Já é um sucesso o nosso quadro ALÉM DA BR, focado em artistas não-brasileiros. Com o ALÉM DA BR, já divulgamos mais de três mil músicas de artistas de todas as partes do mundo. Agora, apresentamos um novo lado desta lista, no qual iremos focar somente em músicas do gênero rock e de seus subgêneros, sem limitações! Para isso, selecionaremos sempre cinco artistas, que irão contar com suas próprias palavras como foram estes processos de suas novas músicas. Vale dizer que o conteúdo produzido por eles tem exclusividade da Arte Brasileira, escrito sob encomenda. A sequência foi escolhida via sorteio, ou seja, não há “melhores e piores”.
Vamos nessa?
Loo NaaT – “I’M JUSTING GO AHEAD” – (EUA)
E em qual momento surgiu essa composição, o que a inspirou?
A composição nasceu da observação do mundo moderno. Notei como as pessoas se movem pela vida como se seguissem um ritmo único – todos correm para o trabalho com rostos idênticos, experimentam emoções similares, seguem as mesmas tendências. Em certo momento, fiquei impressionado com o pensamento: e se todos nós nos tornamos parte de alguma grande linha de produção? Vivos, mas padronizados, como produtos sazonais em uma loja. Decidi criar uma música que talvez inspirasse as pessoas a encontrar seu próprio caminho, não se limitar e não ter medo de ser estranhas. Até mesmo o “justing” gramaticalmente incorreto no título é uma manifestação intencional contra as normas padrão.
Qual o tema da música, qual sua mensagem?
O tema central da música é a libertação das limitações internas e externas que nos impedem de seguir em frente. A base é a ideia de que cada pessoa tem o direito de escolher seu próprio caminho, mesmo que os outros digam “pare”. A composição se abre com a voz da clínica: “Our clinic will address the underlying defect, the way you were born” – este é o principal lançamento da atmosfera, mostrando o que podemos perder se permitirmos que amputem nosso Eu. A mensagem pode ser expressa simplesmente: “Eu simplesmente sigo em frente” – apesar de tudo. Não é uma rebelião agressiva, mas sim uma determinação interna de não permitir que medos e dúvidas me parem. A música termina com um aviso sinistro: “Please read carefully as this process is irreversible!” – este é o aviso final de que se você permitir que te transformem em alguém igual a todos, isso será irreversível. Te transformarão em uma cópia padrão com um rosto de borracha de um catálogo.
Dentro do universo do rock, o que propõe esta música?
Minhas músicas, em particular “I’M JUSTING GO AHEAD”, fazem parte do meu álbum conceitual de estreia “IDENTIFICATION”. É um mundo de rock teatral-circense com elementos de groove pesado, escuridão e atmosfera psicodélica cômica ao mesmo tempo. Especificamente nesta música, enfoquei movimentos quebrados da voz no pré-refrão, adicionando um tom de loucura com efeitos sonoros. Talvez tudo isso pareça um pesadelo – esse som cria uma atmosfera surrealista.
Qual a relação dessa música com o seu país, os EUA?
A cultura do meu país definitivamente influenciou minha criatividade. Aqui conheci o trabalho de artistas como Marilyn Manson e Korn, que mostraram como se pode ser corajoso na auto expressão e não ter medo de experimentar com o som. Isso me permitiu direcionar isso para desenvolver diferentes lados em mim e criar videoclipes com diferentes enredos e personagens em meu papel. Prefiro mudar de música para música, criando diferentes atmosferas.
Há algo de curioso que você queira destacar?
Cada música é visualizada pelos meus videoclipes musicais no meu canal do YouTube. No videoclipe desta música é retratada uma clínica-depósito de rostos, onde o protagonista vai ao cirurgião para discutir sua aparência. É notável que o cirurgião lhe dá um catálogo com diferentes emoções e rostos — ele escolhe um rosto de borracha chamado “I’M JUSTING GO AHEAD”. Depois disso acontece uma cena de horror com a operação. O personagem veste um terno branco e chapéu vermelho e começa a cantar. No refrão domina um movimento mecânico, como uma máquina imparável! É notável que o significado se torna complexo e ambíguo: por um lado, ele fez seu rosto como kitsch e passou a se destacar, mas por outro lado, pelo contrário, ele se tornou apenas um manequim e resultado de uma operação bem-sucedida da clínica-depósito de rostos.
Respostas de Loo NaaT
The Rock Orchestra – “Bring Me To Life (Evanescence Cover)” – (EUA)
Para começar, como a banda vê essa música do Evanescence?
É um grande pedaço da história do metal, uma das músicas mais importantes do início dos anos 2000, e certamente tem status lendário. Também achamos que ela se adapta muito bem ao mundo do som sinfônico, que estávamos realmente ansiosos para assumir como The Rock Orchestra.
Por que vocês decidiram gravá-la?
Decidimos gravá-la porque foi uma das músicas mais populares que tocamos em nosso show. E, claro, estamos trabalhando com Erin Fox – a vocalista do single – que simplesmente arrasa na música de uma forma realmente incrível.
O que torna sua versão especial ou particular?
Acho que o que torna nossa versão única é nosso som sinfônico no uso do coral para dar uma sensação grande e atemporal a uma faixa que já transcendeu muitas gerações e públicos.
Fale sobre o videoclipe.
No videoclipe, queríamos transmitir a emoção crua, e queríamos que ele atingisse com força, em termos de sentir a música, e a crueza da faixa original transparecesse de uma forma cinematográfica.
Há algo mais curioso e relevante que você gostaria de destacar?
Acho que algo interessante é que adicionamos o coral retrospectivamente para realmente tentar dar aquele toque atemporal, para torná-lo mais grandioso e clássico.
Respostas de Nathan Reed, diretor criativo da The Rock Orchestra
Cole Greenwalt – “Alcoholic” – (EUA)
Quem é Cole Greenwalt?
Sou um artista country/Americana independente, escrevendo músicas que misturam confissões cruas com melodias que ecoam o espírito do interior dos EUA. Minhas canções exploram temas como identidade, vício e redenção com honestidade brutal.
E em qual momento surgiu essa composição, o que a inspirou?
“Alcoholic” foi escrita depois de uma noite pesada em Midtown, Nashville. Estava enfrentando uma ressaca física e emocional, e a letra surgiu como uma reflexão sincera sobre como o álcool estava afetando minha vida. Foi um momento de clareza e confronto pessoal.
Qual o tema da música, qual sua mensagem?
A música é sobre o momento entre se perder e se salvar. Não glamoriza o vício — é sobre reconhecer que você está à beira de se tornar alguém que não quer ser. Um retrato honesto da luta interna e da tentativa de mudança.
Em termos de sonoridade, como você descreve essa música?
“Alcoholic” é uma mistura de country, rock e pop, com um toque de Americana. Tem uma base acústica intensa e emocional, com energia crua e refrões marcantes. Ideal para quem curte Zach Bryan, Bryan Martin ou Koe Wetzel.
Qual a relação dessa música com o seu país, os EUA?
“Alcoholic” é profundamente americana – nas raízes, no som e no tema. Fala das lutas pessoais que muitos enfrentam nos EUA, especialmente nas regiões do sul e interior. Representa a realidade de jovens tentando equilibrar tradição, trauma e transformação pessoal.
Respostas de Cole Greenwalt
Righteous Malfunction – “By Design, Doomed” – (Noruega)
Em que momento essa música surgiu e o que a inspirou?
Meu trabalho diário é trabalhar com projetos. A inspiração para a música surgiu quando eu era pressionado a assumir um projeto sem esperança de sucesso e com poucas chances de desistir.
Qual é o tema da música — que tipo de jornada o ouvinte experimentará?
o tema é desesperança, raiva e frustração, e espero que o ouvinte sinta que isso se aplica à sua situação atual, relacionada a gerenciamento de projetos ou não. sempre há “alguém” mandando você para projetos sem esperança e que não servem para nada.
Sonoramente falando, como você descreveria essa música? Ela pode ser comparada a outros artistas ou bandas?
“By Design, Doomed” mistura metalcore pesado em glitch com tensão cinematográfica. É construída sobre riffs de guitarra graves e pesados, bumbo duplo potente e vocais femininos que oscilam entre gritos viscerais e melodias emocionalmente tensas. Há uma forte corrente industrial subjacente, com texturas de glitch e pausas ambientais que dão à música um toque distópico. A estrutura é metalcore clássico, mas a estética é mais fria, mais cyberpunk — como um sistema travando em câmera lenta. Embora não tenhamos a intenção de soar como ninguém, ouvintes que apreciam um peso emocionalmente intenso e digitalmente corrompido provavelmente se sentirão em casa aqui.
Que conexão pode ser feita entre este lançamento e seu país, a Noruega?
Há uma precisão fria em “By Design, Doomed” que definitivamente ecoa de onde viemos. A Noruega é um lugar de beleza crua, mas também de isolamento — invernos escuros sem fim, sistemas que funcionam, mas às vezes drenam a alma. A música canaliza aquela frustração silenciosa de ouvir “você é a pessoa certa para o trabalho”, sabendo que o trabalho está fadado ao fracasso desde o início. É um colapso ordenado, que em muitos aspectos soa muito norueguês.
Por fim, há algo curioso ou interessante sobre este lançamento que você gostaria de destacar?
Não nos propusemos a escrever esta música — ela simplesmente apareceu, totalmente formada, como uma tarefa malfeita. O título veio primeiro, e todo o resto se desenrolou a partir daí. Ironicamente, o próprio processo de produção pareceu amaldiçoado às vezes: falhas estranhas na mixagem, sessões desaparecendo, até mesmo arquivos se renomeando. Adequado, para uma faixa sobre responsabilidades condenadas dentro de sistemas quebrados. É como se a música quisesse provar seu ponto antes mesmo de ser lançada.
Respostas de Righteous Malfunction
Dylan Fellows – “Don’t Let Me Leave Again” – (EUA)
Em qual momento surgiu essa composição, o que a inspirou?
Don’t Let Me Leave Again foi a última música escrita para a parte 1 de The End & In Between. O álbum é uma história e foi feito para ser ouvido cronologicamente. Mas, enquanto eu estava finalizando as masters do álbum, comecei a notar que a mudança de The End of Everything para Canto 31 & The Way is Through foi drástica demais e perdeu um elemento importante da história.
O que diz a letra e qual sua mensagem?
A faixa 2, The End of Everything, é sobre sua vida mudando drasticamente para melhor quando você encontra alguém com quem gostaria de passar o resto dos seus dias, enquanto The Way is Through é sobre depressão profunda, então eu precisava de uma música entre as duas que encapsulasse o sentimento de descrença quando seu mundo muda repentinamente para pior. Basicamente, eu precisava da música “do término” – eu só queria desesperadamente evitar que fosse cafona.
Em termos de sonoridade, como você descreve essa música?
Achei que era melhor ser honesto em termos de letra, então escrevi meus defeitos, que, para esta música, basicamente se resumem à obstinação (ocasional) e à certeza de que consigo ler as verdadeiras motivações das pessoas — a clássica combinação mortal.
Tente fazer uma ligação dessa música e da sua banda com o seu país, os EUA.
Sonoramente, eu queria que fosse sombrio, mas com fragilidade. Os versos são graves e fortes, para simbolizar a confiança do narrador. Mas, à medida que a música avança para o refrão e para o crescendo final, ela mostra mais fragilidade e sinais de dúvida. Para enfatizar essa mudança de atitude, as guitarras sobem mais no braço, e eu canto em falsete fraco, seguido de um grito desesperado no final.
Afinal, quem é o artista Dylan Fellows?
No final, descobri que a música era uma mistura bem clássica das minhas influências, o que eu gostei porque esta é sem dúvida a música mais pessoal do álbum. A linha de guitarra dos versos, na qual me baseei para a música, tem uma pegada bem Queens of the Stone Age. Por outro lado, muitos dos efeitos de guitarra definitivamente têm influência de Muse e Nine Inch Nails.
Respostas de Dylan Fellows
