Somos uma revista de arte nacional, sim! No entanto, em respeito à inúmeras e valiosas sugestões que recebemos de artistas de diversas partes do mundo, criamos uma playlist chamada “Além da BR”.
Como uma forma de estende-la, nasceu essa publicação no site, que agora chega a sua 23ª edição. Neste espaço, iremos abordar alguns dos lançamentos mais interessantes da playlist.
Canids – “See You There” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, apresente-se aos leitores do Alem da BR. Muito amor, pessoal! Meu nome é Evan e eu lanço músicas como um projeto individual chamado “Canids”. Tocar guitarra é muito divertido para mim e estou sempre tentando me superar e melhorar. Eu também amo bateria e canto! Eu criei este projeto para que eu pudesse escrever qualquer música que eu quisesse e fazer qualquer gênero. Já fiz de tudo, do black metal ao indie. Acredito na arte pela arte e que devemos tentar fazer todas as nossas ideias criativas acontecerem, mesmo que sejam ridículas e bobas. Por favor aproveite!
– O que a letra de “See You There” nos diz? A música é sobre tirar férias de uma vida estressante. Trazer sua pessoa favorita e cruzar a galáxia em uma nave espacial, descobrindo novos planetas e criando memórias divertidas enquanto come junk food vegano. As férias não vão acabar até que estejamos finalmente descansados e satisfeitos – o que nunca é!
Eu trabalhei em muitos empregos estressantes e tive pouco tempo para diversão e música nos últimos anos, então essa música é minha maneira de experimentar as coisas que eu gostaria de poder na vida real. Espero que isso faça as pessoas que o ouvem felizes!
– De onde surgiu a ideia da música? Um dia, comi uma maconha comestível e sentei para tocar violão. Eu queria escrever algo novo e fiz a parte da guitarra base como um aquecimento para tocar até sentir todos os efeitos do comestível. Antes que eu percebesse, escrevi a parte principal inicial e me apaixonei por ela. Parecia um riff de rock and roll dos anos 50, algo que eu nunca tinha feito antes e me deu uma vibe retrofuturista que acabou sendo o tema do álbum. O som dele me fez sentir muito nostálgico por um tempo que eu nunca realmente conheci, mas também foi muito reconfortante e agradável para mim. Gosto de imaginar como são as músicas, então fechei os olhos e imaginei uma praia no espaço com alienígenas nadando e brincando na areia. Eu queria morar neste lugar com meu noivo, então o título “Nos vemos lá” surgiu na minha cabeça.
– Como você pode definir o som do single? “See You There” é uma música supercarregada no estilo punk espacial com muita destruição de guitarra, bateria de pedal duplo e vocais de rock and roll da velha escola. Eu quero que esta seja a música do verão para um planeta alienígena imaginário.
– Existe alguma curiosidade ou história relevante do lançamento? Logo após o lançamento do álbum, fui visitado por um alienígena chamado Zenoqq-14 que me ensinou a acreditar em mim mesmo e me ajudou com minha auto-estima. Agora estou cheio de amor próprio. Obrigado, Zenoqq-14!!!
Respostas Caníds
The Terrible Texan – “Playing in Pollution” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que as letras significam? Essa música, pelo menos para mim, é sobre crescer em uma sociedade engolfada por produtos químicos e resíduos e como ingerimos consciente e inconscientemente milhões e milhões de produtos químicos desconhecidos.
– Que episódios do mundo moderno ou antigo inspiraram você a escrever essa música? Crescendo ao norte de Houston, Texas, costumávamos brincar nas florestas e córregos de drenagem onde as águas residuais fluíam e eu queria capturar sonoramente as imagens que crescia de petróleo e outros poluentes nos rios em que tocava.
– Quais são suas considerações para o arranjo e estilo das músicas? A natureza repetitiva da música realmente captura a ideia de que também não há nada que você possa fazer sobre o estado das coisas no mundo! A música fica presa na sua cabeça e talvez, em vez de jogar a garrafa de coca-cola pela janela do carro, você a recicle ou transforme em arte, luz ou algo legal, em vez de deixá-la se degradar por milênios.
– Existe alguma curiosidade interessante para este lançamento? Quando escrevi o riff do verso pela primeira vez, era totalmente diferente. Gravei uma demo da música com o verso original e mostrei para o resto da banda, e eles olharam para mim e disseram: “Não podemos gravar isso“. Eu perguntei por que, e Avery, nosso baixista, respondeu: “Isso é um riff de Olivia Rodrigo, você tem que reescrever.” Então eu reescrevi todo o riff do verso e, francamente, acho que ficou muito melhor!
Respostas Paul
Hubert Murray – “Arrow” – (Irlanda) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você diz nos versos de “Arrow”? Quando você solta uma música no mundo, você se pergunta onde ela vai parar, quem vai ouvi-la e como ela será interpretada. Há uma sensação de mistério e medo ao lançar uma nova arte no mundo, muito parecido com uma flecha atirada sem rumo para o céu.
– Existe uma mensagem central? Eventualmente o poeta encontrou o significado de sua canção em um amigo, alguém que entendeu o que ele estava tentando dizer.
– Quando e como surgiu essa música? Quando li o poema de Henry Wadsworth Longfellow, “The Arrow and a Song” (escrito em 1845), uma melodia completa fluiu como um sonho.
– Como você define o som e o arranjo? É um arranjo simples ou apenas guitarra, um vocal principal e camadas de harmonias. Ter uma instrumentação tão simples significa que o arranjo é muito importante. Nós misturamos algumas partes em uníssono e depois introduzimos a segunda harmonia e depois a terceira harmonia, todas em estágios diferentes. por mais linda que seja a harmonia de 3 partes, se você usar o tempo todo não encanta os pássaros das árvores!
– Qual é o ponto de encontro do “Arrow” com a música irlandesa? Embora não tenha a típica instrumentação ou linguagem irlandesa, é o imaginário que é o ponto de encontro. A língua irlandesa não tem traduções exatas para certas palavras em inglês, então usa imagens como uma forma de descrever o que vemos ou sentimos.
Respostas de Huber Murray
Pranatricks – “Shades of Your Light” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual é a mensagem central por trás de Shades of Your Light? Bem, todos nós parecemos saber que operamos sob um teto metafórico, que é essencialmente um limite para nosso potencial. Em última análise, esse teto lança uma sombra ou cria uma sombra. Shades of Your Light tenta encorajar o ouvinte a remover continuamente qualquer inibição em relação à sua natureza mais verdadeira. Quando o teto é removido, a sombra dá lugar à luz. Ali, naquela luz, reside nosso Eu superior. A música é uma receita pessoal ou um lembrete de como acessar esse espaço. Trata-se de ir devagar, desenrolar o tempo e perseguir um sentimento. Não há remédio para melhorar nossa situação atual e não há buraco do qual nunca possamos sair. Tudo o que temos é o momento, então esqueça o que os outros pensam sobre você ou sua situação. Na luz somos UM, completos e inteiros, e esta sensação está sempre acessível para nós; se estivermos dispostos a ouvir.
– Vejo algo simples no som e nos arranjos da música. O que você pode dizer sobre isso? Sempre fui atraído pela simplicidade, seja no design ou na comunicação. Em minha própria musicalidade, sou fascinado por artistas como Elliott Smith, Nick Drake e outros cantores e compositores que podem capturar uma audiência com os elementos mais básicos. Do ponto de vista da produção, é uma coisa difícil de fazer, apesar de parecer emparelhado, mínimo ou envolver menos faixas. De forma alguma tenho qualquer senso de proficiência em produção, simplesmente trabalhei capturando sons e tentando descobrir como gravar meus próprios vocais por mais de 15 anos. eu devo muitoesse aprendizado inicial para Chin Injeti (Bass is Bass, produtor vencedor de vários prêmios Grammy e Juno) por me mostrar o caminho. Ele me levou ao seu estúdio em Vancouver por volta de 2006 e realmente me mostrou que tipo de habilidade você precisa musicalmente e em termos de produção para fazer algo soar atraente para meus ouvidos. As músicas são as músicas e elas vêm quando elas vêm, eu não tento mexer muito com o arranjo original de como a ideia chega, mas eu sou específico quando se trata de percussão. Por exemplo, eu lutei com sons de bumbo e caixa por um longo tempo até que um bom amigo meu veio e me ajudou com algumasIdeias. O que você ouve nesta faixa, e na verdade todo o álbum Cherished (lançado em 2023), é uma velha maleta cheia de um travesseiro sendo golpeada com um martelo de xilofone como chute; e uma panela de alumínio vintage sendo batida com o mesmo martelo da caixa. Nós os equalizamos da maneira certa e pronto. Eu realmente devo muito ao meu amigo por me ajudar com isso. Eu estava literalmente tão preso em todas essas faixas e não conseguia seguir em frente porque odiava usar sons de bumbo e caixa sampleados. Depois de criá-lo, pensei: OK, posso viver com isso.
– Qual é a ideia do videoclipe? O vídeo foi filmado entre 4h e 5h da manhã em frente ao meu fogão a lenha. Eu gosto de me levantar e praticar meditação então e esta manhã em particular eu tive um flash de mim cantando a música com apenas metade do meu rosto iluminado. Eu esperava que o fogo iluminasse meu rosto, mas não era brilhante o suficiente. A luz é na verdade criada pelo meu laptop no chão tocando a música para que eu possa sincronizar os lábios com ela. Aconteceu de criar o tom certo de luz que eu estava procurando. Essencialmente, isso é tudo que eu estava imaginando para o vídeo, meu rosto em uma sombra representando Shades of Your Light. Na verdade, foi bastante enervante, pois nunca gravei um vídeo apenas apresentando-me cantando de perto, e é isso que deveria ser, eu tentando encontrar meu próprio teto, ultrapassar meus próprios limites e descobrir o que está me obscurecendo. luz?
– Por favor, apresente-se aos nossos leitores. Olá a todos, meu nome é André. Obrigado por ouvir minha música. Atuo como Pranatricks e atualmente moro na Ilha de Vancouver, na Colúmbia Britânica, Canadá. Por favor, envie-me uma mensagem no Instagram ou no Facebook, gostaria de me conectar e saber mais sobre o que você está interessado e o que você acha da minha música? Aqui está para compartilhar mais juntos, Felicidades.
Respostas André (Pranatricks)
Hunter Fraser – “Angels From the Realms of Glory” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual é o significado por trás da letra dessa música? Este é um antigo hino natalino que é um convite para adorar e celebrar o Cristo nascido para nos salvar. Sempre adorei e este ano parecia o momento certo para fazer a minha própria versão para o Natal deste ano! O som errante e aberto começou enquanto eu tocava piano e rapidamente se traduziu em um saudoso solo de guitarra na produção, como se a Terra desejasse que tudo fosse feito no nascimento de Jesus.
– Na sua opinião, qual a importância dessa música para o Natal? Essa música é importante para mim porque cresci cantando canções natalinas com a família. A música sempre foi uma forma de nos conectarmos e nos aproximarmos, e os padrões tradicionais de Natal eram uma grande parte das festas para nós. Este arranjo parece caber na minha sala na véspera de Natal e eu queria compartilhar isso este ano lançando este EP.
– Apresente-se! Sou um viciado em café de Minneapolis, MN, que tem um profundo amor por escrever e produzir música. Minhas influências incluem Coldplay, Paul Simon, Finneas, John Mayer, Vampire Weekend e outros!
Respostas Hunter Fraser
THE HYBRIS – “Keep The Wolves Away” – (Alemanha) – [MINI ENTREVISTA]
– Antes de mais nada, apresentem-se aos nossos leitores do Além da BR. Ringo: THE HYBRIS consiste em três membros, viemos da Alemanha e nos conhecemos há muitos, muitos anos. No passado tocamos em diferentes combinações em várias bandas de rock. Depois estávamos espalhados por todo o mundo por motivos profissionais ou familiares, hoje vivemos em Nice, em LA e em Colónia. Cada um de nós montou um estúdio de gravação em casa e cada um de nós toca instrumentos diferentes. Todos contribuem com o que a música atual em que estamos trabalhando precisa. No passado, você tinha que gastar muito dinheiro em estúdios de gravação caros e ser criativo em um período de tempo limitado. Isso é diferente hoje, cada um de nós pode começar quando oo fluxo está lá, isso é incrível.
– A letra fala sobre guerra. Como você desenvolveu esse assunto nas letras? Beanie: Esta questão é o que está nos movendo e muitos outros no mundo agora. Sempre há guerras no mundo , mas neste caso a guerra e as bombas chegaram muito perto de nós. Todos os dias chegam aqui refugiados que perderam tudo. E há um ditador que ameaça abertamente usar armas nucleares. Incluindo as reações apropriadas, isso pode ser o fim de todos nós. Isso é algo que queríamos falar.
– Como e em que contexto surgiu a música ” Keep The Wolves Away “? Tente, se possível, definir o som do single. Fale sobre o clipe. Ringo: ” Keep The Wolves Away ” é uma das nossas músicas mais cruas e, se você quiser, “mais pesadas” até hoje. Em nossa opinião, isso também foi necessário com este tema. Esses elementos punk e metal sempre foram uma das facetas da nossa música. Além disso, criamos um vídeo dark em estilo cômico, que sublinha a letra e, em nossa opinião, transmite muito bem nossa intenção e história.
Respostas THE HÍBRIS
Michael O. – “Japa” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
O que essa música diz: “Japa”, que significa “fugir” na gíria iorubá (língua da Nigéria), é uma referência aos muitos africanos sendo forçados a buscar uma vida melhor no mundo ocidental. A faixa serve como um hino unificador, encorajando pessoas de todas as origens a retornar e explorar sua linhagem ancestral.
– Por que você diz que “a faixa serve como um hino unificador, encorajando pessoas de todas as origens a retornar e explorar sua linhagem ancestral”: Todos nós viemos de algum lugar e, muitas vezes, nossos ancestrais tiveram que “japa” para ter uma vida melhor para si e suas famílias. Às vezes, nossos ancestrais tinham que ‘ Japa ‘ à força. Essa é uma noção unificadora que é sentida por tantas pessoas e une as pessoas para essa luta.
– O que você traz de suas origens em particular para este single. Na minha música, combino minhas raízes afro-americanas e nigerianas para criar meu som. Sou mais influenciado pela diáspora africana, e isso inclui a música do Brasil, pois é fortemente influenciada pelo continente africano.
– O que essa faixa diz sobre o seu EP? As coisas sobre as quais escrevo vêm de um lugar real, então, no meu EP, você poderá ouvir sobre as coisas que estão acontecendo na minha vida e na vida real.
Resposta Michael O.
Mitch Grainger – “Honey Bee” – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiro, apresente-se aos nossos leitores. Meu nome é Mitch Grainger, sou um músico de blues e raízes da Austrália que mora na América há 11 anos. Comecei a tocar gaita de blues aos 13 anos e sou músico profissional desde os 14, são mais de 30 anos
– O que o single nos diz? Honey Bee, é cantada da perspectiva do homem. Ele está dizendo à namorada (ou parceira) para voltar para casa e deitar com ele. É uma letra muito direta ao ponto e sexy.
– Qual é a sua mensagem? Acredito que muitos homens têm esses pensamentos e sentimentos, mas nem sempre se sentem à vontade para expressá-los tão diretamente. Espero que minha música possa ajudá-los a fazer isso de uma maneira saudável e divertida.
– Comente o som da música. Honey Bee tem uma sensação sólida de blues rock com um riff de guitarra que conduz as seções principais da música. Há algumas ótimas apresentações da banda, que inclui o baterista vencedor do Grammy Deacon Marquinn e o tocador de hammond Arlan Schierbaum, cujos créditos incluem Joe Bonnamassa e Beth Hart.
– O que essa faixa em particular diz sobre o seu álbum? O som e a mensagem dessa música são muito parecidos com os do álbum. É uma boa representação do que está por vir com o lançamento completo. Se você gosta desta faixa, então você deve gostar do álbum. O tema é sexy também, e esse é o plano com o álbum, que também se reflete no título do álbum ‘Plug it In’. O álbum foi projetado para ser um disco de festa divertido, algo que você pode colocar para começar as coisas em uma festa, e também um álbum que se traduzirá bem no palco em meu show ao vivo.
Resposta Mitch Grainger
The Richie Scholl Band – “Angel On My Shoulder” – (Estados Unidos)
Formada por Richie Scholl, Brian Powell e Derek Smith, a banda de rock The Richie Scholl Band chega ao seu novo single, o impressionante e gracioso “Angel On My Shoulder”. A canção, que atrai os bons ouvintes de rock and roll com seus riffs de guitarra bem calculados, justifica a boa recepção do trio em solos norte americanos, europeus e australianos. Segundo a própria banda e confirmada por nós, os amantes do bom e velho rock se sentiram em casa com este lançamento. Confira!
Kerry Charles – “The One I Know” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que a letra de “The One I Know” nos diz? Essa homenagem à Motown parece um tema de baile em câmera lenta. Tendo como pano de fundo uma pista de dança nebulosa, a música relembra um momento fugaz de reconhecimento e paixão na véspera de 2016. Mas algumas coisas simplesmente não deveriam ser…
– Qual é a sua mensagem? Qual é o som? Minha música traz influências de nomes como Prince, Hall & Oates e Steely Dan; em algum lugar entre synth pop descontraído, rock suave e R&B sedutor. Esta faixa apresenta Dustin Kaufman (de St. Lucia) na bateria e um solo do preeminente saxofonista Max Cudworth.
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? Uma versão anterior de “The One I Know ” foi lançada em 2016 no selo da rede RareMP3s após uma lendária festa de Ano Novo na Filadélfia organizada por Naeem Juwan (Spank Rock). Essa versão original é apresentada como b-side deste single.
Respostas de Kerry Charles
Hafnia Pop – “Always Hope” – (Dinamarca) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiro, apresente-se! Hafnia Pop é uma dupla pop noir baseada em Copenhague e formada durante o primeiro mês sombrio da crise do Covid19. É composto por mim (Lotte) e Kristian, com quem também formo um casal em particular. Nós dois tivemos outros projetos musicais no passado, mas este é o primeiro projeto que compartilhamos. Você pode dizer que nos encontramos musicalmente durante o bloqueio, onde de repente passamos muito mais tempo juntos do que normalmente temos em nossas vidas ocupadas normais.
– O que essa música “Always Hope” nos diz? Qual é a sua mensagem?
“Always Hope” foi escrita e composta logo após o início da guerra na Ucrânia. Aqui na Europa, a guerra parece assustadoramente próxima e faz você se sentir pequeno e frágil – assim como as mudanças climáticas e a Covid – 19. Tudo isso contribui para essa sensação de vulnerabilidade e desamparo que acreditamos que muitas pessoas compartilham agora. O mundo está lutando contra tantos problemas que estão fora da esfera de controle das pessoas comuns. Portanto, precisamos do amor e apoio das pessoas próximas a nós mais do que nunca – e precisamos criar laços significativos com pessoas de todas as fronteiras.
– Incrível como o som é simples, mas ao mesmo tempo tão poderoso. Comente sobre isso. A maioria das canções de Hafnia Pop começa de uma forma muito simples. Eu costumo sentar por algumas horas com meu violão e escrever letras e acordes em um pedaço de papel. Quando sinto que tenho uma música, canto para Kristian, que começa a imaginar uma paisagem sonora completa. Compartilhamos a ideia de que uma música pop é uma das formas mais simples, mas também impactantes, de comunicar sentimentos. Kristian sempre tenta manter a simplicidade da primeira versão acústica para não afogar a honestidade e vulnerabilidade da música. A produção é a nossa forma de amplificar as emoções da música através de uma mistura de elementos acústicos quentes e elementos eletrônicos mais frios.
– Há alguma história ou curiosidade sobre este lançamento? Na verdade, escrevi a letra dessa música quando voltava do trabalho para casa. Eu pulei da minha bicicleta várias vezes para escrever as letras e gravar as linhas da melodia no meu telefone. Por fim, parei em um café e sentei para arrumar as peças para não esquecer algo importante. As pessoas ficam olhando um pouco quando você canta no telefone no meio da rua.
A música foi escrita em pouco tempo, mas a fase de produção demorou mais. Achamos que essa música era especial, então pedimos a um bom amigo – um compositor e produtor dinamarquês – que contribuiu com algumas ideias brilhantes e efeitos sonoros. E quando estava quase pronto, enviamos para Mario Borgatta, um produtor de renome em Los Angeles, para mixagem final e masterização. Mario já trabalhou com grandes artistas como Muse, Diplo, Major Laser e Carly Rae Jepsen. Ficamos honrados em trabalhar com ele e sentimos que ele fez um ótimo trabalho na música.
Respostas da cantora e compositora Lotte Ruby (membro do duo)
Skram – “Way Out” – (Nova Zelândia) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você diz nos versos de “Way Out”? A música e sobre deixar o amor guia-lo para fora dos problemas e lembrar de usar o amor, a amizade, e conexão humana e a paz para cuidar uns dos outros e do planeta. Nos versos, a letra aponta para estar preso em uma onda de problemas e tentar encontrar uma saída dizendo ao público para ouvir e ficar junto durante tudo isso, não importa o que aconteça.
– Existe uma mensagem central? A mensagem central e que todos ficaremos bem se deixarmos o amor nos guiar em tempos de dificuldade. O amor nos ajudara a encontrar nosso caminho.
– Como você define o som e o arranjo? Esta faixa em particular e como uma mistura de pop Coldplay conduzido por piano e rock gospel. As harmonias são fortes e emocionais e as letras são emocionais e ponderadas. Acionado por piano, com um batimento cardíaco de um ritmo conectado.
Respostas HenryBad Flamingo – “Fiddle” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que a letra diz? “Eu joguei um molho de chaves para o diabo”
– Qual é a sua mensagem? Dedos que se movem levemente, agarram com força
– Como você define o som do single? Roupas no varal. Soprando ao vento. Pouco antes do pôr do sol.
Dê uma máscara a um homem e ele lhe dirá a verdade — Oscar Wilde
Respostas Bad Flamingo
Planet X – “Santa isn’t Real” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– O QUE DIZ A LETRA? A letra conta a história de um menino e seu irmão que descobrem um estoque de presentes de Natal debaixo da cama de seus pais. Isso, é claro, revela a eles a horrível verdade sobre o Papai Noel, à qual eles têm algumas reações muito coloridas.
– O QUE É A MENSAGEM CENTRAL? A mensagem central da música é que os pais são bastardos por mentir para seus filhos.
– O QUE VOCÊ PODE DIZER SOBRE O SOM E O ARRANJO? Sendo uma música de Natal, Planet X decidiu se despir para uma única guitarra elétrica crua e enfeitar com jingle bells e a habitual performance vocal de “não dou a mínima”.
– Agora, deixo este último espaço para você se apresentar. O Planeta X chegou a Toronto no equinócio de Zorbax 2 e Zorbax 12. Novos na Terra, os quatro camaradas astro logo perceberam a loucura da vida familiar terrestre, principalmente observando sua juventude. Em vez de nos explodir em pedacinhos (como foi seu impulso inicial), eles concordaram com uma abordagem mais catastrófica. Assim, o Planeta X.
Respostas de Planet X
BAXIT – “You Be There” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que essa música diz? Essa música é sobre um homem que entrou e saiu de um relacionamento ruim com uma mulher e embora ela queira que ele volte, ele não vai voltar dessa vez. Ele está dizendo a ela que se ela realmente o amasse, ele não ficaria tão triste, mas ele sabe em seu coração que ela não o ama. Ele também está dizendo a ela que ele será seu amigo, mas ele não será mais seu amante. Ela tenta enganá-lo para voltar, mas ele está acabado. Ele não vai voltar para ela.
– Qual é a nossa mensagem? Não há mensagem na música além de um homem que ficou sábio e saiu de um relacionamento ruim! Acreditamos que isso acontece com frequência, pois às vezes os relacionamentos vão mal e há uma pessoa que quer continuar. Neste caso, o homem na música já teve o suficiente e ele não vai voltar, mesmo que a mulher esteja tentando convencê-lo a fazê-lo.
– Você gosta do som simples. Nós tentamos escrever sobre coisas com as quais as pessoas podem se relacionar em suas vidas e escrever uma bela melodia para que elas possam se divertir. Provavelmente muitas pessoas ouvirão essas palavras e dirão “Uau! Esse sou eu!
– Há algo curioso sobre o nosso lançamento? Sim, muitas coisas. TODOS nós escrevemos música a maior parte de nossas vidas, mas nunca encontramos um grupo de pessoas que quisesse dedicar seu tempo para realmente fazê-lo. Todos nós tínhamos participado de bandas cover na área metropolitana de Baltimore e recentemente formamos outra banda cover com Jerry Stull, o guitarrista e vocalista de uma banda conhecida como Exit. Barbara Singer (baixista) e Tommy Singer (guitarrista principal) estavam em uma banda cover conhecida como Crying Backwards e pediram a Jerry Stull para se juntar como ritmista. Ele fez. Certa noite, enquanto ensaiamos, Jerry perguntou a Barb se ela estaria interessada em um projeto de originais. Ela estava muito interessada. Então Jerry Stull, Tommy Singer, Barbara Singer começaram o projeto. Perguntamos ao filho de Jerry, Minor Stull, se ele viria como baterista e ele o fez. Iniciamos este projeto há dois anos e nosso CD “Been A Long Time” será lançado em 25 de novembro de 2022. Já estamos com quatro músicas na gravação do nosso próximo CD. Adoramos escrever e gravar nossas próprias músicas. O nome da banda BAXIT é uma combinação de EXIT e CRYING BACKWARDS…. Tivemos alguns obstáculos como o desligamento do Covid durante a gravação deste projeto, mas não há nada que nos impeça agora!
Respostas Baxit
Eli del Puerto – “Lola Cherry” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
A bisavó da cantora e compositora americana Eli del Puerto foi a inspiração para “Lola Cherry”. A musa inspiradora era uma colhedora de algodão no estado estadunidense do Alabama, mas acabou sendo seduzida pelo fascínio de Detroit (Michigan), mudando-se para a cidade aos 18 anos para trabalhar na indústria automobilística. Neste cenário, a mulher se apresentava chamativa sempre se vestindo como uma “estrela de cinema”.
A letra da música se refere em especial aos seus dois casamentos fracassados. “Seu primeiro marido voltou da Segunda Guerra Mundial um alcoólatra intenso. Seu segundo casamento terminou quando ele foi pego dormindo com sua secretária.”, conta Eli.
Esta é a 11ª canção da artista, que iniciou seus lançamentos fonográfico em 2020 com o single “Colibri”. Não é exagero dizer que todos suas canções estão indicadas. Confira!
Hiedi Hyacinth – “Santa Baby” – (Canadá)
O ano de 2022 foi o cenário da estreia fonográfica da cantora canadense Hiedi Hyacinth. Ela dá o seu segundo passo agora com uma releitura da canção “Santa Baby”, lançada em 1953 por Eartha Kitt com composição assinada por Phillip Springer e Joan Jarvis. Natalina, a música foi originalmente banida por sua sonoridade sensual e pelo fato de Eartha Kitt ser uma artista negra.
A permissão para regravar “Santa Baby” é restrita, sendo permitida apenas para os que gravarem com o próprio Phillip e para as filhas de Phillip. No entanto, uma exceção se abriu ao Hiedi enviar uma demo para Phillip e sua filha, que, de pronto, aprovaram e ainda comentaram que ficariam honrados com a gravação.
Não é a toa. A versão de Hied e sua equipe de produção e instrumentistas mandaram muito bem!
Jonathan Sparks – “Everything Fades” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu Everything Fades? Sempre acreditei que havia um Melhor Eu, uma Resposta para perguntas como “quem sou eu?” “O que devo fazer (na vida)?” “O que é bom?”
– O que a letra de Everything Fades nos diz? Quando criança, percebi que era improvável encontrar uma pessoa que incorporasse tudo o que era bom ou respondesse a qualquer uma dessas perguntas candentes, mas esperava poder criar um “Pai Frankenstein” com as boas peças que encontrei em outras pessoas. Mas, toda vez que eu tentava, o ídolo caía; a pintura desapareceria e, com ela, minha idolatria.
– Qual é o tema de Everything Fades? Você pode refletir mais sobre isso? Everything Fades é uma expressão musical do sentimento de perda pela queda do ídolo em desgraça, e o reconhecimento de que tal ídolo não existirá. A dura realidade é que ninguém realmente sabe.
– Sinta-se à vontade para se apresentar como um artista: sou um músico filósofo e tento obter meu “concerto” fazendo arte que não é filtrada – escrevo da maneira mais verdadeira possível, mesmo que seja horrível ou eu não entendo. Acho que esse tipo de arte bruta tem valor para mim e para meus ouvintes, mesmo que não saibamos imediatamente o porquê.
Respostas Jonathan Sparks
Marthe Halvorsen – “For the Dreamers & the Bold” – (Noruega) – [MINI ENTREVISTA]
– O que a letra da música transmite? Esta música veio a mim em um momento em que me sentia um pouco frustrado com a humanidade e a sociedade em que vivia. Senti que o clima político social estava ficando cada vez mais duro e cada vez mais polarizado, criando distância entre as pessoas. Eu ansiava por outra realidade com mais nuances e compaixão. Eu queria que essa música parecesse um cobertor quente de esperança no que às vezes parece um mundo louco.
– Quais são seus pensamentos sobre o som e arranjo do single? Sonoramente, eu queria que a música refletisse sobre a letra da música, representando tanto o sonhador quanto o ousado ao mesmo tempo. Eu queria que parecesse um contraponto a um mundo que corre muito rápido e desse espaço para a contemplação. Há uma certa inocência na música, ao mesmo tempo em que reflete sobre alguns assuntos muito sérios. Eu realmente gosto de como o contrabaixo e a bateria dão aquela sensação de aterramento para a música, enquanto o aspecto mais sonhador das guitarras elétricas flutua no topo disso. Mais ou menos como a ideia de que qualquer pensamento ou intenção também precisa de substância e ação para realmente fazer algo acontecer e significar algo no mundo real.
– O que essa faixa diz sobre seu novo LP? Tematicamente, esta música dá uma boa introdução ao meu novo álbum. Muitas das minhas novas canções refletem sobre a existência humana e quem nos tornamos como sociedade. Nossas relações uns com os outros, com nós mesmos e com a terra da qual fazemos parte. As canções são, de muitas maneiras, uma homenagem aos sonhadores e aos ousados. Aos que ousam questionar como estamos vivendo, mas que também ousam sonhar que podemos fazer melhor como seres humanos. Neste novo álbum, também tenho me aprofundado no papel de produtor, gastando tempo elaborando meu som. Como mulher na indústria da música, é importante para mim estar no comando do meu próprio som e me sinto muito honrada em trabalhar com alguns colaboradores muito talentosos que estão me ajudando a dar vida à minha visão. Eu produzi essa música (assim como várias outras do novo álbum) junto com um de meus colaboradores, François Jalbert.
– Comente sobre a relação de “For The Dreamers & the Bold ” com a música regional norueguesa: O visual da música (Cover Art e Lyric Video) foi filmado no norte da Noruega, de onde eu sou. Cresci com o privilégio de ter acesso a muita natureza linda e aprender o valor de estar ao ar livre. Há algo de humilhante e fundamentado em passar um tempo sozinho na natureza e eu queria que essa música evocasse um sentimento semelhante.
Respostas Marthe Halvors
Vinny Lunar & Low Beams – “In My Blood” – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]
– O que diz a letra? In My Blood, com lançamento previsto para 18 de novembro, é um hino apaixonado que celebra a herança e a cor de Vinny Lunar. Neste quinto single do próximo EP Chauffeur, o rapper indiano-australiano e cantor de R&B aborda descaradamente o trauma inerente à cor e as contradições em torno do colorismo que afligem a sociedade moderna.
“Agora eles estão mudando seus modos e suas próprias identidades
Tente ser mais como eu agora, agora eu vejo o bronzeamento deles uau
Trapaçando, pagando e corando, agindo como se estivessem acima de tudo”
– Qual é a sua mensagem? A faixa é um agressivo retrocesso a uma cultura que ainda se concilia com a bagagem colonial e que reverencia as pessoas de pele mais clara. Também aponta a ironia de como as sociedades ocidentais atribuem beleza a pessoas bronzeadas. Vinny transforma seu trauma em uma celebração da cor como fonte de força, orgulho e rica tradição entre as comunidades do sul da Ásia. Essa percepção é reforçada por meio de um mantra triunfante;
“Tenho ritmo no sangue, tenho herança na pele”
– Como você define o som? Com um som que lembra Sango e Kaytranada, a produção eletrônica hipnótica de Low Beams apresenta amostras indianas tradicionais cruas, como gravações de tabla e tanpura, fundidas com armadilhas de hip-hop contundentes e linhas de baixo intensas. Isso fornece o ambiente perfeito para as energéticas meditações de hip-hop e vocais de R&B de Vinny.
– Comentem sobre a parceria entre vocês nesse single e a importância do single no EP. O conceito do EP é primeiramente sobre subverter a norma para apresentar um ponto de vista diferente sobre a vida na Austrália. Como seria se um cara branco fosse o motorista do moreno, para variar? So Low Beams fornece ao veículo uma mistura de chillwave, R&B e música eletrônica para Vinny canalizar suas histórias sobre identidade, racismo e crescimento na Austrália branca. Temas pesados que são comumente compartilhados entre nós, mas apesar de toda a seriedade, Vinny & Low Beams fizeram um EP estrondoso que é muito satisfatório de ouvir. Em “In My Blood “, Vinny Lunar & Low Beams decidem neste ponto ser mais diretos e honestos no que está acontecendo. Com Vinny assumindo a liderança na frente, ele canta “Não posso continuar assim, escondendo minhas verdadeiras cores. Não dá para continuar fingindo, sem cultura, sem liberdade.” “In My Blood ” refere-se à experiência de Vinny de crescer em uma Austrália branca. No entanto, apesar das dificuldades, Vinny agora percebe que suas diferenças podem agora ser sua força: “Tenho ritmo em meu sangue, tenho tradição em minha pele”.
– Há alguma história interessante ou curiosidade sobre o lançamento? As informações acima cobrem tudo.
Respostas Vinny
Nick Noon – “Bring Out The Sunshine” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você diz nos versos de ” Bring Out The Sunshine “? Existe uma mensagem central?
Liricamente, a mensagem da música é qualquer mensagem que o ouvinte tire dela. A música provavelmente significará coisas diferentes para pessoas diferentes. Acho que é melhor quando um artista não diz sobre o que é uma música e permite que o ouvinte a interprete como quiser.
– Como você define o som e o arranjo? É sem dúvida um som enorme e o arranjo é exuberante. Sinto que alcancei o som que ouvi na minha cabeça, que é sempre o objetivo, mas nem sempre realizado. Meu objetivo era que fosse um 11 de 10 no final.
– Você consegue fazer uma conexão entre essa música e a cena musical norte-americana? Apresente-se. Meu nome é Nick Noon e sou um dos principais jovens compositores em ascensão do mundo e sou de Nashville, Tennessee. Eu sinto que minhas músicas existem em sua própria bolha e realmente não têm muito em comum com qualquer coisa que esteja acontecendo na cena musical norte-americana moderna. O som é muito mais parecido com várias influências clássicas britânicas, com dicas de artistas americanos atemporais. No que diz respeito ao clima musical de hoje, não há muito por aí, pelo menos eu ouvi, que seja comparável ponto de vista norte-americano.
Respostas Nick Noon
California Condor – “Chandelier” – (Estônia) – [MINI ENTREVISTA]
– O que diz a letra da música? Qual é a mensagem dela? A letra dessa música é muito direta e crua.
– Acho interessante você comentar sobre o som/arranjos da música, mas também linká-la a alguma outra banda, que seja parecida. Você pode encontrar nossas semelhanças com Disturbed, Nirvana, Metallica, Linkin Park e Creed.
– Como o clipe nos ajuda a entender o single? Apenas liberte sua mente, solte-se e mergulhe no vídeo e tudo o que você sentir enquanto assiste ao vídeo, lhe dará sua própria compreensão.
Respostas de Timo Tomson
Sean Santeri – “Not Alone” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que, em geral, o single diz? O single está dizendo que não importa quais lutas ou desafios estamos enfrentando, que não estamos sozinhos em lidar com esses desafios e com a pessoa certa não há nada que não possa ser superado.
– Qual é a sua mensagem? Enfrente seus desafios e medos. Não os deixe quebrar seu espírito. Ajude os outros com seus desafios e aceite a ajuda deles por conta própria.
– Como surgiu essa ideia? Refletindo sobre meus próprios desafios na vida e o que foi necessário para superar alguns dos mais difíceis. Ter alguém que realmente entenda sua situação e se importar com a perspectiva que eles podem oferecer.
– Comente sobre o som e arranjos do single. Optei por usar um som melancólico para este arranjo, pois achei que se adequava melhor ao clima e à letra. Eu quero que a música reconheça o quão difícil a vida pode ser, mas também forneça uma sensação de esperança nas letras.
– Deixo este espaço para vocês se apresentarem. Meu nome é Sean Santeri. Eu sou de Salt Lake City, Utah. Sou uma cantora e compositora focada em escrever e produzir músicas que evocam positividade e autorreflexão. É uma forma de terapia para mim e espero que as mensagens na música possam deixar outras pessoas com uma visão positiva da vida em geral.
Respostas Sean Santeri
The Heart Collectors – “Pieces II” – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]
– Apresentem-se! Olá Brasil! Nós somos The Heart Collectors, um quarteto de folk da Austrália! Nossa banda apresenta vocais de harmonia em quatro partes, guitarra acústica e elétrica, violoncelo, bandolim, banjo, piano e bodhran (Irish Hand Drum). Nosso som é uma mistura de influências world music e da suave música country/americana dos anos 60 e 70… combinada com um toque celta. As pessoas nos chamam de ‘Folk épico’.
– O que diz a letra de “Pieces II”? Pieces II é uma versão reconstruída de uma faixa que lançamos de “Time To Say I Love You” em 2020. No ano passado, reescrevemos algumas das letras e regravamos a instrumentação. Originalmente, Pieces foi escrito durante o período de intensos incêndios em todo o mundo, especialmente para nós na Austrália, na costa leste, perto de nossa casa. Inicialmente, tratava-se de destruição e devastação, mas também de encontrar os pedaços de vida espalhados e reuni-los novamente. Mais recentemente, a Austrália também foi devastada por inundações recordes, experiências que encontraram o significado dessa música para nós.
– Qual é a sua mensagem? Nossa mensagem é para nos unirmos e curar o coração. Queremos trazer esperança para todos aqueles ao redor do mundo que ouvem nossa música. Queremos fazer uma onda positiva e ser uma energia edificante que seja inspiradora para aqueles que ouvem.
Respostas da Banda
icyDice – “Mais com Mais” – (Portugal) – [MINI ENTREVISTA]
– Apresentação: O artista icyDice é um compositor e rapper de 25 anos que se lançou nos inicios da pandemia em 2020. Explorou e cantou durante muito tempo na língua inglesa contando com vários projetos – neste momento está a iniciar o seu lançamento em Português para todos os ouvintes de Rap/Trap Tuga e estreou a pouco tempo o seu novo single com videoclip: “Mais com Mais“.
– O que você diz nos versos de “Mais com Mais” Há alguma mensagem central? É uma música sobre mudança. A mudança acontece quando se compreende a diferença do certo e do errado e se vive bem com isso – o certo é a sua vontade, errado é negá-la. “Eu sei quem pára na mesma estrada – Topa o sinal é pa abranda – eu não paro“. É a primeira frase do refrão, significa que algo nessa estrada abranda o percurso e você sabe o que, por vezes é só topar o sinal, ignorar e avançar mais rápido.
– Como você define a sonoridade e arranjo? O produtor fez um ótimo trabalho na conjugação dos instrumentos, com a minha voz só tentei dinamiza-la com rimas rápidas, melodias e mudanças de flow constante, é uma música mexida e energética. Vai de encontro à mensagem central por trás, pois grandes mudanças requerem grandes ações e esta é uma música que te vai fazer agir.
– Qual a relação desta música com a música Hip-Hop de Portugal? O Hip-Hop está cada vez mais vivo em Portugal, novos artistas vão aparecendo e os mais velhos cada vez se re-adaptam mais aos novos estilos e batidas. Esta música tentou encontrar um pouco dos dois mundos, do velho e do novo – Um instrumental agitado que puxa as novas ondas do Trap juntamente com uma mensagem importante e descodificada apenas por quem tenha uma visão mais ampla e atenta no que lhe chamemos, escola da vida.
Respostas João Bárbara
The Woolverstones – “Olde Dog” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, apresente-se aos nossos leitores do Além da BR. Os Woolverstones se formaram no final de 2019 em Berlim, Alemanha. Somos uma dupla de folk alternativo composta por Chris S. (vocais, guitarra) e Lou H. (backing vocals, flauta). Gravamos nosso álbum de estreia “Grey Eyed Dandy” no Slate Room Studio (localizado na pacata vila de Pencaitland, a apenas 20 minutos a leste de Edimburgo) em janeiro de 2022.
– O que a letra de “Old Dog” nos diz? “Olde Dog” foi escrito para expressar uma tendência nos humanos de seguir caminhos que não refletem sua natureza autêntica – apesar do fato de que esses caminhos acabam por traí-los e machucá-los. Um cachorro velho que é chutado por seu dono, mas ainda assim (por algum motivo) volta para mais.
– Você consegue se aprofundar na reflexão que a música nos traz? É nossa esperança que a música consiga expressar um senso de sátira e humor a um assunto um tanto perturbador. Um conto de advertência, marinado com momentos atrevidos e honestidade emocional edificante. Há uma ponta do chapéu descaradamente e uma homenagem ao som da banda Steely Dan. O toque sutil da bossa nova só encontrou seu caminho na música nas sessões finais de gravação – a demo original tinha mais uma sensação de blues distorcido. É emocionante como as músicas evoluem e se refinam à medida que você avança…
Respostas Chris S.
The Sixies – “Kiss Me Now” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, apresente-se aos nossos leitores do Além da BR. Olá, somos The Sixies de Charlottesville, Virgínia, nos Estados Unidos. Quando começamos em 2018, tínhamos 18 integrantes na banda! Éramos um grupo de trabalho e formamo-nos com o único propósito de fazer um show ‘ao vivo’ no trabalho. Depois do show, 11 de nós continuamos. No entanto, durante a Pandemia, reduzimos a quatro membros. Quase desistimos! Este novo single ‘ Kiss Me Now ‘ é um teaser para saber se devemos continuar.
– O que você diz na letra da música? E qual é a sua mensagem? Comentar sobre o som e arranjos do single. – Existe alguma história relevante ou curiosidade sobre o lançamento? Paul Johnson escreveu a letra sobre dois jovens amantes que se apaixonam perdidamente em seu primeiro encontro em 5 de dezembro e em seu segundo encontro em 12 de dezembro, eles sabem que são simpáticos. Como a história se passa em dezembro, as imagens são repletas de feriados (Natal). O sino alto que aparece ao longo da música simboliza o amor que está no ar. “Por favor, minha querida, me beije agora!” A música apresenta piano, guitarra, baixo e bateria, além do sino tocando. Paul canta o vocal principal e sua filha Augie canta as partes do coro na ponte. Nós intencionalmente mantivemos a música curta com um final repentino – esperamos que isso encoraje as pessoas a ouvi-la de novo e de novo!
– É possível traçar uma ligação entre “Kiss Me Now” e a música e a cultura dos Estados Unidos? Sim, existe uma ligação definitiva entre ‘ Kiss Me Now ‘ e a cultura dos EUA. No primeiro verso, a música faz referência especificamente à “fronteira do horizonte“, que faz parte das montanhas Blue Ridge e das montanhas Apalaches de 1.500 milhas de extensão que correm ao longo da parte leste dos Estados Unidos. No terceiro verso, a letra menciona o corredor “the Coal Tower“, onde Paul mora no centro de Charlottesville, Virgínia.
Respostas Paul Johnson, também conhecido como Paul Derringer.
Vincent Coomans – “Desire” – (Bélgica) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você diz na letra da música? E qual é a sua mensagem? Enquanto sofria, me vi totalmente paralisado e entorpecido, perdendo contato com meus sentidos e desejos humanos normais. Em ‘ Desire ‘ eu filtro todos os aspectos do luto até que você encontre apenas um corpo sem peso em uma tentativa final de se livrar da culpa que o luto gera.
– Como surgiu o ‘ Desire ‘? Qual foi a inspiração? Escrevi desejo há cerca de dois anos, enquanto lutava contra ataques de pânico e ansiedade. Eu me senti completamente contido pelo enorme efeito da dor no corpo humano. Então, quando escrevi, realmente senti uma saída, uma visualização concreta de liberar o peso da dor.
– Comentem sobre o som e os arranjos do single. Eu realmente queria manter o som em toda a largura nesta música, e em uma atmosfera muito alegre, leve e sensual como um disfarce para o tema pesado da música. No início, usamos uma bateria eletrônica 808-seca (inspirada no Radiohead), mas depois o groove parecia muito estático e pedimos a um baterista para tocar essa batida constante e colocar um violão desleixado (inspirado na banda pop belga Balthazar). Tem muita percussão na música, na ponte usamos até bongô. Como uma forma de realmente obter algum ritmo e urgência nesta música.
Jonas Bruyneel, que é meu parceiro no crime e produtor, compôs os arranjos de cordas e isso imediatamente me surpreendeu.
– Comente sobre o álbum “The Great Rebuild“, do qual este grupo faz parte. ‘ Desire ‘ é o primeiro single oficial de “The Great Rebuild“, álbum que lançarei no dia 20 de janeiro pela Illuminine Records. É uma referência à “Grande Reconstrução” em Ypres, uma cidade que foi completamente apagada na primeira guerra mundial. Eles decidiram reconstruir a cidade em seu estado original, para mim isso foi diferente. Depois do luto e luto pela morte de várias pessoas, e pela nova vida que se deu na minha vida, ser pai, eu realmente senti que precisava me desconstruir para me reconstruir de um jeito novo e diferente. ‘ Desejo ‘ já é uma peça simbólica para a desconstrução que enfrentei.
Respostas Vincent Coomans
Stokoff – “Never Enough” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que originou esta música? Eu faço música há muitos anos, a música country sempre me fascinou, então minhas composições sempre tenderam a esse estilo musical, há vários anos venho fazendo música country latina. Talvez porque dentro do mundo musical latino não exista esse gênero musical e acho que precisa ser mais divulgado.
– Como ela nasceu? Sempre compus neste estilo, mas apenas alguns anos atrás decidimos dar um nome a ele, Latin Country Music
– A letra retrata o que? – A ideia é contar histórias do dia a dia, de amor, desgosto, família, relacionamento interpessoal, em geral do que nos acontece no dia a dia.
– Qual é a mensagem? Geralmente a mensagem é positiva, ou de autoaperfeiçoamento, depende da música, no caso da minha nova música “Never Enough”, é uma mensagem positiva de amor em uma balada country rock, que toca com duas línguas, inglês e espanhol
– Quais são suas considerações sobre o som/arranjos do single? Quanto ao som, queríamos que a música soasse “sexy” e ao mesmo tempo nos convidasse a sonhar e deixasse voar a imaginação do público em geral, para isso utilizamos o Pedal Steel, um som particular de guitarras elétricas e alguns coros que funcionam muito bem na mixagem, assim como o sabor especial da percussão latina que dá um toque especial à música.
Respostas de Stokoff
Waves_On_Waves – “Unrelenting Love” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que o single nos diz? Que somos todos muito piores do que jamais ousamos imaginar, mas mais amados pelo Deus da Bíblia do que jamais poderíamos esperar ou sonhar.
– Quais ideias cristãs exatamente você explora em “Unrelenting Love”? Que enquanto Deus é um Deus de justiça, ele é um Senhor de graça e amor incondicional que é implacável.
– O que essa faixa diz sobre você? Que enquanto o mundo está escuro e quebrado, mas aceitando Jesus como meu Senhor e Salvador que me é imputada a sua justiça. Assim, Deus me verá como vê seu filho. Em resposta a essa graça, sirvo a Deus como meu Rei, não porque preciso, mas porque ele é meu Senhor e eu consigo. A linguagem do amor de Deus é obediência e adoração, então estou tentando cumprir isso porque Ele é digno.
Respostas de Waves_On_Waves
Ben Barbic (Estados Unidos) e Bennie Mellies (Holanda) – “We Can Do More” – [MINI ENTREVISTA]
Com mais de 70 mil seguidores em suas redes sociais, o norte americano Ben Barbic é um artista único, com personalidade artística original. Ele é baseado no reggae, mas outros gêneros são acrescidos, como o hip-hop e o dancehall. É com este caldeirão de influências que o cara faz presença forte nas plataformas de streaming, algo que passou a acontecer desde 2017 quando lançou o EP “Brighter Days”. Desde então, Ben entregou muitos lançamentos, sendo o mais recente o single “We Can Do More”, em parceria com o holandês Bennie Meillies. E esta a canção deste artista que aqui indicamos por hoje!
