Somos uma revista de arte nacional, sim! No entanto, em respeito à inúmeras e valiosas sugestões que recebemos de artistas de diversas partes do mundo, criamos uma playlist chamada “Além da BR”. Como uma forma de estende-la, nasceu essa publicação no site, que agora chega a sua 286ª edição. Neste espaço, iremos abordar alguns dos lançamentos mais interessantes que nos são apresentados.
Até o primeiro semestre de 2024 publicávamos também no formato de texto corrido, produzido pela redação da Arte Brasileira. Contudo, decidimos publicar apenas no formato minientrevista, em resposta aos pedidos de parte significativa dos nossos leitores.
Madi Lorelei – “UNTOUCHABLE” – (EUA)
Eu comecei a escrever “Untouchable” no início de 2025. Eu estava tão empolgado para incorporar os títulos das músicas da Britney Spears e fazer outra música inspirada nos anos 2000, então escrevi isso logo após minha música “they like”.
O tema é sobre se sentir confiante, ser você mesmo e simplesmente ser imbatível. É uma música para qualquer um que literalmente quer se sentir “intocável”.
Não só descreveria essa música como inspirada nos anos 2000, mas também gostaria de mencionar como todos os sons, tambores, sintetizadores e batidas eram todos de 2006. Tudo autêntico, tudo datado daquela época. Eu queria que essa música soasse como se realmente fosse daquela época. Essa música, como disse, foi inspirada por vários títulos de músicas da Britney Spears e eu também acho isso bastante icônico.
Isso está ligado ao imenso amor da América pela cultura pop do início dos anos 2000. Aquela época destemida e selvagem que moldou tantos adolescentes naquela época. Eu queria trazer isso para 2025.
Bem, em “Untouchable“, algo realmente especial para mim são os vocais de fundo!! Os vocais de fundo são do meu produtor, Donnie Klang. Acho que isso realmente dá vida à música. Tentamos fazer a música ter uma produção no estilo Timbaland. Meu produtor, Donnie Klang, na verdade, teve um grande sucesso no início dos anos 2000 e foi apresentado no programa “making the band” com P Diddy. Então, Donnie sabe que tipo de sons e batidas usar para deixar tudo no ponto certo.
Eu descreveria o som dessa música como uma vibe de dance-pop animada. Definitivamente tem uma clara sensação dos anos 2000, como algo que você ouviria em uma balada hoje ou nos anos 2000.
Respostas Madi Lorelei
Rory Tiganis-Hannan – “DSV” – (Austrália)
– Em que momento surgiu essa composição e o que a inspirou? Há cerca de um ano, eu tinha um show de última hora com minha banda em um lugar bacana em Melbourne, Austrália, chamado The Night Cat. Eu estava cansado de tocar o mesmo material e decidi compor algumas músicas novas em pouco tempo. Eu e um colega de banda nos reunimos e rapidamente compusemos três faixas novas — todas lançadas nos últimos meses: “Stretch Limo”, “Alright Sir” e “DSV”.
– Qual é o tema da música, qual é a sua mensagem? Para ser sincero, DSV não tem uma narrativa propriamente dita — é mais uma vibe. DSV, na verdade, significa “Dark Song Vibe“, que era apenas um título provisório no início, hahaha. Mas gostamos do som de “DSV“, então pegou!
– Em termos de som, como você descreveria essa música? Eu diria que é sombrio, descolado e intenso na maior parte — com o solo de teclas e o final também introduzindo alguns sons mais suaves e etéreos (mas ainda com muito groove).
– Quem é o artista Rory Tiganis-Hannan? Sou baterista e compositor de Melbourne, Austrália. Grande parte da minha música tem muito groove, mas também gosto que ela soe ao vivo, com trechos espontâneos e com improvisação. Toquei muitos gêneros diferentes ao longo dos anos — gosto de explorar sons fortemente influenciados pelo jazz, mas também de me inspirar em outros estilos. Todos os singles que tenho lançado no momento estarão no meu álbum de estreia, “Inbetween States“, porque ele explora esses estados de fusão entre estéticas e estilos musicais contrastantes.
– Há algo curioso ou interessante que você gostaria de destacar? Coisas aleatórias de baterista, mas os chimbais que usei na maioria das músicas são esses chimbais baratos, sem marca, que foram encontrados no fundo de uma loja de bateria, hahaha. Eles soam legais, mas são difíceis de controlar o volume — e um deles é tão fino que às vezes se curva demais para o outro lado e inverte até você encaixá-lo de volta no lugar, hahaha. Um chimbau muito estranho!
Respostas Rory Tiganis-Hannan
Redundancer – “Lemon Ice Cream” – (Alemanha)
– Qual é a melhor descrição deste lançamento? ‘Lemon Ice Cream’ é uma faixa pop alegre e animada que captura a essência de um dia de verão perfeito. Com sua melodia cativante e letras alegres, é o tipo de música que faz você querer sair e aproveitar o sol.
– Se houver, qual é o tema da música? O tema da música é sobre saborear as alegrias simples da vida, como o sabor refrescante do sorvete de limão em um dia quente. É um lembrete para desacelerar e apreciar as pequenas coisas que trazem felicidade.
– O que inspirou a composição? A música foi inspirada em tardes ensolaradas com minha esposa, quando tomamos sorvete em nossa sorveteria favorita e passeamos ao longo do Reno em um clima agradável. O calor, o sorvete e a atmosfera despreocupada despertaram a ideia para esta faixa.
– O que a arte da capa da música representa? A arte da capa apresenta uma ilustração vibrante de dois cones de sorvete de limão contra um fundo ensolarado. Ela representa a vibração edificante e refrescante da música, convidando os ouvintes a se entregarem a um momento de pura alegria.
– Há algo curioso que você gostaria de destacar? Um aspecto curioso é que eu, como artista da Alemanha, tive a oportunidade de trabalhar com uma mistura única de talentos internacionais nesta música. Ela apresenta vocais de Bella da Colômbia, guitarras de Alessandro da Itália e sintetizadores de Ajayi da Nigéria. Esta colaboração global reflete como as pessoas em todos os lugares só querem relaxar e aproveitar o sol em paz.
Respostas Redundancer
Matthew Azrieli – “I thought I saw you the other day” – (Canadá)
– Em que momento a composição surgiu ou o que especificamente a inspirou? Depois de um show no Rogue Bar em Scottsdale, Arizona, fui abordado pelo organizador do festival de música Side Pony Express em Bisbee, Arizona, e convidado para tocar. Fiquei super animado com a oferta e — claro! — aceitei imediatamente. Então, de 11 a 13 de novembro de 2016, fui contratado para tocar em Bisbee, Arizona, pela primeira vez. Adorei minha estadia lá.
Bisbee é uma antiga cidade mineira a cerca de uma hora e meia ao sul de Tucson. Uma cidade em expansão, com vestígios da antiga bolsa de valores, hotéis de luxo e outros apetrechos cosmopolitas abundando, tudo bem preservado pelo deserto de Chihuahua. Cheguei a Tucson depois de fazer conexão em Denver e dirigi até lá com minha mala e um violão no qual coloquei um captador barato. O tiroteio de OK Corral em Tombstone, Arizona, aconteceu nas proximidades; para referência, esse evento aconteceu na década de 1870 e é a origem de um dos primeiros usos da palavra “cowboy”.
Bisbee aparece de repente enquanto você dirige para o sul. À sua esquerda, uma faixa de prédios em tons pastéis irrompe do deserto como uma miragem. Imediatamente, você se apaixona por eles. Seu núcleo urbano permanece completamente intocado; é tão “caminhável” quanto um centro urbano europeu, ou como Buenos Aires na Argentina, mas é real e sujo no bom sentido. Por estar em um vale, um vento aparentemente incessante carrega sedimentos por cada canto e fresta, por cada porta, por cada cômodo, aparentemente por cada xícara de café. Prédios do final do século XIX, o que deve ter sido sua era de expansão — Bisbee era uma cidade mineradora — estão todos resplandecentes e bem preservados pela aridez.
Considerando que um festival de música estava acontecendo, a cidade também estava agitada. Lembre-se de que isso foi antes da COVID; as pessoas aproveitavam as coisas, especialmente em enclaves progressistas como Bisbee naquela época. Não sei se é a mesma coisa agora; espero que sim! Bisbee definitivamente vale a pena uma visita.
Fiz vários shows enquanto estava na cidade e me diverti muito, mas senti falta da minha namorada. Eu estava no meio do deserto e não conseguia parar de pensar nela. Então, depois de colocar meu violão no capô do sedã que aluguei, comecei a tocar um acorde de D6, e a música saiu muito rápido.
– Sonoramente, o que inspirou a nova faixa? Para referência, eu cresci em Montreal. Montreal é um bom enclave católico de beleza estética, sempre se protegendo contra a tempestade de banalidade que é a “cultura popular americana”. Os americanos também têm uma boa noção disso; é claro que a revista Pitchfork era notoriamente afável com os artistas de Montreal nos anos 2000 e 2010 – favorecendo artistas como Arcade Fire, Grimes, Mac de Marco e muitos outros. Havia até uma banda do sul dos Estados Unidos que se autodenominava “Of Montreal”.
Montreal é um circuito fechado de música e cultura; uma espécie de estufa para vertentes musicais selecionadas. A música baseada em violão, em particular, perdurou por mais uma década na música popular dos círculos francófonos do Quebec. Les Cowboys Fringants seria um bom exemplo de um grande legado quebequense que não teria perdurado em outros lugares. Assim como eles, minha música tem afinidade com sons naturais; o violão e a guitarra, o quarteto de violinos, o drum and bass, tudo isso é tocado naturalmente pelos músicos.
A intenção sonora de “Expectations” é entregar um som agradável e nostálgico ao ouvinte. Um pouco de compositores dos anos 70 como James Taylor, a leveza de grandes nomes brasileiros como Jobim e João Gilberto, e a “sensação” dos indie-rockers britânicos Belle and Sebastian. Aliás, o título “Expectations” foi escolhido em homenagem à música homônima do grupo, de seu álbum de estreia de 1996, Tigermilk.
– Como foi trabalhada a produção musical e qual seu comentário sobre o som geral?
Eu me diverti muito gravando essa música em Montreal com vários músicos extremamente talentosos.
Os músicos de câmara — liderados por um dos violinistas mais talentosos e talentosos do Canadá, Marc Djokic — se apresentaram como parte de uma colaboração que fiz com a Orquestra Clássica de Montreal (OCM). Agradeço a Taras Kulish pela orquestração da apresentação, bem como a Jonathan Monro. Monro é o compositor canadense que literalmente orquestrou e arranjou todas as partes dos músicos de câmara em todas as minhas músicas, muitas das quais serão lançadas ainda este ano.
Jacob Lacroix-Cardinal gravou, mixou e masterizou a música inteira, com exceção do rascunho inicial que eu mesmo gravei no porão do meu escritório. Jacob é um cara supertalentoso e muito simpático.
Trabalhamos nessa música ao longo de várias sessões; na verdade, ao longo de vários anos! Inicialmente, eu escrevi o rascunho. Depois, eu e Jacob fizemos o rascunho e convidamos um amigo meu da Berklee College of Music, um baterista chamado Tyler Davloor. Em seguida, meu irmão, Solomon Azrieli, assumiu o baixo e os backing vocals, e convidamos o OCM para finalizar o trabalho.
Nessa época, um amigo meu chamado Steven Lee Rachel também apareceu e tocou contrabaixo em várias faixas.
Uma palavra para descrever minha música é “tranquilo”. Se você consegue dormir ouvindo música, acho isso bom. A música vem da natureza; Bach é um dos maiores de todos os tempos, porque quase qualquer pessoa consegue dormir ouvindo sua música nas circunstâncias certas. “Expectations” é para quando você está estudando, relaxando e quer algo que não te bata na cabeça. É para isso que serve a maioria das minhas músicas! E então, se você estiver interessado, há camadas adicionais de sofisticação — sejam elas provenientes do arranjo, da composição ou da orquestração — que você pode explorar à vontade. Uma boa música não deve se impor, mas também nunca deve ser entediante!
Respostas Matthew Azrieli
Mathea-Mari – “Tired of Fixing A Broken Heart” – (Noruéga)
– Qual a melhor descrição para este lançamento? “Tired of Fixing a Broken Heart” é uma balada pop de um cantor e compositor que busca inspirar vulnerabilidade emocional e força silenciosa. A letra foi escrita originalmente pelo aclamado artista Christian Burns (BBMak, Tiësto), e tivemos a sorte de ele nos permitir reimaginar a música. A letra tinha tanto peso por si só — parecia natural construir os instrumentais em torno dela para sustentar a história que conta.
– Qual é o tema da música — para qual mundo ela guia o ouvinte? Para mim, a música captura a tristeza e a exaustão emocional de se apegar a algo que já se desfez. É sobre o ponto de ruptura silencioso que alcançamos quando demos tudo de nós, e ainda assim não é o suficiente.
– Qual a origem da composição? A letra veio de uma faixa anterior escrita por Christian Burns. Ele generosamente nos deu a liberdade de reescrever a música, o que nos permitiu dar nova vida à história e fazê-la ressoar de uma maneira diferente.
– Qual a estética musical presente na música? A letra tinha muito a dizer, então era importante que a produção não a sobrepujasse. Usamos instrumentação sutil para destacar a tensão emocional e reforçar aquela força interior silenciosa no coração da música.
– O que este lançamento diz sobre o seu país? Não tenho certeza se fala diretamente sobre o meu país, mas sim sobre a força que pessoas de todas as origens precisam para enfrentar um coração partido. Um coração partido nem sempre se despedaça de uma só vez — às vezes, ele se despedaça lentamente, em pequenos pedaços todos os dias, até que um dia você finalmente diz: “Chega“. Esse momento de desapego é empoderador!!
Respostas Mathea-Mari
