Já é um sucesso o nosso quadro ALÉM DA BR, focado em artistas não-brasileiros. Com o ALÉM DA BR, já divulgamos mais de três mil músicas de artistas de todas as partes do mundo. Agora, apresentamos um novo lado desta lista, no qual iremos focar somente em músicas do gênero rock e de seus subgêneros, sem limitações! Para isso, selecionaremos sempre cinco artistas, que irão contar com suas próprias palavras como foram estes processos de sus novas músicas. Vale dizer que o conteúdo produzido por eles tem exclusividade da Arte Brasileira, escrito sob encomenda. A sequência foi escolhida via sorteio, ou seja, não há “melhores e piores”.
Vamos nessa?
The Thick Of It – “Someone Else” – (Canadá)
Qual a melhor descrição dessa música, seu conceito geral?
A descrição da canção trata sobre a pessoa que nunca poderá ser realmente sua. Duas pessoas que estão apaixonadas, mas uma das duas já está em um relacionamento e nunca vai deixar.
O que especificamente você diz na letra da música, e qual sua mensagem?
Eu acho que a letra do refrão realmente transmite a mensagem da canção, especialmente as linhas: “Corra agora, para ficar sozinho Estar com ou sem” que essencialmente significa “com ou sem o outro ainda estamos sozinhos porque nunca podemos estar realmente juntos”.
O que originou a composição?
A composição se originou da introdução inicial de grande bateria / grande baixo e simplesmente partiu daí. Esse tipo de canção se escreveu musicalmente e a letra do refrão inicial “Não se esqueça, você pertence a alguém mais” ficou enquanto o cantor Garth cantava a melodia.
Quem é a banda The Trick Of It?
Garth Allen – Voz Principal + Guitarras Alex Roque – Guitarra solo + Voz Jeff Woods – Bateria Ryan Jones – Baixo + Voz.
Respostas de The Trick Of It
Lonely Hours – “Gorgeous Hair” – (EUA)
O que especificamente você diz na letra da música, e qual sua mensagem?
Antes de mais, gostaria de lembrar que encontrei as canções de Lonely Hours numa cave e decidi lançar estas demos na esperança de que o autor me contactasse. Nesta canção, o autor expõe os problemas capilares e mentais de uma personagem e ridiculariza o seu desejo de ter um cabelo lindo a todo o custo.
O que originou a composição?
Pelo que ouvi das demos de Lonely Hours, o autor escreve as suas canções para desabafar um certo número de sentimentos pessoais. Neste caso, a obsessão com o seu corte de cabelo deve tê-lo levado a escrever esta canção.
Musicalmente, como você descreve?
É uma canção de garage e indie rock com um som muito cru, gravada em 4 faixas com muito pouca pós-produção.
Qual a proposta do videoclipe e como ele dialoga com a música?
Para se enquadrar na letra da canção, utilizei imagens que mostram a obsessão pelos cortes de cabelo ao longo dos tempos, desde a pré-história até à Idade Média.
Repostas de Lonely Hours
AUS!Funkt – “Let The Shadows Fall” – (Canadá)
Descreve, em poucas linhas, o que será esse lançamento.
Nosso novo álbum, Rewire The Damage, lançado em 25 de abril de 2025, é uma exploração crua e urgente de como somos pressionados a nos reconstruir em um mundo fragmentado e digitalizado. É uma mistura pesada de texturas glitchy, grooves despojados e energia pós-punk — criada para soar como uma colisão entre a resistência humana e o ritmo das máquinas.
Que ideias você desenvolve na letra da música?
A faixa Let The Shadows Fall aborda a necessidade de confrontar o que está por baixo da superfície. Liricamente, trata-se de abandonar as máscaras que usamos, encarar as partes de nós mesmos que escondemos e nos recusar a manter as aparências apenas para nos encaixarmos. É um chamado para parar de fingir e aceitar as partes confusas e caóticas de quem realmente somos.
O que originou isso, o que inspirou a composição?
A inspiração para a música veio de testemunhar o quanto de nossas vidas é gasto em busca da perfeição inatingível – sacrificando nossa própria humanidade ao longo do caminho. Em um mundo obcecado por imagens impecáveis e padrões impossíveis, Let The Shadows Fall é um lembrete de que a perfeição não é o objetivo. É a nossa imperfeição humana – confusa, imprevisível e real – que dá sentido à vida.
Comente a foto da capa da música
A capa do álbum reflete essa ideia perfeitamente. Fizemos um exercício dadaísta, recortando jornais e selecionando aleatoriamente palavras para inspirar nosso álbum. Curiosamente, a pilha de manchetes rasgadas na capa representa as manchetes que excluímos. Essa escolha destaca como até mesmo nossas tentativas de aleatoriedade são influenciadas por preferências subconscientes, revelando as estruturas subjacentes que guiam nossas decisões. Simboliza o ruído que tentamos eliminar, as identidades fabricadas que nos dizem para adotar — e a necessidade de rasgar tudo e começar de algo real.
Há algo curioso que você queira destacar?
Um aspecto marcante do processo de gravação: adotamos a aleatoriedade como ferramenta criativa. O álbum apresenta inúmeros improvisos vocais, primeiras tomadas sem edições, jam sessions fragmentadas e glitches — capturando momentos de puro acaso. Abrir mão do controle tornou-se parte do próprio som, mostrando o quão libertadora a verdadeira espontaneidade pode ser.
Respostas de Jozzef Skving, gerenciador de som do AUS!Funkt.
Rainer – “Sobredosis de Chamamé – Rock Version” – (Argentina)
Como você vê essa música originalmente?
Chamamé Overdose é um hit criado por Aldy Balestra, do trio Laurel, em 1995. Dois anos depois, essa música fez sucesso com a banda Amboe em 1997, tornando-se disco de ouro. Agora Rainer traz para vocês uma versão rock deste clássico Chamamé de corrientes.
Por que você decidiu gravá-lo?
Porque minha esposa e sua família são de Corrientes e adoram Chamamé, que é a música típica daquele lugar. O que, em particular, há de diferente e original na sua versão? Esta é uma versão Rock.
Como foram os processos de produção musical e gravação em estúdio?
Esta música foi gravada em nossos próprios estúdios e contou com a ajuda de Tomi Mignolo na mixagem e masterização junto com Rainer
Há algo interessante sobre o lançamento que você gostaria de destacar?
Curiosamente, nosso baixista Dani Castro foi o mesmo que gravou a versão original com Aldy Balestra e o trio Laurel em 95.
Respostas de Rainer
Andrì – “The Eternal City” – (Itália)
Em resumo, qual é a definição de música em geral?
Nunca me cansarei de repetir: para mim, o elemento mais importante, a palavra-chave da música e, de modo mais geral, da arte é: contaminação. A contaminação é a base do crescimento artístico e cultural de um povo; quanto maior o grau de contaminação entre diferentes culturas, diferentes usos e costumes, diferentes expressões artísticas; e maiores as chances de que esse povo cresça e progrida. Caso contrário, na ausência de contaminação, os povos implodem, o crescimento cultural desacelera cada vez mais, até a paralisia. Na minha música, sempre tento misturar diferentes ideias, estilos, sons e culturas. Acredito firmemente na contaminação, mas acredito ainda mais no terrível efeito que a ausência de contaminação causa nas sociedades.
O que você diz no texto , qual é a sua mensagem?
É uma canção dedicada a Roma, minha cidade. Uma estratificação milenar de povos, culturas, costumes e crenças. Cada beco, praça, rua, monumento, igreja, cada pedra aqui conta não uma, mas milhares de histórias. Milhões de pessoas morreram por Roma e em Roma. Pessoas que, ao longo da história, encontraram sua sorte ou seu fim em Roma. Às vezes, pareço perceber essas presenças, esse mosaico infinito de histórias, todas com a mesma matriz em comum: Roma. A canção vem de um texto que escrevi há algum tempo e que foi recentemente recuperado, recortado e adaptado à melodia. Espero que nessa manobra de “adaptação” o caráter do texto original não tenha se perdido.
Musicalmente, como você descreve isso?
Trata-se de uma peça com viés latino, cuja ideia surge justamente da vontade de criar um forte contraste entre o tema abordado e o estilo musical. Aliás, normalmente uma bossa nova e um texto com referências históricas a Roma teriam muito pouco em comum. O arranjo da música foi talvez o trabalho mais cansativo, pois nasceu da ideia de fazer coexistirem diversos sons, como sintetizadores, orquestrações, órgãos, guitarras e, obviamente, uma seção rítmica que não é exatamente “banal”. Na minha opinião, essa coleta de diferentes sons contribui para destacar os contrastes culturais relatados no texto.
O que o cover da música representa?
Confesso que a inteligência artificial me ajudou muito na criação da capa . Tudo nasce da ideia de agrupar, de forma estilizada e ilustrada, alguns elementos caracterizadores do texto , como a clara referência a Giordano Bruno, um cientista muito importante, um iluminado queimado na fogueira em Roma pelas mãos da igreja cristã, numa era em que a escuridão e a irracionalidade dominavam o mundo. Há muitos outros elementos estilizados na capa , como o cavaleiro no canto superior direito que deveria simbolizar Giuseppe Garibaldi que, com seu exército, era o ícone, o símbolo de toda uma era histórica conhecida hoje como o Risorgimento. E, novamente, a cúpula é um símbolo ao qual Roma ainda é fortemente escravizada hoje. O Castelo de Santo Ângelo, um dos castelos mais antigos do mundo , construído pelo Imperador Adriano e ainda um símbolo de força e poder.
Há algo curioso que você queira destacar?
Pode parecer incrível, mas eu não tenho um bandolim e, para ser sincero, nunca tive um. No entanto, eu queria o som de um bandolim no início e no final da música. Eu estava procurando alguém que pudesse me ajudar a compor algumas linhas com um bandolim, mas tive que me render à impossibilidade de encontrar um em pouco tempo. Então, me tranquei no estúdio e, munido de paciência, reconstruí o som com um sintetizador. Parece-me que o resultado não é ruim, mesmo que o som de um bandolim de verdade fosse melhor.
Respostas de Andrì
