Somos uma revista de arte nacional, sim! No entanto, em respeito à inúmeras e valiosas sugestões que recebemos de artistas de diversas partes do mundo, criamos uma playlist chamada “Além da BR”.
Como uma forma de estende-la, nasceu essa publicação no site, que agora chega a sua 69ª edição. Neste espaço, iremos abordar alguns dos lançamentos mais interessantes da playlist.
Louie Rubio – “Find Your Light” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Comente sobre a letra da música. Para “Find Your Light” eu usei uma abordagem diferente para escrever a letra da música. Em vez de primeiro apresentar um tópico e forçar as frases, deixo a musicalidade e a fonética das palavras guiarem a escrita. É engraçado, porém, apesar de tentar evitar uma mensagem, um tema surgiu de qualquer maneira. Enquanto escrevia, percebi que a música era sobre o desencanto de se sentir encaixotado por expectativas sociais, ambições tóxicas ou carreiras… sobre alguém em busca de libertação interior, virando as costas para atividades mundanas.
– Qual sua mensagem? Os versos são sardônicos e diretos, usando letras como “você se engana, porque é assim que você vence” – e os refrões são mais uma resposta, soando quase como um apelo espiritual. Você também ouve isso nas diferenças de produção entre os versos cinéticos simplificados e os refrões relaxantes e exuberantes.
– Fale sobre a sonoridade do single, afinal, como definir ela? Para os versos, usei um antigo baixo Fender VI (popularizado por George Harrison) e o mantive bem cru, mas melódico. Isso foi então colocado em camadas com o acústico de Taylor conectado ao meu híbrido de amplificador de tweed Sky King para obter um som etéreo e ao vivo. O Taylor tem um ótimo tom brilhante devido ao seu braço de ébano Crelicam camaronês – empurrando isso através dos temperamentos do amplificador e amplifica o som com nova cor e dimensão. Para piano, microfonei meu U1 Yamaha vertical com um AT4051b à esquerda (notas mais baixas) e um KSM44A à direita (notas mais altas): isso adiciona um som estéreo balanceado, mas rico.
Trouxe o Fender VI de volta para o epílogo, mas toquei como uma guitarra barítono, gravando direto com um pedal JHS Colourbox que recria o som clássico do console Neve. Normalmente fico longe de outros longos como esse, mas para este projeto deixei a música guiar o processo e deixei tudo ser o mais livre possível.
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre esta música? Eu pretendo adicionar alguns temas espirituais à minha música, então foi bom ter esses temas de fé surgindo organicamente aqui. O título desta música compartilha o título do próximo álbum (Find Your Light). Como o resto do álbum, essa música foi criada sozinha no meu estúdio em Los Angeles, desde a composição até a gravação e a mixagem.
Respostas Louie Rubio
Ian Shortall – “Henry Brown” – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]
– Comente a letra da música. – Qual é a sua mensagem? A música é um country tradicional e um estilo ocidental sobre uma amizade e um triângulo amoroso. A história é um velho conto ocidental de vingança, traição e vingança. Eu queria que a música trouxesse o ouvinte de volta ao velho oeste, ou o que eu penso do velho oeste.
– Fale sobre o som do single, afinal, como defini-lo? Eu me certifiquei de que a música fosse um sentimento antigo, com a guitarra elétrica como som principal ao longo da música. É um som country/western que está voltando à moda. Você também pode descrever o som como Alt-Country ou Texas Country. Gosto de pensar que isso é algo que Willie Nelson pode ter cantado em seus primeiros anos.
– Existe alguma história interessante ou curiosidades sobre essa música? Abraço! Bem, a música foi escrita em uma sessão com outras 4 músicas que escrevi entre as sessões de gravação. Devo ter levado apenas cerca de 1,5 horas para escrever a música do começo ao fim. Além disso, a guitarra foi a adição final e um ótimo guitarrista de Melbourne, Austrália, Matt Dwyer, acrescentou o floreio final que acabou de fazer a música.
Respostas de Ian Shortall
Sunshine Spazz – “Quick Cash” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você diz nesta música, qual é a sua mensagem? Essa música vai e volta entre meus relacionamentos financeiros com certos homens e certas mulheres.
Com o homem, o jeito que eu retratei foi lidar com um chefe no trabalho. Ter que lidar com as tarefas que me são atribuídas em um ambiente de trabalho e não ter muito a dizer sobre o assunto. No final das contas, estou ciente de que estou ajudando meu chefe a ganhar mais dinheiro do que eu levava para casa. Isso não quer dizer que uma mulher não possa ser chefe também, mas por causa do conceito dessa música, escolhi dar esse papel a um homem.
Com as mulheres, eu relacionei isso com encontros. Essas letras chegaram a mim em um momento em que eu sentia que estava tendo momentos românticos incríveis em encontros, mas nenhuma das mulheres com quem interagi acabou me escolhendo. Lembro-me especificamente de estar frustrado neste momento, imaginando se havia uma falha em minha auto-apresentação. Essas datas também não eram baratas e parecia uma perda de tempo e dinheiro naquele momento. Não me sinto mais assim, pois isso me ajudou a encontrar o que gosto e o que não gosto dentro de mim e dos outros.
Por fim, no refrão, deixo claro que estou procurando retomar o controle. Já vi isso muitas vezes e vou mudar.
– Como você pode definir o som do single? O Quick Cash faz um trabalho sólido ao capturar um som com o qual sempre queremos estar associados: rock de garagem pesado em delay e reverb, bateria grande e explosiva, baixo difuso e melódico. Há uma influência do blues em cada um dos refrões e surtos de agressão espalhados por toda parte.
– O que você considera de mais especial nessa música e dentro do rock? Uma coisa especial sobre essa música é como todos os membros da banda concordam que a música é uma das nossas melhores. Todos nós nos sentimos muito confiantes de que essa música deve ser a última em nosso set ao vivo. Na verdade, estendemos a faixa em nossa versão ao vivo. É uma sensação frustrante, mas também super divertida saber que tocamos essa música melhor e por mais tempo do que a versão gravada.
– Existe alguma história ou curiosidade interessante sobre este lançamento? Gravamos essa música no final de 2020, uma época em que a pandemia ainda estava acontecendo. Na verdade, descobri no dia seguinte que tinha COVID. Então, acidentalmente dei a todos nesta sessão de estúdio COVID também. Felizmente, todos e suas famílias acabaram ficando bem. Então, quando ouvir minha voz, lembre-se de que estou cantando com COVID na garganta. Talvez tenha ajudado as partes do grito em 2:22 e 3:34.
Respostas Sunshine Spazz (Ryan Rutter, guitarra e vocais)
Lucifers Beard – “Frog Class” – (Reino Unido) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você diz nesta música, qual é a sua mensagem? A aula de sapo é sobre os estados de relacionamento em constante mudança. Seja uma morte plutônica, a reconstrução de uma discussão ou até mesmo o falecimento de um ente querido. A classe do sapo pode representar os momentos mais felizes e sombrios.
– Como você pode definir o som do single? O single tentou ter um som suave e suave no geral, mas ainda morder e ser agressivo nos momentos certos. No processo de mixagem, foi bastante difícil conseguir um refrão grande e com sonoridade aberta, sem perder a ambiência suave!
– O que você acha que tem de mais especial nessa música! Eu acho que o fato dessa música ser bastante contraditória em tom e significado é emocionante! Às vezes é edificante e me sinto bem na natureza, que me lembra os meses de verão; e em outros é bastante melancólico e reflexivo!
Respostas Lucifers Beard
Golden – “Roses” – (Alemanha) – [MINI ENTREVISTA]
– O que vocês dizem nos versos? Muitas vezes, noto que em conversas – seja comigo mesmo ou com os outros – o sentimento por trás das palavras tem muito mais peso do que as próprias palavras. E quando não consigo acompanhar uma conversa, ajuda-me concentrar-me no sentimento por trás das palavras. Os versos de “Roses” são exatamente esse tipo de conversa. Racionalmente, não entendo o que está realmente acontecendo, mas quando escuto com mais atenção, sinto medo. Então, é menos sobre encontrar a resposta certa, e mais sobre estar lá e valorizar a abertura do outro.
– Qual sua mensagem? Para mim, “Roses” é sobre mudança de perspectiva. Se você está vendo vermelho ou vendo rosas, não é o ponto principal. Não é sobre todos nós termos que ver as coisas da mesma maneira. É mais sobre reconhecer essas diferenças e deixar algo novo crescer a partir delas. Aprendi que opiniões diferentes não significam que temos que nos afastar, desde que tratemos uns aos outros com respeito. A música é para me lembrar de não fugir quando as coisas ficam difíceis, mas para nos ajudarmos mutuamente através desses tempos.
– Como você pode definir a sonoridade? Resposta: Em ‘Roses’, era importante para mim que a produção tivesse a profundidade para se aprofundar, e ao mesmo tempo a leveza necessária para dançar neste mundo caótico. É praticamente uma música perfeita para ‘Happy Crying on the Dancefloor’.
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre este lançamento? A criação de “Roses” foi realmente especial. Estava no estúdio com Colleen Livingston, uma amiga compositora, e inicialmente estava bastante incerto sobre a direção que a música deveria tomar. Eu nem tinha certeza se gostava dos acordes. Mas a Colleen estava apenas lá, ela não me pressionou e foi super paciente comigo. Nós trabalhamos através das incertezas, superamo-nas, e então a letra fluiu de nós em apenas três horas. Foi um desses momentos que me lembram o quão legal é fazer música. “Roses” é o resultado direto desse processo – uma música que surgiu da confrontação com as incertezas e do foco no sentimento por trás das palavras.
Respostas Golden
