os textos podem ser interpretados de forma muito diferente. Para mim, a mensagem principal da música é que somos todos iguais no final, ninguém é melhor que o outro. Estamos todos olhando para a mesma lua.

– Qual é a sua mensagem? Como o Nando já falou, é sobre o fato de todos serem iguais e terem os mesmos direitos! Infelizmente, isso ainda não é realidade hoje e existem grandes diferenças sociais no mundo. A música visa chamar a atenção para a injustiça.

– Como você define o som do single? Same Moon é uma música aconchegante, que supostamente neutraliza o estresse e os problemas do trabalho cotidiano e da política com ritmos simples. Tópicos sérios são reunidos em uma simples música indie.

– Qual é a conexão entre “Same Moon” e a música suíça? Musicalmente, a Suíça é muito aberta, há muitos estilos diferentes de música. O tema da justiça social é muito importante em um país rico e ignorante como a Suíça, porque somos a principal causa do problema.

– Apresente-se. Versum é um trio suíço de indie rock. O frontman Jan Gasser descreve a banda: Com a gente você tem que ouvir que as músicas dizem algo, transmitem um sentimento e então eu conscientemente escrevo músicas e letras que me tocam. As músicas ganham vida e novas influências por meio de jam sessions com o baixista Nando Horat e o baterista Tobias Ehrler, e só quando uma música realmente pisca nós três é que ela funciona juntos. Desde 2021, estamos trabalhando em nosso próximo álbum ‘Moonchild’, que será lançado em vinil em 13 de janeiro de 2023 pela Monobuster Records. Versum significa música criativa e expressiva.’

Respostas Versum

Monoq – “Mono Qwiqsand” – (Israel) – [MINI ENTREVISTA]

– O que você diz nos versos de ” Mono Qwiqsand “? A música é sobre: ​​Submeter-se a outra pessoa, deixe -se afogar, permitindo-se fluir.

– Existe uma mensagem central? trata-se de pensar menos e de fluir mais.

– Quando e como essa música surgiu? Eu queria muito conhecer alguém, mas quando tive a oportunidade de conversar, fiquei paralisado.

– Como você define som e arranjo? A música tem um som crocante.

Respostas Monoq

Woody – “Lost Goodbye” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]

– O que você diz nos versos de “Lost Goodbye”? Há alguma mensagem central?  Essa música foi inspirada na minha própria experiência. Eu queria destacar o sentimento de solidão e tristeza de ser deixado sozinho por alguém que você ama com um monte de perguntas sem resposta e sem a chance de se despedir adequadamente. É sempre nessas horas que você questiona tudo, que tem a sensação de ter feito algo errado. Essa música é na verdade uma conversa comigo mesma onde tento colocar em palavras o que sinto.
– Quando e como esta canção surgiu? Essa música nasceu no primeiro acampamento de composição que participei em novembro de 2021. Estávamos com meu produtor musical em nossa primeira sessão juntos, em uma sala minúscula, e ele me fez ouvir alguns loops de piano que ele havia criado algum tempo antes pelo qual eu estava tão inspirado. Conversamos muito sobre nossas vidas e junto com meu colega compositor acabamos escrevendo Lost Goodbye sobre minha própria história.
– Como você define a sonoridade e arranjo? Eu diria que isso é muito clássico e elaborado ao mesmo tempo. É o equilíbrio perfeito entre a sutileza de uma balada e o poder de uma faixa diva. Adoro o facto de cada elemento da produção encontrar o seu lugar e valorizar os outros, todos conduzidos pela voz. Além disso, o fato de termos gravado instrumentos reais dá uma dimensão real à música.
– Deixo este último espaço para você se apresentar. Ei! Eu sou o Woody 😊 Sou um jovem cantor que cresceu entre Paris e Londres. Sempre adorei cantar e criar músicas, mas nunca poderia imaginar fazer disso meu trabalho um dia. Achei que ia ficar me fingindo de diva na frente do espelho do meu banheiro a vida toda kkk. Mas há um ano conheci minha equipe artística e ficou super óbvio para mim que cantar era realmente o que eu queria fazer e o palco era o meu lugar. Desde então terminei meu curso de direito e trabalhei muito para escrever e gravar meu primeiro EP que será lançado ano que vem!!! Estou SUPER orgulhoso do primeiro single de Lost Goodbye e SUPER feliz em compartilhá-lo com todos vocês. Estou vivendo o sonho! tchau-tchau

Respostas Woody

Daniel Benisty – “Never Say Goodbye” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]

• Comente sobre a música de uma maneira geral. A música é muito direta sobre a ideia de que não importa o que algumas pessoas com más intenções possam tentar, elas nunca tirarão nosso amor. Essa música pode ser aplicada a qualquer coisa, desde relacionamentos afetados por outras pessoas com más intenções, ou por doença ou morte, a ideia permanece a mesma, que a conexão eterna do amor nunca é cortada espiritualmente. Nesse caso específico, a música é uma homenagem aos que sofrem com a alienação parental, em que um dos pais assumiu a guarda total de um filho e envenenou a criança (neste caso, gêmeos) contra o outro genitor. É uma história muito triste, mas espero que a mensagem de amor eterno possa ser positiva. O arranjo é bastante simples, sou o pianista e cantor (Daniel Benisty), criei a melodia e meu produtor (Harrison Cole) acrescentou cordas, baixo, percussão. Muito obrigado por ouvir.Daniel

Respostas de Daniel Benisty

Braulio Rios – “Cori Dile” – (Porto Rico) – [MINI ENTREVISTA]

– O que diz a letra da música? A letra é uma auto reflexão sobre a vaidade e a hipocrisia de que participamos todos os dias na internet e em nossas vidas. É um chamado para tirarmos nossas máscaras e enfrentarmos o que nós, como sociedade, nos tornamos.
– Quais são seus pensamentos sobre o som e arranjo do single? Que elementos você trouxe?
A sonoridade da faixa é toda baseada em samples. O som pretendia soar como hip hop sulista sujo.
– Como ” Cori Dile ” se relaciona com a música porto-riquenha? Porto Rico, surpreendentemente, gostou da música trap. Há uma nova onda no trap que é mais suja e descontraída no som. Estou tentando trazer isso para o mundo do trap latino já existente, também os raps rápidos e as linhas de rap melódicas são flexíveis. Eu quero aumentar o nível de habilidade de rap em relações públicas. Vá mais difícil do que os caçadores e os esperançosos.

– Apresentação do Artista: “Eu sou Braulio Rios, não caibo em uma caixa, posso mudar e manifestar meu mundo em qualquer gênero musical de música. Acredito que a era da divisão musical acabou. Quero mostrar como isso pode ser misturado sem nem mesmo tentar. É só merda.”

Respostas Braulio Rios

Jane N’ The Jungle – “Raw As A Jewel” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Primeiramente, apresentem-se! Jane N’ The Jungle é uma banda de rock moderna de Phoenix, AZ com vocais que cortam como uma faca com uma atitude de não fazer prisioneiros influenciada por uma combinação de rock alternativo, metal e um toque de Punk.

– O que a letra nos diz? Qual sua mensagem? RAW AS A JEWEL é uma joia crua do pop-rock sobre ceder aos seus desejos e expor tudo com abandono imprudente. A banda dança em torno do amor e das segundas chances, desafiando o ouvinte a seguir seu coração.

– Quais são seus comentários sobre a sonoridade e arranjos? Foi inspirado pelo sentimento de renascimento da banda e desejo incansável de perseguir seus sonhos mais loucos, não importa o custo.

– Deixe uma última mensagem. “Como artista, estou sempre me esforçando para escrever, cantar e atuar no meu eu mais cru e autêntico. Foi uma luta dentro de mim, um sentimento que senti como se eu quisesse rastejar para fora do meu corpo, e eu queria retratar essa emoção em RAW AS A JEWEL.” – Jordan Branco
Respostas Jordan Branco

Michael von Frankfurt – “Neste Natal” – (Brasil) – [MINI ENTREVISTA]

– O que nos diz a letra de “Neste Natal“? Para me Natal “Weihnachten” em alemão é sempre uma data muito especial que eu viajo para Alemanha para encontrar minha família lá, meus país, filhas, parentes e amigos. Natal na Alemanha é muito diferente do Brasil. Saindo do calor do verão no Brasil (muito festa, praia e cerveja) para o frio e “escuro” Alemanha. A festa lá é muito mais “família”, encontro e tem um clima mais melancólico e talvez romântico. É difícil de explicar.

– Qual era seu contexto quando a compôs? A situação do mundo parece cada ano mais complicada. O mundo parece cada vez mais dividido em preto e branco, esquerda e direita, bom e mal. Isso acho muito preocupante, porque existem muitos tons de “cinza” no meio. Natal para me uma festa que deve reunir as pessoas e aproximar.

– Qual sua avaliação sobre a sonoridade e arranjos do single? Eu queria fugir dos tradicionais arranjos de “sinos”. fazer uma música “pop” moderno que é gostosa de ouvir. Música tem o poder de reunir pessoas em todo mundo. Também vou lançar uma letra em inglês, alemão da música em breve 🙂 A música também pode ser tocada facilmente com um violão só.

– Seria possível fazer uma ligação de “Neste Natal” com o Brasil, país onde você (um alemão) vive e trabalha há mais de duas décadas? Eu como alemão gosto muito do Brasil e dos Brasileiros. Olhando para um “contexto global” moramos num paraíso (Brasil é um país muito rico, temos minerais, petróleo, água e abundancia, estamos fortes em agricultura, estamos longe de guerras, temos tudo na mão). Eu desejo para NESTE NATAL uma nação mais unida. Eu acho muito importante que a gente depois das turbulências políticas se aproxima de novo. A humanidade tem muitos desafios pela frente e somente juntos podemos resolver.
Respostas Michael von Frankfurt.

Kala – “Broken Hearted” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que as letras significam? ‘Broken Hearted’ é sobre um ponto de virada em minha vida, onde decidi transformar minha família e traumas de infância em algo positivo. Essa foi a música que me fez começar a escrever Diary of a Depressed Creative e, finalmente, o que me deu a visão de criar um álbum que minha criança interior precisava ouvir.” – Kala See More

– Qual é a sua mensagem? Kala se concentra em suas experiências com problemas de saúde mental e em lidar com traumas, algo extremamente importante para ele e seus ouvintes.

– Como isso aconteceu? “Broken Hearted” é o primeiro lançamento do aguardado álbum de estreia de Kala , “Diary of a Depressed Creative”. É também o primeiro lançamento de Kala com Howard Benson e Neil Sanderson no Judge & Jury.

– Qual é a sua avaliação do som e dos arranjos do single? A música é produzida por Kala , Howard Benson e Neil Sanderson. É uma faixa pop punk/emo/pop rock, inspirada nos sons dos artistas favoritos de Kala.

– Por fim, apresente-se! Kurtis é a única entidade que é Kala . Desde escrever músicas em seu quarto, até cantar suas melodias crescentes e comprometê-las em faixas digitais de Jordan Chase (Produtor e Engenheiro). Kurtis realmente faz tudo, mas nem sempre foi assim. Seu projeto anterior, Kitsune, já foi uma banda completa, uma banda que se desfez em torno de Kurtis enquanto ele lutava para lidar com a perda repentina de seu pai. Sentindo-se abandonado, ele não sabia que rumo sua viagem musical tomaria – se algum. Em vez disso, ele mergulhou de cabeça em uma carreira online como streamer de videogame no Twitch sob o pseudônimo de “Kala”. Depois de ganhar um impulso significativo no mundo dos jogos online e se tornar uma espécie de celebridade de nível médio por mérito próprio, Kurtis logo se sentiu sendo puxado de volta para o mundo da música e para relançar como Kala , onde ele poderia derramar ambos suas emoções e seu talento. Com o lançamento de seu álbum de estreia no horizonte, isso realmente marcará um retorno triunfante ao que ele ama fazer. 

Respostas Kala

Gregor Strniša – “I Heart Kitsch” – (Eslovênia) – [MINI ENTREVISTA]

– Primeiro, apresente-se: Sou compositor, produtor e pianista da Eslovênia (UE). Escrevo música para trio de cordas, eletrônica e outros. Principalmente para Teatro, Dança, Peças de Rádio e Cinema. https://gregor-strnisa.com  No passado, por volta de 2006, colaborei com a coreógrafa do Brasil Denise Namura, ela trabalhava principalmente em Paris.

– O que a música diz? Existe alguma ideia por trás do instrumental? O título da música “I Heart Kitsch” significa que amamos o kitsch de maneira irônica. A primeira foi este tema musical arranjado para uma banda musical com a velha máquina de ritmo Elka Wilgamat, cordas e DJ, a segunda versão foi um arranjo para saxofone, guitarra e baixo e a terceira versão é uma versão para um pequeno brinquedo mecânico Lochomotive. Link para a versão Elka Wilgamat+DJ: https://open.spotify.com/track/4E2OW2BYpxSmW1v8XpYfuj?si=1564a67db8774ac4

– Faça seus pontos sobre o arranjo. Nada de especial. Usei nesse arranjo saxofone tenor, violão e contrabaixo. Tema 2x vezes no começo, do que sax solo e tema no final e boas músicas. E, claro, Estilo Latino Bossa Nova 🙂

– Qual é o lugar dessa música dentro da cena musical eslovena? Essa música foi lançada em 2001 no CD I Heart Kitsch. O sax foi tocado pelo saxofonista tenor Primož Fleischman, membro da Bigband RTV Slovenija ( https://bigband.rtvslo.si ) Ele estudou, entre outros, na Berkley School of Music em Boston. Para versão com máquina de ritmo, cordas e DJ fizemos videoclipe em 2001. Link para a nova versão digitalizada da fita Beta em 2020: https://youtu.be/PcLKi1pGV-8

Respostas Gregor Strniša

 

Raveis Kole – “So Nice” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Apresente-se e apresente o vídeo: Dennis Kole: Olá! Somos Laurie Raveis e Dennis Kole, uma dupla musical de marido e mulher do Pacífico Noroeste, EUA. Como Raveis Kole, criamos e executamos música eclética Americana/Folk. Nós realmente gostamos de fazer música – elaborando nossas letras e melodias, pegando emprestado as influências do world music e aprimorando nossas habilidades para melhorar nossa musicalidade como uma dupla. Laurie Raveis: Nosso vídeo “So Nice” celebra a alegria de abraçar e saborear momentos preciosos. É gratificante perceber como as coisas podem ser maravilhosamente simples, como observar a água na baía, sorrir para outra pessoa ou outras experiências cotidianas.

– Sobre o que é a letra da música? Laurie Raveis: Todos nós precisamos sentir conectados com outras pessoas para podermos realmente florescer e desfrutar da expressão mais plena de nossa humanidade. No mundo de hoje é fácil sentir-se fragmentado e isolado, mas quando desacelero e me torno mais aberto e conectado com o que está acontecendo ao meu redor, e quando dirijo minha atenção para o que posso agradecer, aqui e agora, seja a natureza, eu ou outras pessoas, sinto uma felicidade alegre e uma conexão com algo maior do que eu. As letras são minha maneira de compartilhar essa experiência universalmente disponível.

– Quais são seus pensamentos sobre o som e arranjo do single? Dennis Kole: O vocal sincero e íntimo de Laurie foi melhor apresentado por um arranjo musical simples e acessível que apoiaria a mensagem da música e soaria como um sorriso e pareceria uma respiração profunda e calmante. Os assobios foram uma adição divertida e espontânea que acrescentou uma dimensão extra de inocência, diversão e acessibilidade. Como uma nota divertida, também incluímos o cavaquinho como parte de nosso arranjo instrumental!

                Respostas de Raveis Kole

The b – roads – “Yeah Yeah Sure Sure” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]

APRESENTE-SE AO LEITOR. Olá do meio da Inglaterra. Sou John Paul Turner – músico/escritor de meia-idade de The B Roads . O nome do meu projeto é sinônimo da minha intenção. No Reino Unido, ‘ B Roads ‘ são estradas secundárias que contornam as estradas principais e autoestradas. Minha inclinação e determinação preferida baseiam-se nessa abordagem. Estou interessado em lugares e coisas pequenas e fora do caminho. minha música é 75% instrumental, mas às vezes fico entediado com isso e só quero cantar uma música. Você vai preferir esta música se tiver mais de 35 anos. 

 –  O que diz a letra? A música ‘ Yeah Yeah Sure Sure ‘ é sobre decepção. Em algum momento hoje você encontrará algo e pensará: ‘Isso é um golpe’. Essa música é para esse momento. Um canto para as cortinas de fumaça, mentiras, golpes e falsidades que ouvimos, vemos e dizemos todos os dias. Todos nós fazemos isso e fazemos isso o tempo todo. Mesmo a autocensura ou a polidez aberta são falsidades óbvias e constrangedoras, e propagam um cansaço e um cinismo que não são saudáveis. Então, eu escrevi isso como uma ‘canção de resposta’ para os golpes, blags e arrogância, como um identificador, um antídoto para as inverdades que conhecemos muito, muito, bem. 

 –  Qual é a ideia por trás disso? A ideia vem de um conto escrito para filme chamado ‘Subtext’. Era sobre um casal vivendo suas vidas separadas em um dia normal em uma cidade grande, mas com legendas em sua própria língua – então eles diriam uma coisa, mas queriam dizer outra – o significado seria a legenda. Por exemplo, um “Oi, como vai você” falado seria legendado “Oh…… você ainda está vivo….” Quase todas as interações ao longo do dia foram matizadas com dois significados – um falado – e outro legendado – foi uma ilustração da tensão de nossa caminhada diária na corda bamba da verdade e no mastro de equilíbrio da polidez. Em termos de música, foi uma destilação dessa ideia – ter um refrão que pudesse passar para a conversa cotidiana como uma reação à besteira – ouvir/ver algo falso? ‘ Sim, sim, claro, claro ‘. Então, a intenção era, uma ferramenta -um refrão para cantar/dizer, para usar para demitir alguém ou algo falso ou falso.  O filme nunca foi feito 

 –  Como você define a sonoridade do single?  Rock psicodélico de blues freak-folk. Fun Lovin Criminals com sabores de funk acústico ácido.  

 –  Tem alguma história interessante ou curiosidade sobre o lançamento? Imagine isto: Shinjuku Tóquio. Um gerente intermediário de Gaijin canta karaokê para a versão de Rod Stewart de ‘Trem do centro’ de Tom Waits. Um olhar promissor de uma garota com uma capa de batman se transforma em decepção quando ela sai no último refrão.  Desgosto completo. Eu queria traduzir o olhar em seu rosto em música. 

  Respostas John Paul Turner

Tanya Winch – “Digging in the Dirt” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Esta música é, em certa medida, uma homenagem. Explique! Essa música é, até certo ponto, uma homenagem à luta diária de cair e se levantar… mesmo quando a vida está confusa.

– Como você usa essa homenagem para levar sua mensagem? Afinal, qual é esta mensagem? No final, a música carrega a mensagem de que, mesmo que sejam feitas escolhas menos do que perfeitas, todos nós estamos tentando o nosso melhor e espero que todos nós colhamos bem do que plantamos.

 – Quais são suas considerações sobre a sonoridade e arranjo do single? Este single foi propositadamente produzido com muita pouca produção e vocais íntimos reduzidos. Soa igual a como cantamos ao vivo.

– Apresente-se aos nossos leitores neste último espaço. Meu nome é Tânia Winch. Sou um cantor e compositor de Austin, Texas. Eu toco e canto em 4 bandas ao vivo e, em uma banda, toco bateria e percussão junto com backing vocals.

                 Respostas de Tânia Winch

Claire Davis – “Times Have Changed” – (Canadá) – [MINI ENTEVISTA]

– Qual é a letra dessa música? O que isso nos diz? Liricamente, essa música é uma reflexão muito pessoal para mim sobre minha jornada de cura de quebrar ciclos tóxicos em minha família. De um modo geral, aplica-se a quaisquer obstáculos que as pessoas possam ter que superar em suas vidas e como o caminho da superação geralmente é seguir seu coração e escolher a si mesmo. Acho que muitas pessoas ressoariam com essa mensagem agora, considerando os tempos sem precedentes em que vivemos. O mundo está mudando e estamos aprendendo a mudar com ele.

– Comente sobre o som e os arranjos do single. Gravo todas as minhas músicas usando um processo analógico (gravação em fita), que considero importante para a estética geral que quero alcançar. Eu também gosto muito de tocar dentro dos limites do uso de fita – você não pode cortar e colar do jeito que você pode quando grava digitalmente, então você se concentra mais no momento, semelhante a uma performance ao vivo. Meus maravilhosos amigos da Safe Spaceship, que é uma produtora aqui em Toronto, compuseram e arranjaram a música para a faixa e eu pedi ao compositor/arranjador La-Nai Gabriel para escrever as partes da seção de metais que se encaixavam perfeitamente.

– O que “Times Have Changed” revela sobre seu próximo álbum? Este single mostra um lado mais profundo da Soul Music que tenho explorado para o álbum. Acho que o gênero tende a ser principalmente sobre relacionamentos românticos, mas gosto de falar mais sobre o relacionamento que temos com nós mesmos. Eu exploro muitos temas diferentes no álbum, mas sinto que é tudo centrado no tema da autoestima.

– É possível posicionar, até que ponto, essa música e suas outras dentro da cena musical canadense? O Canadá não tem uma grande cena de soul music, então pode ser difícil descobrir onde eu me encaixo, mas apesar disso eu tenho recebido apoio e feedback maravilhosos da minha música. Também estou muito feliz por ter trabalhado com a LRK Records no Reino Unido, onde há uma demanda maior por soul music especificamente em vinil, algo pelo qual sou realmente apaixonado. Meu objetivo é fazer uma turnê no Reino Unido e na Europa nos próximos dois anos para ver se posso continuar a expandir meu público lá.

Respostas de Claire Davis

Harbor & Home – “Rest a little while” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que as letras significam na música? Acho que a luta mais difícil para eu superar como artista é o puxão entre um trabalho que paga as contas e perseguir a vida de artista. Esses últimos anos foram extremamente difíceis de manter o equilíbrio na vida e me encontrei exausto com o esforço. Essa música é o reconhecimento da minha necessidade de tirar um tempo para descansar . Mesmo que isso signifique deixar algo que eu realmente me importo, como música ,  descansar um pouco .

– A mensagem por trás da música? O importante a ser lembrado na vida é que sua saúde mental não é algo para se tomar de ânimo leve. Não podemos simplesmente ir ao posto de gasolina e reabastecer o tanque de nossas mentes e reabastecer o que constantemente despejamos. Não há solução rápida para isso. Precisamos ter tempo para reabastecer nossas mentes com descanso . É preciso um esforço extremo para reservar o tempo que você precisa para se recuperar, e às vezes isso significa deixar as paixões ou outras atividades descansarem também.

– Quais são seus pensamentos sobre o som da música? Esta é uma das primeiras músicas que realmente explora a música country para nós sem tentar jogar outro rótulo de gênero nela. Tem sido muito divertido explorar os diferentes usos da instrumentação e fazer com que as letras realmente tomem o foco. Escrever para este EP foi emocionante e gratificante; sendo honesto sobre as lutas pelas quais estamos passando e realmente nos apoiando no que quer que saia do estúdio. Muitos músicos fantásticos colocaram seus toques pessoais nesta música e estamos extremamente satisfeitos com o belo resultado que temos. Estamos muito animados para ver a resposta dos fãs!

Respostas Caleb Williams

Valoramous – “Knocked Me Off My Feet (feat. Chibs & Endustrie)” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Como surgiu “Knocked Me Off My Feet”? Frustrado com a falta de ideias, criei uma faixa instrumental rápida e experimental. Enquanto isso, um amigo no Japão escreveu os versos. Depois, entrei em contato com um amigo de infância e cantor, que me conectou a um produtor de Rock. O produtor de Rock e eu criamos uma amizade através da criação desta música.

– O que a letra diz? A vida é uma viagem, então tentamos transmitir essa mensagem através dessa música. A música deve proporcionar momentos de euforia e nostalgia ao ouvinte enquanto você se lembra de memórias do passado. A mensagem da música pode ser interpretada de duas maneiras: 1.) um outro significativo que “derrube você de seus pés”, ou 2.) um poder religioso superior que “o derrube”.

– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? Os aspectos mais interessantes dessa música são: 1.) o verdadeiro esforço colaborativo para criar a música e 2.) a árdua jornada para completá-la. Entrei em contato e trabalhei com quatro ou cinco cantores diferentes antes de encontrar um cantor que combinasse com a vibe da música instrumental. No final, nos comprometemos utilizando as letras de um compositor, a performance de outro cantor, elementos de rock (bateria e guitarras) de um produtor de rock e elementos de EDM (sintetizadores, efeitos e bateria) de meus esforços como produtor. Passamos por vários contratempos e passamos quase 20 meses para concluir a pista. Esperamos que todos gostem da nossa música reflexiva, nostálgica e eufórica de Rock/Pop/EDM (ou com tema cristão), “Knocked Me Off My Feet”.

Respostas de Valoramous

Wu’Ra – “More to Life” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]

– Primeiramente, apresente-se! Meu nome é Wu’Ra, um cantor e compositor residente em Londres e ex-semifinalista do The Voice UK (2021).

– Por que gravar esta música neste formato intimista e acústico? De forma impressionante, num total de 6 horas “More to life foi escrito, gravado e filmado”.
Fui para o estúdio porque estava me sentindo muito mal comigo mesmo e com a vida em geral. Eu precisava criar algo, idealmente uma canção de amor que eu pudesse adicionar à minha lista de shows em casamentos. Porém, chegando ao estúdio comecei a ter uma conversa aberta com meu amigo Alywin Steele que produziu e tocou guitarra na faixa. A conversa ficou honesta muito rapidamente sobre família, vida, estar preso no limbo e questionar o que vem a seguir. Discutimos as lutas atuais da crise do custo de vida e as verdades brutais desse caminho. Por fim, escrevemos uma música sobre esperança e sua relevância em saber que, no fundo, não pode ser isso e deve haver um final feliz.
A decisão de deixar a pista, crua, acústica e sem polimento foi intencional.
Assim como a música não quis disfarçar a minha verdade. Era como eu estava me sentindo!

– É possível compararmos sua música com o cenário da música regional? Com relação a me comparar com a cena musical. Isso é difícil de responder. Eu amo tantos gêneros e artistas. Das minhas raízes africanas ao rock, country, música gospel e muito mais.
Eu realmente não quero ser como ninguém, estou em uma jornada de autodescoberta e descobrindo o que está dentro de mim.

Respostas de Wu’Ra

HAAS – “Lotus in the Mud” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Primeiro, apresente-se! Eu sou um cantor/compositor americano, originalmente de Wisconsin e atualmente residindo no sul da Califórnia. Levei minhas influências folk comigo desde minha criação em Wisconsin e misturei meu amor pelo rock experimental e psicodélico em um estilo único de música.

– O que a música nos diz? A música foi escrita há muito tempo, no colégio. Trata-se de buscar inspiração, tentar descobrir qual é o lugar que leva a empreendimentos  criativos. Uma grande parte disso para mim, pelo menos quando eu era jovem, é ser completamente obcecado por alguém, sentir aquele vínculo forte que te deixa quase louco. Esse é o refrão da música. Há um certo elo psíquico que nasce disso, quase como se vocês compartilhassem uma mente, e disso brota todo tipo de espontaneidade e poesia que surpreende até a mim.

– Qual é a sua mensagem? Continue cavando mais fundo. Há uma riqueza de inspiração enterrada sob os escombros de nossas vidas.

– Como você considera o som e os arranjos da música? Eu estava ouvindo o álbum Mellow Gold de Beck quando escrevi isso. Eu queria escrever algo que pudesse aparecer naquele álbum, então com certeza há influência folk ali. Começou muito mais cru e nu do que é agora, mas eu não conseguia parar de brincar com isso. Eu apenas peguei e continuei roendo ao longo dos anos.  As letras são muito abstratas, mas ainda soam verdadeiras de alguma forma. É uma mistura de folk e vanguarda.

– Até que ponto a música está ligada à música norte-americana? Eu consideraria esse gênero Cosmic Americana, uma ramificação de Americana, que obviamente tem suas raízes na música norte-americana. É um gênero musical pouco conhecido que eu acho que precisa ser explorado e expandido. Gram Parsons foi o primeiro que eu saiba a explorar as fronteiras do folk e do country como artista solo e em seu trabalho com The Byrds e The Flying Burrito Brothers. A razão pela qual esse estilo de música me fascina tanto é porque a música folclórica tradicional tem uma tendência a ser muito simples e puritana, usando os mesmos instrumentos, aderindo à tradição, sem colorir demais as linhas. Lembre-se de como os fãs de Bob Dylan ficaram agressivos quando ele plugou uma guitarra elétrica?! A Cosmic Americana oferece mais espaço para experimentar elementos psicodélicos, semelhante como a cumbia psicodélica evoluiu na América do Sul. Embora eu ame os elementos terrosos do violão, bandolim, piano, percussão e coisas dessa natureza, eu também amo oelementos arejados de gravações de campo, sons encontrados, sintetizadores, atrasos, reverbs e modulação.      

                           Respostas Jory White

ALIX – “Last Dreamer” – (Itália) – [MINI ENTREVISTA]

– O que você diz nos versos de “Last Dreamer”? Há alguma mensagem central? Last Dreamer” é uma viagem de amor em que a protagonista se deixa levar como uma onda no mar, alimentando-se das emoções, do som da terra e pedindo-nos um beijo para continuarmos a sonhar.

– Como você define a sonoridade e arranjo? Psicodélico, garagem, grunge

– Qual o ponto de encontro de “Last Dreamer” com a música italiana? Mais do que um ponto de encontro, há a consciência de que existe um mundo musical underground na Itália que tem muito a dizer.

Respostas ALIX

Ryan Wayne – “Wherever You Land” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]

– Primeiro, apresente-se: Meu nome é Ryan Wayne. Atualmente moro em Toronto, Canadá, com minha esposa maravilhosa e dois filhos incríveis. No início deste ano, um susto de saúde me encorajou a terminar algumas gravações em que estava trabalhando e acabou me levando às margens do rio Hudson, no estado de Nova York, para finalizar a produção e mixar um novo disco com o vencedor do Grammy, Malcolm Burn (Bob Dylan, Emmylou Harris, Patti Smith, Daniel Lanois). O álbum, “Crow Amongst the Sparrows”, com lançamento previsto para a primavera de 2023, será o meu primeiro como artista solo desde meus dias de turnê e gravação com a Warped 45s (Pheromone Records). “Wherever You Land” é o primeiro single do novo disco.

– O que significa a letra de ” Wherever You Land “? A música começou como uma carta de despedida para o falecido John Prine em abril de 2020. Nos dias após sua morte, e em um forte bloqueio pandêmico, eu estava tirando o lixo entre a nossa casa e a próxima, um beco estreito e desordenado. Voltando ao meu lugar, fiz uma pausa, uma neve suave caindo, um tanto incomum para abril, e levei um momento para olhar ao redor. Um melro estava empoleirado na árvore de amora nua, e um vizinho, sem camisa e fumando, gritava de sua escada de incêndio, não me lembro o quê, mas era uma espécie de check-in, quando todos ainda estávamos procurando fora um para o outro. Com isso em mente, voltei à minha carta de despedida para John Prine – que realmente se transformou em uma música sobre superar dificuldades e encontrar um lugar de pouso suave, para todos nós, onde quer que seja. Enquanto escrevia essa música, pensei na música de Prine, “Paradise”, e nas margens do Green River que ele lembra com tanto carinho desde a infância (antes da Coal Mining chegar), e pensei nos melros sobre os quais ele canta em “Everything is Legal”. Tentei respeitar essas duas imagens.

– Qual é a sua mensagem? Encontrar conforto nos pequenos momentos e na gentileza de estranhos. Todos nós somos vulneráveis ​​e nenhum de nós está isento das vontades de morte, doença ou morte.  

– Comente sobre o som e arranjos do single. A música mudou, primeiro, de um poema/carta para uma música acústica de fogueira e, finalmente, para uma produção completa da banda. Os arranjos e sons tentaram seguir a emoção da letra – que rapidamente implorou por grandes harmonias no refrão, principalmente ao cantar:”. Kelley McCrae, de Austin Texas, cantou junto. Ela realmente elevou a coisa toda. Por um tempo, a música estava acontecendo em 4/4, mas depois começou a valsar, meio que sozinha, então eu valsei junto.

Respostas Ryan Wayne

Wilson diaz – “Yo te alabare” – (Colômbia) – [MINI ENTREVISTA]

– O que diz a letra de “Yo Te Alabare”? O cântico fala da grandeza do nosso Deus, como diz a sua palavra, os céus falam da sua glória, o firmamento é obra das suas mãos, pelas quais ele é digno de louvor.

– Como ela surgiu? Aconteceu olhando a paisagem o firmamento me inspirou a escrever esta carta.

– O que você buscou transmitir com essa sonoridade simples? Com o som dessa música tento transmitir paz e tranquilidade.

                 Respostas de Wilson Diaz

Sparxsea – “Forever Love” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que diz a letra da música? “Forever Love” é sobre encontrar o amor dentro de nós mesmos, e foi escrito depois de anos de depressão pela trágica morte de minha mãe. Levei muito tempo para perceber que poderia curar minha dor e trauma de infância, permitindo que as histórias viessem à tona, em vez de ficarem enterradas por dentro. Durante a maior parte da minha vida, escondi partes de mim e me senti muito sozinho. Quando finalmente comecei a iluminar minha escuridão, pude sentir o amor florescendo. Acredito que quando nos tornamos nosso verdadeiro eu, criamos um mundo onde todos podem fazer o mesmo.

– Em que contexto ela surgiu? Escrevi alguns dias em minha casa escura depois que meu namorado de sete anos me deixou. Eu estava pensando por que estava preso em minha depressão e onde o amor poderia realmente ser encontrado. Percebi que quando tudo ao nosso redor se foi, ficamos apenas com nós mesmos… e é aí que nosso amor começa.

– Quais são suas considerações sobre o som e arranjo do single? Tenho a honra de ter muitos grandes artistas nesta música, incluindo Tim Reynolds da Dave Matthews Band na guitarra clássica, Jerome Deupree da Morphine na bateria, David Yearwood da Forét Endôrmie no contrabaixo, Will Bradford da Seepeoples no piano, guitarra elétrica e produtor da música, e Will Holland no Chillhouse Studios em Boston, MA pela produção, mixagem e masterização. Uma bela colaboração!

Respostas de Sparxsea

Ryan Hicks – “No Life For Me” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]

– Apresente-se. Eu sou Ryan Hicks. Eu sou um artista de Regina, Saskatchewan, Canadá. Embora eu seja um novo artista (lancei meu primeiro álbum em 2014), escrevo canções há 30 anos. Também sou professora que trabalha com jovens com problemas comportamentais e de ansiedade. Eu descreveria minha música como melódica, música pop alternativa americana – como se McCartney, Brian Wilson e Fleet Foxes fizessem música para David Lynch. Sou cantor e compositor, multi-instrumentista, produtor e cineasta. 

– O que significa a letra da música? A letra fala sobre como seria ser casada com um pintor (não sou, mas usando minha imaginação). Um pintor vê a pintura em sua mente antes de colocar um pincel na tela. Se eles estão acostumados a ter tudo planejado e predeterminado, como eles viveriam suas vidas? Em contraste, no versículo dois estou dizendo
“Não sei muito. Apenas água e árvores. Não precisa se preocupar com o que não posso ver”. Sou eudizendo que não sei o que o futuro reserva, mas abrace o mundo ao meu redor e tente viver o momento. Na ponte eu canto, “Tempo é a única coisa que importa. Continue”. estou tentando dizer não importa quais lutas e desafios enfrentamos, para manter a esperança e continuar vivendo sua vida. 
 – Quais são seus pensamentos sobre o som e arranjo do single? Eu amo como a música acabou. Esta música foi escrita pouco antes de eu gravá-la enquanto eu era aluno de uma aula de composição on-line ministrada por Robin Pecknold do Fleet Foxes. Ele é um dos meus compositores favoritos e foi uma alegria aprender com ele. Sua abordagem para escrever costuma ser uma série de perguntas e eu usei essa abordagem para essa música. A pergunta que fiz a mim mesmo foi: “Como seria ser casada com um pintor?”, “Que tipo de vida eu quero?” e “Posso escrever uma canção de amor em outra fórmula de compasso (essa música está em 6/8)?” Indo para a sessão de gravação, eu queria experimentar essa música, mas percebi que ainda era um trabalho em andamento. Decidi não pensar demais no processo e trabalhar a intuição no estúdio. Começamos com a parte do piano que toquei em um belo e antigo piano vertical e uma faixa básica de baixo e violão. No final do dia gravei meu vocal e lembro de fechar os olhos e cantar com o coração. Em vez de tentar aumentar meu vocal forçando minha voz, relaxei minha voz e cantei quase sussurrando em seções. A ponte é legal porque fizemos a mudança da música em uma sensação diferente. Meu baterista, Tristan Helgason, tocou um pedaço de chapa de metal com marretas. Quando ele fez um roll como você faria em um tímpano, isso nos deu um som muito legal (quase como um trovão). Jonathan Anderson, meu co-produtor e colaborador adicionou muitos pequenos sons que você só ouve na ponte que junto com a percussão dão à música uma sensação de inquietação na ponte até chegarmos à seção “continue” onde tudo vem um clímax. 

– Há alguma história interessante ou curiosidade sobre o lançamento? Embora esteja orgulhoso de meus álbuns anteriores, sinto que um erro que cometi no passado foi apressar muitos aspectos da gravação para levar minha música às pessoas. Eu realmente dediquei meu tempo a este projeto para garantir que daria à música a atenção e o cuidado que ela merecia. Canção das músicas do meu próximo álbum, no qual venho trabalhando há anos. Essa música, ” No Life For Me ” é a música mais rápida que eu já escrevi e a memória de ir para o estúdio e trabalhar nela espontaneamente eu sempre vou lembrar. Adoro o vídeo que a cineasta Stephanie Kuse fez paraisto. Nós filmamos em um belo teatro da Broadway em Saskatoon. Saskatoon é onde Joni Mitchell cresceu (há uma placa dedicada a ela do lado de fora do teatro). Apesar de não tentar copiar, eu amo Twin Peaks e sempre amei a vibração em que eles apresentavam atos musicais no The Roadhouse no programa. Queríamos capturar a mesma vibração melancólica e usamos elementos visuais (por exemplo, cortinas vermelhas, cores saturadas para expressar o amor na música) para prestar homenagem. Sinto que estou me destacando como artista e este próximo álbum reflete isso. O álbum, embora não seja sobre a pandemia, foi escrito durante ela e acho que isso transparece. Eu tinha muito tempo para mim e me perguntava grande vidaperguntas como as desta canção. Quero passar uma mensagem de amor, otimismo e como diz a letra, “continue”. Essa música em particular está perto do meu coração e estou feliz que ela ressoe tanto com as pessoas ao redor do mundo. Obrigado por reservar um tempo para ouvir minha música e me permitir compartilhar meus pensamentos sobre a música.  

Respostas Ryan Hicks

Mikey Whisper & the Sweet Nothings – “She’s My Baby” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que você diz nos versos de ” She’s My Baby “? Existe uma mensagem central? A mensagem principal da música é mostrar apreço por aquela pessoa especial.
– Quando e como essa música surgiu? A música surgiu durante uma sessão de composição de férias. Foi escrito em poucas horas durante um período de duas semanas onde escrevi sete músicas para este projeto.
– Como você define o som e o arranjo? Qual é o ponto de encontro de ” She’s My Baby ” com a música norte-americana? – Eu descreveria o som como partes iguais de novo e familiar. Tem aquela vibe soul dos anos 60 ala Sam Cooke, Smokey Robinson e Al Green, mas oferece de uma forma que será refrescante para seus ouvidos.
Respostas Mike

Julian Rybarski – “Better Luck Next Time” – (Alemanha) – [MINI ENTREVISTA]

– O que você diz nos versos de BETTER LUCK NEXT TIME? Ambos os versos andam juntos, mais ou menos: Eles são sobre pessoas que lhe dão conselhos terrivelmente ruins, porque gostam de se ouvir falar e acham que sabem mais , mesmo que não tenham ideia do que você é, quem você é, o que suas ambições são. Eles vão falar sobre si mesmos, porque não podem imaginar que haja vida além deles. Ah, e há um pouco de jogo de palavras também, como “as cordas que se quebram e os laços que unem”, e isso simplesmente soa bem no contexto.

 – Existe uma mensagem central para a música? Sim, definitivamente existe: encontre a força em si mesmo para deixar falsos amigos irem, para mandá-los embora. Confie em si mesmo! Não se deixe abater pelos pessimistas, os sabichões, os bajuladores cansados!

 – Como e quando você compôs a música? Escrevi BETTER LUCK NEXT TIME em duas sessões bastante curtas: primeiro tive alguns trechos líricos e a ideia de um som que queria seguir, e assim que acompanhamento de guitarra se encaixou, a música nasceu! Entre janeiro e março de 2022, a tempo das gravações. Escrevi a música no meu violão, que é o que normalmente faço, e adicionei instrumentação e vozes na minha cabeça, experimentando um pouco, gravando demos, até chegar a uma versão final compacta.

 – Como você define o som e o arranjo? Optei conscientemente por um híbrido pop-beat-rockabilly, atualizado para os nossos tempos. O som foi obtido principalmente tocando ao vivo no estúdio com a banda e as trompas adicionadas, procurando sons a serem produzidos pelos instrumentos e amplificadores, e não na pós-produção (evitando replicar uma música de 1964 – estamos em 2022). Usei minha base de jazz, swing e rockabilly para o arranjo, encaixando tudo em um formato curto e enérgico!

– Como BETTER LUCK NEXT TIME se encaixa na música pop alemã como um todo? Quanto a como isso se encaixa na cena alemã, ou como pode ser representativo da música pop alemã como um todo, acho que a cena musical alemã é muito ampla e diversificada. Certamente existem artistas que buscam um som semelhante e outros com uma abordagem completamente diferente. Não acredito que meu som seja fortemente influenciado por bandas alemãs, nem que eu busque uma abordagem muito alemã para composição, produção ou apresentação. Muitas vezes minhas canções foram percebidas como vindas de outros lugares. Ainda assim: eu escrevo, gravo e toco muito na Alemanha, então acho que o que faço faz parte da música pop alemã! BETTER LUCK NEXT TIME é uma música sobre conselhos bem-intencionados, mas terrivelmente ruins, dados por pessoas que gostam de se ouvir falar, mas decidem que não se importam com a pessoa à sua frente. Parece familiar, certo? E: É este o ataque dos Mansplainers? Essa música dá adeus a eles de maneira amigável enquanto coloca uma distância entre eles, rápido. Empoderador lírico e musicalmente, Julian Rybarski mostra que, felizmente, você não precisa levar esse conselho a sério e que seu lugar na vida não é para ser apreciado por qualquer pessoa… e que encontrar pessoas muitas vezes pode parecer uma loteria – você provavelmente terá mais sorte da próxima vez . Talvez até mesmo todos esses maus conselhos cheguem aos ouvidos abertos! Bem, esperemos que não. A música BETTER LUCK NEXT TIME de Julian Rybarski é uma interpretação indie irônica, mas nunca cínica, de uma música rockabilly, uma miniatura musical pop abaixo da marca mágica de três minutos e, em termos de guitarra, um tributo moderno a George Harrison, Brian Setzer e Jeff Beck.

Respostas Julian Rybarski

Antsy – “Colours & Shapes” – (Islândia) – [MINI ENTREVISTA]

– O que diz a letra da música? Qual sua mensagem? A letra é sobre testemunhar alguém passando pela vida e seus desafios, aprendendo com os fracassos do passado e sempre tentando novamente com força de vontade.  Não sei se há uma mensagem em si. Mas se eu tivesse que encontrar um, seria para nunca desistir.

– Quais são suas considerações sobre a sonoridade do single? Eu queria fazer uma música que as pessoas pudessem dançar, com uma típica batida de bateria de quatro no chão. Minhas influências são principalmente indie rock, mas essa música de alguma forma também foi inspirada pelo acid house. É uma espécie de mash-up das minhas influências indie rock, uma pitada de acid house e meu próprio som indie pop/synthpop.

– Deixo este último espaço para que se apresente. Sou francês, mas moro em Reykjavik na Islândia há quase 8 anos, onde faço indie pop com sintetizadores e baterias eletrônicas. Minhas músicas são diretas e rápidas, mas muitas vezes há uma melancolia subjacente nelas.

Respostas de Antsy

Lou’s Rendezvous – “Sleeping in the Foyer” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que você diz na letra? A letra principal desta música é, “Eu encontrei você dormindo no foyer, ninguém está vindo atrás de você? Eu tive que passar por cima de você para chegar à porta”
– Há alguma mensagem central? Não há uma mensagem central nessa música. Há cerca de um ano, encontrei meu vizinho falecido na entrada do meu apartamento no Queens, em Nova York. 
– Comente sobre a sonoridade e arranjos. Meu som é um estilo muito lo fi dyi. Muito simples e um pouco tradicional. Não sei fazer de outra forma. Toda a minha execução foi uma primeira tomada e eu redigi as letras enquanto as gravava. Então o que saiu na primeira tomada é o que foi usado.
– Fale sobre o álbum. Este lançamento consiste em 3 músicas todas escritas por mim. Este é o meu segundo lançamento este ano e está sendo transmitido em todos os lugares. 

Respostas de Lou Koster

Leah Harris – “New Man” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Primeiro, apresente-se! Oi! Meu nome é Leah e estou muito feliz por falar com você hoje. Eu sou um cantor/compositor e pianista baseado em NYC. Eu amo a música Soul, Motown e Blues. Eu cresci no Canadá bem na fronteira com Detroit, então tive a sorte de ser exposto à cena soul de Detroit que moldou muito da minha própria escrita. Agora moro nos arredores de Nova York com meu marido e um cachorro Husky (ele também canta!).

 – O que as letras nos dizem? “New Man” é meu mais novo lançamento, e este é mais divertido do que algumas das minhas outras faixas. Eu escrevi a música sobre meu marido. Eu me considero muito sortudo por ter conhecido um bom homem que cuida muito bem de mim e compartilha meus valores. Como muitas pessoas navegando pela vida de solteira, conheci pessoas no processo que não compartilhavam desses mesmos valores. Alguns dos desafios que surgiram realmente me ajudaram a reconhecer e apreciar o relacionamento positivo que tenho. A música é basicamente sobre mostrar meu novo homem! Espero que também sirva de inspiração para quem procura sua alma gêmea e ainda não a encontrou.

 – Qual é a sua mensagem? Acho que as pessoas complicam demais o namoro às vezes. Começamos a procurar tantos detalhes insignificantes que nos esquecemos dos fundamentos. Quando conheci meu marido, percebi que passar um tempo com ele me fazia sentir como “em casa”. Eu era novo em Nova York e me deparei com muitas situações desconhecidas. Sempre que Dan estava por perto, eu me sentia aliviada e sabia que sempre tinha um lugar para onde ir, onde poderia ser eu mesma, relaxar e me sentir segura. Dividíamos o mesmo senso de humor, ele se dava muito bem com minha família e tínhamos uma forte ligação desde o início. Antes de conhecê-lo, tentei me convencer a fazer os relacionamentos errados funcionarem. Paciência vale a pena!

 – Quais são seus comentários sobre o som e os arranjos? A gravação dessa música foi uma experiência emocionante. Voamos para Nashville para trabalhar com o produtor vencedor do GRAMMY, Sal Oliveri. Eu amei a maneira como ele abordou essas faixas. Ele fez muitas perguntas antecipadamente para ter certeza de que estava usando as influências soul apropriadas (eu queria uma bateria inspirada nos anos 70 ou 90?). O estúdio era inacreditável e eu realmente não conseguia acreditar nas habilidades dos músicos de Nashville. Toda a experiência foi algo especial que sempre lembrarei. Eu coloquei muito do meu coração na composição dessa música, então foi bom saber que estava em boas mãos com o lado da produção. O objetivo da produção dessa música era trazer alguns dos sons de Detroit e outras influências do Soul, ao mesmo tempo em que dava à faixa um toque atual. Espero que os ouvintes gostem do som. Muito obrigado por me receber!

Respostas Leah

Curtains – “Downturn” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– Primeiro, apresentar-se aos nossos leitores? Nós somos Cortinas: Mike (vocais, violão); Micky (bateria); Wes (baixo); John (violão). Somos uma banda punk de Orlando, Flórida, nascida nos anos 90 da banda punk Shyster e da banda punk-idie dos anos 2000, The New Lows. Wes e Mike tocam juntos desde os 13 anos, Micky tocou em The New Lows, Crawlspace, Shaking Hands. John estava em Commonplace, Grave Return, Professional Russian….

– O que a letra deste single nos diz? Qual é a sua mensagem? As três canções são sobre esperança e desesperança, amor e luxúria, manteiga de amendoim e geléia, sendo um alienígena disfarçado de humano, e terminando em muitos buffets. Metafísico noir. Nossa mensagem é o caos. “o hipnotizador partiu o pulso, tropeça no banheiro enquanto isso…” “Do outro lado do espelho, afaste-se ou eu juro que vou desaparecer. Aos seus olhos tudo o que escondo” – Não um homem da terra! “Eu me colocaria à prova, para resolver aquele nó em seu peito, que muitos dedos dobram, mas nós nos mantivemos dispersos”

– Quais são seus comentários sobre o som e os arranjos da canção? Eles são canções folclóricas com estrutura tradicional de pop rock e algumas surpresas. Angsty melancólico, alcoólico bucólico. Baladas frenéticas.

– O que você acha que “Downturn” acrescenta à cena punk americana? É conceitualmente um mosto de uma canção Jawbreaker e uma canção Misfits – por isso é uma espécie de homenagem às influências enquanto tenta ser algo próprio. É uma espécie de microcosmo de nossa banda. Ela acrescenta nosso yalp bárbaro a qualquer um que esteja ouvindo. Americano ou não.

                  Respostas de Curtains

Davy Lyons – “Quiet in the Morning” – (Irlanda) – [MINI ENTREVISTA]

– O que diz a letra da canção? A letra fala do comum, do cotidiano. Elas foram escritas durante o intenso bloqueio de 2020, enquanto grande parte do mundo foi subjugada em uma época de estranha quietude. Muitas manhãs eu passei na pequena sacada do meu estúdio no topo de um prédio no centro de Barcelona. Lá, de madrugada, enquanto o sol nascia, eu trabalhava na canção sentado em uma mesa de jardim da IKEA com uma xícara de café e meu violão. Escrevi sobre o que vi e ouvi: os pássaros, os sinos da igreja, uma bandeira da independência soprando, e um vizinho gritando. Ao gravar o momento presente, eu estava tentando tocar a cadência natural e fiel que está sempre tocando, mas tão raramente senti. Em outras palavras, a música do que acontece.

– Qual é a sua mensagem a partir deles? Que a vida é um presente. Que devemos trabalhar para torná-la bela.

– Quais são seus pensamentos sobre o som do single? Meu compatriota David Duffy, que produziu e arranjou este single, mistura muitos elementos nesta faixa: violino, piano, clarinete, baixo elétrico, percussão, violão e voz. Acho que ele o fez de forma sutil e subliminar. Todos estes elementos misturados, conectando a música com as palavras, ele criou a paisagem sonora e a sensação da visão de um pássaro. E era exatamente isso que eu tinha quando escrevi a canção: no alto de um prédio, olhando para uma cidade. Foi glorioso. Agrada-me ter capturado um pouco disso em uma canção.

– Deixo este último espaço para que você se apresente. Sou um músico, poeta e ator irlandês que está baseado em Barcelona. Meu primeiro sonho era me tornar um jogador de futebol profissional. Eu quase me tornei um advogado. Passei um ano fazendo vinho nas colinas da Toscana, e agora minha vida é dedicada à busca do meu ofício. Escrevo para descobrir, depois compartilho essas descobertas. A música ao vivo é um remédio que une as pessoas. Acredito que a natureza é o maior curandeiro.

Respostas de Davy Lyons

ECHLO – “One Man Show” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]

– Primeiramente, se apresente. Meu nome é Chloe Charles. Antes do ECHLO, lancei 3 álbuns de inspiração acústica sob meu nome. Adoro experimentar, então fiz um 180 e o ECHLO nasceu. Sou um torontoniano, mas fui um nômade durante a maior parte da minha vida, vivendo entre o Canadá e a Alemanha, Espanha e agora o México, inspirando-me e colaborando com artistas de todo o mundo.

– O que diz a letra de “One Man Show”? Qual sua mensagem? “One man show” é sobre um homem que usa romance e luxúria para alimentar seu ego e dar a sua existência superficial, uma aparência de profundidade. Como um vampiro, ele rouba histórias e os corações das mulheres que atrai com sua fachada sensível e cavalheiresca. Quando está saciado, ele passa para o próximo, deixando um rastro de mulheres confusas e quebradas. Ele se esforça para ser respeitado e adorado, para deixar um legado para trás. Ele acredita ter o coração de um artista, mas não tem coragem de dar o salto e arriscar seu estilo de vida luxuoso. Ele é bonito, inteligente, ganha muito dinheiro, usa roupas bonitas e por fora parece perfeito, mas por dentro é triste, solitário e insatisfeito.

– Comente a sonoridade e arranjos do single. O significado é que o amor superficial e as façanhas superficiais apenas o alimentarão momentaneamente, mas o deixarão vazio e sozinho se isso for tudo pelo que você se esforça.

– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? Passo um: eu me tranquei em uma sala e mexi em meus teclados fingindo que sou um criador de batidas, um produtor extraordinário. Eu queria encontrar um som entre hiphop e pop, então escrevi um rap. Eu não sou um rapper, então cantei / fiz rap. 🤣. Passo dois: compartilhar com outro produtor, Neil Whitford, que fez soar muito melhor. Etapa três: passe para outro produtor, Lucas Marston, para adicionar algumas texturas legais.

                                                                                                                                  Respostas de ECHLO

Anna Cuomo – “DISEGNO” – (Itália) – [MINI ENTREVISTA]

– O que a música nos diz? qual é a mensagem dele? “Desenho” entendido como destino, fala daqueles momentos que precedem o início de uma nova história de amor que poderia nascer. Aqueles momentos em que você ainda não conhece a outra pessoa, mas quer aprender mais porque se sente atraído. Ao mesmo tempo, juntamente com o desejo, criam-se expectativas, esperanças, dúvidas porque não sabemos o que o futuro nos reserva, mas também o desejo de deixar ir e viver o momento. Assim, confiamos num sexto sentido, como se estivesse escrito no destino e como parece sugerir a imagem da capa onde uma cartomante lê as cartas. 

– Como você considera a sonoridade e os arranjos da música? O som que obtivemos foi fruto do trabalho do autor que quis que houvesse um dueto entre a voz e o flugelhorn como se fosse um diálogo de amor entre duas vozes. O arranjo ganhou então valor com a inclusão de uma orquestra de violinos que enriqueceu o ambiente tornando-o quase cinematográfico como se fosse um conto de emoções. Na minha opinião, o resultado do arranjo é sem dúvida clássico no sentido de que soaria bem mesmo com uma grande orquestra.

– Até que ponto a música está ligada à música italiana?  A música está em relação com a música italiana no que diz respeito ao canto e à melodia que com seu lirismo lembra um som atemporal para o sempre atual. Ao mesmo tempo, sendo autor de origem brasileira e amante do jazz, são inegavelmente sentidas influências que extrapolam as fronteiras italianas para projetar a peça em um ambiente mais internacional.

Respostas Ana Cuomo

BuenaOnda – “Barrio Canela” – (Espanha) – [MINI ENTREVISTA]

• Primeiramente, apresente-se! Fundei o BuenaOnda há alguns meses com alguns amigos e uma talentosa vocalista. Costumo produzir e tocar com diferentes bandas antes de ingressar nesta banda. Minhas influências e formação musical são música pop espanhola e latina, cumbia, música tropical e reggaeton. Eu produzo música há alguns anos e criei o conceito BuenaOnda misturando diferentes estilos musicais.

• O que a canção nos diz? Qual sua mensagem? Não é sobre uma mensagem, é sobre as emoções que a música faz você sentir ao ouvi-la. A música é uma metáfora da condição humana através das experiências pessoais dos sonhos caídos de pessoas em bairros marginalizados.

• Como você considera a sonoridade e arranjos da música? É uma música clássica de reggaeton com algumas influências da música urbana. A música tem uma linha melódica limpa e arranjos pop amigáveis.

• Até que ponto a canção está ligada à música espanhola? É uma música pop espanhola mainstream com reggaeton, influências tropicais e um som de estilo urbano.
  Respostas Rafael – BuenaOnda

The Slimetones – “Slime Wave” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]

– Existe alguma mensagem por trás do instrumento? Sim, até certo ponto. Todo o propósito de ser uma banda instrumental era para que eu não tivesse que dizer nada, mas isso transparece na música de qualquer maneira. Esta faixa é bastante otimista e feliz, mas talvez haja algo sinistro nela. A mensagem pode ser que ‘o perigo está em toda parte’.

– Comente sobre a sonoridade e os arranjos. Com músicas tão curtas, como a maioria das nossas são, você meio que tem que virar os arranjos de cabeça para baixo às vezes para conseguir tudo o que você deseja. Este é apenas um jogo clássico de riff alternado, indo e voltando e tentando tecer algo interessante.

– Existe alguma história interessante ou curiosidade sobre o lançamento? Bem, este é na verdade o lado B de um single de Halloween que fizemos este ano, mas parece que todo mundo gosta mais dessa música do que do single real, “The Curse of The Blackcat”. Isso foi gravado em nosso home studio aqui em Toronto, Canadá, em um Tascam Model 12.

Respostas Mike do The Slitonenes

Don’t Come Monday – “Hangman” – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]

– Apresente-se! Somos um grupo de rock de 4 integrantes com sede na Tasmânia, Austrália. Estamos tocando e escrevendo músicas juntos desde 2015.

– O que a letra do single nos diz? Qual é a sua mensagem? Não venha segunda-feira. A letra de “Hangman” é sobre lutar em batalhas internas de medo, dúvida e negatividade. É sobre confrontar seus demônios e desafiar essas vozes internas perpétuas de ansiedade, depressão e medo que podem se infiltrar e assumir o controle. É uma música sombria sobre um tema sombrio, mas com uma mensagem positiva e empoderada.

– Comente sobre o som e os arranjos. “Hangman” nos vê expandindo para territórios de rock e blues contemporâneos, utilizando vocais poderosos e corajosos, linhas de gaita assombrosas e riffs de guitarra para complementar as imagens sombrias das letras. música, a primeira parte tem uma sensação de rock firme e corajoso. No entanto, a segunda parte da música é mais animada, enérgica e cativante.

– O que você acha que “Hangman” representa na cena musical da Tasmânia? “Hangman” representa uma oferta musical mais sombria e tensa. Há muitos grandes artistas originais de blues e rock na Tasmânia, mas o lado mais pesado e corajoso dos gêneros está menos bem representado. Queríamos oferecer uma música que preenche esse espaço para os ouvintes. Esperamos que gostem.

Respostas Do n’t Come Monday

S.C.A.B. – “Six Songs Into Your Spotify Playlist” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que dizem as letras? Durante a pandemia refleti muito sobre as pessoas que amei no passado. Um dia eu senti muita falta da minha ex e decidi dar uma olhada na página dela no Spotify . Eu vasculhei todas as playlists dela e avaliei o tempo que estávamos namorando ao lado dessas playlists. A música meio que explica nosso relacionamento e como eu estava sempre com um pé dentro e outro fora. “Eu continuo procurando por algo errado quando ouço sua música favorita, continuo dizendo que algo está errado, mas isso não é verdade” é uma frase inspirada na minha música favorita de Jesus & Mary Chain.

– Qual é a sua mensagem? Comente sobre o som e os arranjos. Eu sempre fui intrigado pela cultura por trás de uma mixtape. Mesmo indo tão longe a ponto de fazer um filme como ‘Nick & Norah’s Infinite Playlist ‘ marca sua importância aqui em NYC. As listas de reprodução são como poemas quando você presta atenção a cada detalhe e ao fluxo do começo ao fim. Uma lista de reprodução sólida deve ser lida como um registro atemporal; tem coração, altos e baixos, talvez uma piada terna e um ponto forte no final. Esta música tem um começo bastante direto com guitarras urgentes e intensas, mas segue uma direção mais melódica no final.

– Existem histórias ou curiosidades interessantes em torno do lançamento? A última faixa, “Pink Tire” é uma faixa importante para a banda, pois é uma boa representação do nosso som em uma música, e é especialmente significativa porque é sobre minha avó de 95 anos que imigrou do Equador para Bushwick. 

                                                                                                                                     Respostas Jeremias

Monique Angele – “Sing Together On Christmas” – (Canadá)

Inspirada em nomes como Kate Bush, Evanescence e Queen, a cantora, compositora e pianista de ópera pop canadense-australiana Monique Angele tem hoje uma discografia solo que reúne três EPs e dois singles, lançados a partir de 2014. Nossa sugestão é referente à sua mais nova canção, “Sing Together On Christimas”.

Lançada neste mês de novembro (dia 14), a música antecede o mês do natal, data especial para a artista, sua família e amigos. Desta forma, Monique entende “Sing Together On Christmas” como uma prévia da deliciosa energia do natal. “O Natal é uma época em que todos queremos estar juntos, cantar juntos e amar uns aos outros. Em tempos difíceis, todos devemos tentar amar uns aos outros e cuidar uns dos outros.”, diz Monique.

Ela a campos na Austrália durante o período de isolamento causado pela Covid-19, e a temática abordada é, na verdade, um pedido antigo de sua mãe. “A letra veio primeiro porque eu estava pensando em como eu realmente me sentia em relação ao Natal e especialmente durante a pandemia. Eu estava tentando retratar uma música que fosse feliz e esperançosa, mas triste ao mesmo tempo”, conta.

A faixa chegou ao mundo digital acompanhada de um clipe, com imagens da artista interpretando em frente a uma cena exuberante da natureza. Confira!

The Distance – “Feeling Fine” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]

– O que diz a letra? Qual é a sua mensagem? As letras mergulham nos sentimentos diários que experimentamos durante o bloqueio de 2020 e sobre tentar ver os aspectos positivos mesmo nos lugares mais sombrios. Estávamos com medo e com saudades de nossas famílias, como todos, mas tivemos a sorte de ter tudo o que precisávamos para nos manter seguros e bem.’
– Como foi o momento da composição? – Nós escrevemos este disco durante obloqueio – sentimos que era realmente importante documentar honestamente nossa experiência desse momento louco que será falado nos próximos anos. Nós apenas começamos a conversar, tocar, e a música ficou muito rápida.
– Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre o lançamento? Queríamos que o lançamento da faixa fosse acompanhado por algo visual, então filmamos o videoclipe localmente, apenas usando um telefone e tentando ser criativos com ele!
– Deixo este último espaço para você se apresentar. Formada em 2020, The Distanceé uma banda de Sheffield, Reino Unido. Inspirado por um passado musical eclético, nosso som é uma combinação inebriante de harmonias vocais comoventes, guitarra clássica de blues-rock e batidas firmes.
Respostas Quentin / Bradie

Love Ghost – “Homesick” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]

– O que você diz nas letras? É uma música sobre se sentir preso em um padrão negativo e refletir sobre o passado e como isso te machucou, estou falando sobre meus mecanismos de enfrentamento, se são saudáveis ​​ou não é para o ouvinte decidir. É sobre trauma e quão profundamente feridas do passado podem estragar a saúde mental de alguém.

– Em que contexto você estava quando essa música começou a ser composta? Eu estava em um espaço bastante sombrio quando escrevi essa música e isso se reflete na letra com certeza.

– Comente sobre o som e o arranjo do single. Esta música é uma balada acústica com alguns elementos pop e trap. Tem um lado cantor e compositor sombrio que eu realmente gosto porque esse é o meu estilo pessoal. Parece depressão nos subúrbios da América, que é algo sobre o qual eu sei muito, então estou feliz que soa assim.

– Deixo este último espaço para você falar sobre sua carreira, sua personalidade artística. A maior parte da minha música é sobre saúde mental e minha jornada com ela. No começo, essas músicas eram uma espécie de terapia pessoal para mim, onde eu podia simplesmente derramar meus sentimentos no papel. Eles são como um diário. Fui abençoado e felizmente tem havido algumas pessoas que se identificam com a nossa música. Espero poder inspirar as pessoas como meus músicos favoritos me inspiraram.

Respostas de Love Ghost

New Driver – “New God” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]

– Em que contexto você estava quando essa música começou a ser composta? Fiquei frustrado com o poder e a influência que a mídia social tem sobre nossa juventude. Este Novo Deus tem mais interesse no controle do que na bondade.

– Comente sobre o som e arranjo do single. Pegamos pesado na guitarra como sempre e deixamos acontecer naturalmente.
– Deixo este último espaço para você falar sobre sua carreira, sua personalidade artística.
Lançaremos um novo EP de cinco músicas em janeiro, juntamente com shows locais ao vivo. Nosso objetivo é fazer uma música que pareça sincera e fale com nosso público.

Respostas Jon Roper

Tony Volker – “Counting Backwards” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]

– O que você diz na letra? 

estou contando para trás

De 1000 pela 3ª vez 

Estou respirando lentamente em 6s e 4s para relaxar 

Seja ainda minha alma e deixe a escuridão subir 

Cure-me desta noite

Cure-me desta noite 

Cure-me desta noite 

O tempo quebrou 

Isso me deixou para trás 

Além do tédio eu invoco um olho que tudo vê

Seja ainda minha alma e deixe a escuridão subir 

Cure-me desta noite

Cure-me desta noite 

Cure-me desta noite 

Cura-me da infinitude da inquietação

A infinitude da inquietação

Uma folha descendo um riacho

Solte-me em sonhos e deixe-me ir

Seja ainda minha alma e deixe a escuridão subir 

Cure-me desta noite

Cure-me desta noite 

Deixe a consciência voar

– Qual é a mensagem? A letra da música foi escrita depois que contraí o Covid 19 em janeiro de 2021 e, posteriormente, tive um período de insônia crônica. Eu nunca tive problemas para dormir e ficar 2-3 horas por noite foi uma experiência enlouquecedora! Eu tentei capturar alguns desses pensamentos e sentimentos das 3 da manhã nestas letras. A mensagem abrangente do meu trabalho e das minhas letras é sobre a conscientização sobre a saúde mental.

– Você considera ” Counting Backwards ” experimental em termos de som e arranjos? A música tem uma estrutura de música bastante padrão, mas é experimental em termos de sons usados; Tentei juntar instrumentos que não deveriam se encaixar (baixo sintetizador com ukulele com cordas ao vivo) e trabalhá-los em uma forma coesa. Outra técnica experimental importante foi gravar o ukulele em um toca-fitas antigo e devolvê-lo ao computador, o que deu algumas texturas e sons interessantes.

– O que você tentou transmitir com o clipe? O vídeo curto é em parte uma homenagem ao vídeo de 2001 de Bjork para Hidden Place, pois usa gráficos em movimento sobre o corpo humano (aqui meu globo ocular). Eu queria que a animação fosse psicodélica e mostrasse o olho como a janela para o pensamento consciente e inconsciente no estado entre estar acordado e dormindo

– Sobre o artista: Tony Volker é um compositor do sul de Londres cuja música é uma mistura única de indie-folk, trip-hop e eletrônica. As músicas de Volker são produzidas usando uma mistura de gravação de áudio clássica e eletrônica sutil e esparsa. Tony oferece imagens vívidas, cortesia de sons experimentais e texturizados e letras simbólicas entregues com emoção e caráter.

Respostas Tony Volker

Jake Adler – “Smile” – (Estados Unidos)

A vida pessoal do cantor e compositor norte americano Jake Adler foi marcada por “crescer em um lar desfeito”, como ele mesmo diz. “Smile”, sua nova canção, tem em sua letra essa temática. A música, que é embalada por uma sonoridade leve e, por vezes, com ares good vibes e reflexiva, detalha a experiência do artista que cresceu em uma família dividida, uma experiência traumática para a vida toda. No entanto, “Smile” compartilha uma mensagem positiva, de esperança e recuperação. Assim, Jake acredita que “Smile” seja uma espécie de motivação e otimismo para outras pessoas que também sofrem ou sofreram com esta difícil situação.

“Smile” é a sexta canção lançada por Jake. Sua discografia é recente, sendo este 2022 o seu ano de estreia no mercado fonográfico. Confira “Smile” e aproveite para conhecer as demais canções do cara.

JimWin – “Mines from Mainz” – (Irlanda)

“Mines from Mainz” vai na contramaré da sofrência. Isso porque este, que é o novo single do cantor e compositor irlandês JimWin, é de uma história de amor que aparentemente deu certo e que merece ser celebrada. Segundo JimWin, ele conheceu Lara de Mainz, sua amada e destinatária da inspiração da música, no Tinder, durante a pandemia e isolamento social.

“Na hora de escrever a música, não tínhamos certeza se Lara ficaria na Irlanda ou aceitaria um emprego na Alemanha [terra natal de Lara]. No momento em que escrevo esta descrição, Lara ficou para trabalhar na Irlanda e acabamos de dar as boas-vindas a um novo bebê, Jonah.”, diz o cara, e ainda descreve a letra: “As letras têm algumas piadas internas que compartilhamos entre nós e exploram a dinâmica entre sua formação como cientista e minha própria visão de mundo espiritual e como elas se fundem.”

“Mines from Mainz” é de uma delicadeza gostosa de se ouvir. Um som para celebrar o amor e as boas coisas da vida!