Somos uma revista de arte nacional, sim! No entanto, em respeito à inúmeras e valiosas sugestões que recebemos de artistas de diversas partes do mundo, criamos uma playlist chamada “Além da BR”.
Como uma forma de estende-la, nasceu essa publicação no site, que agora chega a sua 17ª edição. Neste espaço, iremos abordar alguns dos lançamentos mais interessantes da playlist.
L O S T S L E E P – “You & Me” – (Ucrânia) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, se apresente! Olá, meu nome é Dan e essa é minha banda de um homem só — LOSTSLEEP !
– O que noz diz a letra de “You & Me”? A letra de ” You & Me ” é sobre lutar com a perda de alguém que você ama. Você finge que “está tudo bem”, mas parece que está correndo no círculo das emoções.
– Comente sobre a sonoridade e arranjos do single. Como fã de música pós-rock, decidi tentar algo melancólico e minimalista. Uma das minhas coisas favoritas em ” You & Me ” é o coro na segunda metade desta música – acho que faz a música soar mais arejada e emocional
Respostas Dan
Born Astray – “Dangerous” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiro, apresente-se! “Ei! Eu sou Jesse e toco guitarra no Born Astray . Somos uma banda de Nova Orleans, Louisiana.”
– O que você diz na letra de “Dangerous”? “Perigoso é ficar em um relacionamento além do que você precisa e decidir se o amor ainda está lá.”
– Faça um comentário sobre o som e os arranjos da música. “A música foi escrita para parecer uma vibe rock do início dos anos 2000. Nós só queríamos algo divertido com o qual as pessoas pudessem se identificar.”
– Existe alguma história interessante ou curiosidade sobre o lançamento? “Este é o primeiro single que estamos lançando do nosso álbum de estreia! Estamos muito animados para que o mundo o ouça.”
Respostas Born Astray
Billy Yost – “Someone Tape the Hockey Fights For Me” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que os versos de “Someone Tape the Hockey Fights For Me” nos dizem? Por favor, desculpe minha incapacidade de falar português, mas obrigado por ouvir minha música. Os versos da música são sobre alguém lidando com um rompimento e uma incapacidade de lidar com todos os sentimentos que eles têm. A pessoa na música está descendo lentamente para um lugar cada vez mais escuro, mas continua dizendo que tudo ficará bem se a pessoa que ela ama ficar por perto. Às vezes, você se encontra disposto a fazer qualquer coisa apenas para manter alguém em sua vida, mesmo sabendo que não pode seguir adiante.
– Sobre o som e os arranjos, o que você pode dizer? Estou acostumado a escrever músicas com minha banda completa The Kickback, então essa foi uma chance para eu colocar minhas habilidades limitadas de engenharia e produção em uso. Eu queria fazer um EP acústico despojado, mas essa música ainda tem 68 faixas. Mesmo tentando trabalhar como um performer acústico limitado, eu ainda consegui me tornar totalmente Maximalista. Eu estava pesquisando os sons dos discos que amo de artistas como Elliott Smith e Sparklehorse e espero ter conseguido capturar um pouco desse sentimento com este próximo EP. Adoro uma produção acústica lofi.
– Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre o lançamento? Eu originalmente escrevi essa música com Dan Andriano do Alkaline Trio em mente para cantá-la. Tanto a minha banda The Kickback quanto o Alkaline Trio chamam Chicago de lar, então pensei que poderia rastreá-lo para cantar isso, mas isso nunca aconteceu. Então decidi cantá-la eu mesmo. Obrigado novamente por ouvir.
Respostas Billy Yost
Nick Noon – “Costumes” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Quais são suas considerações sobre a musicalidade de “Costumes”? Eu sinto que musicalmente, ‘Costumes’ é único comparado ao que é popular na música hoje. Tem um som mais hino e exuberante do que, digamos, por exemplo, Taylor Swift. Há uma energia sutil na música que acho que se revela à medida que a música avança. Além disso, não é sobre um garoto terminar comigo, a menos que o ouvinte queira que seja sobre isso. Então suponho que sim.
– Comente o clipe. Afinal, como ele ajuda a entendermos melhor a música? Na minha opinião, o videoclipe de Costumes faz um bom trabalho encapsulando a música em uma forma visual. Espero que encoraje as pessoas a dançar e se vestir melhor… e tomar uma bebida em um palácio, se possível.
Respostas Nick Noon
Naya Rockers – “Naya Sound System” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– É possível ter uma definição geral do álbum ” Naya Sound System”? Todas as coisas ” Naya ” refletem de volta para mim, pois sua origem vem do meu sobrenome “SabaNAYAgam”. Então este álbum é um reflexo de mim mesmo dentro da cultura Sound System e Dub de Kingston JA.
– Você teria uma ou mais faixas para indicar, como forma de o público encontrar formas de conhecer o álbum? A faixa principal “Illusions” com Kiddus I é um ótimo exemplo de como esse álbum se formou. Gravado na varanda do lendário produtor/guitarrista Earl “Chinna” Smith. Há um momento na introdução em que você ouve um trovão e tudo aconteceu em tempo real enquanto Kiddus estava rastreando os vocais. Você pode ouvir Chinna gritar “Jah” ao fundo. Momentos místicos registrados no tempo. Também alguns momentos memoráveis acompanhando “Reggae Train” e “Can’t Fool We” com Johnny Clake e Mikey General. Houve alguns casos enquanto escrevia letras onde eu adicionei algumas referências a Boston, MA.
– O que este álbum diz sobre você? Este álbum representa o amor que tenho pela música no gênero Roots Reggae. Levou muito tempo e muitas lutas para lançar este disco para o mundo. Portanto, também fala de perseverança e fé. Então em 3 palavras Fé, Perseverança e Amor
Respostas Natan
Kenya Eugene – “Higher” – (Ilhas Virgens-Britânico) – [MINI ENTREVISTA]
– O que inspirou a composição de “quemayama”? A inspiração veio da composição original que é bastante forte. À medida que tocávamos e começamos a aprendê-lo, sentimos suas propriedades medicinais, para mim parecia um canto ou uma oração pela vida. Os momentos em que pode ser difícil e parece que não tem saída, temos que apenas dançar, esta vida esta hecha para bailar esta hecha para gozar.
– O que as letras nos dizem? Que existe amor na vida e esperança mesmo nos momentos mais sombrios, só temos que continuar com o fogo da vida que é Quemayama
– Quais são seus comentários sobre o som e os arranjos? Ao criar nossa versão desta música poderosa, queríamos manter a essência de patrício enquanto adicionamos o ¿Qiensave? Som de festa. Foi um equilíbrio que foi alcançado com a ajuda de todos os envolvidos, desde Patrício, o escritor original, até Greg Landau, o produtor, e o público por dar aquele selo de aprovação do barômetro. Nós apenas pegamos o que todos nos deram e refletimos isso em nosso jogo e criação.
– O que a música diz sobre seu novo EP? É o início do El after, ou o início da jornada para o el after, então lembre-se de ficar seguro e dançar livremente.
Respostas de Carlos L. Cortez
Vince Vanguard – “Let Me Go” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, se apresente! Eu sou um compositor que gosta de contar histórias sobre situações que já vivi. As músicas neste álbum são sobre uma página na minha vida em que não estou mais, uma página onde eu sofria com depressão e dependência química, agora que estou sóbrio, quero contar minha história por meio da minha música.
– Do que se trata a letra da música? “Let me Go” é sobre o fim de um relacionamento e ser assombrado pelos “e se” da vida. Me peguei muitas vezes pensando, “e se eu tivesse ficado, como teria sido?” “como eu poderia ter feito diferente?” e se aquela tivesse sido a decisão certa a se tomar. É sobre a dor de estar entre meu passado e um futuro desconhecido.
– Qual sua mensagem? Minha mensagem é para que as pessoas nunca se sintam presas, e se algum dia você se sentir assim, tenha paciência com o processo, você vai se reencontrar no momento certo.
– Qual sua consideração a respeito da sonoridade e arranjos do single? A música foi escrita para se encaixar numa versão voz e violão, porém eu precisava expressar meu sentimento de uma maneira mais intensa no estúdio enquanto gravava e o resultado foi uma música mais cinematográfica com um tom mais dramatúrgico.
Respostas Vince Vanguard
Mike Massey – “Count Dracula’s Guitar” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, se apresente! – Me apresentar. Sou advogado de negócios, compositor, pai de três filhos, aventureiro e esperei muito na minha vida para começar a escrever música, mas fiz isso de qualquer maneira e descobri que tenho muito o que falar na minha idade (58). eu toquei guitarra toda a minha vida, 17 anos em escolas e igrejas católicas, mas nunca tive confiança para cantar. Mas descobri que há um número impressionante de pessoas que gostam da minha voz e do meu estilo, nem todas é claro, mas um número chocante para mim. Acho que gosto musical é quase como uma impressão digital, não há duas pessoas que experimentam a música da mesma maneira. Em uma época em que tantas pessoas se sentem solitárias e isoladas, e sem amigos, faço o meu melhor para fornecer minhas visões de vida, otimismo, fé e crenças para talvez tocar alguém que esteja passando por um momento difícil. Eu também escrevo coisas para irritar minha esposa, Phyllis de vez em quando porque é divertido! Também conto aqui que apesar de todo dinheiro que gasto em estúdios e guitarras isso é mais barato que terapia. Ela não está convencida. Eu raramente toco, mas ironicamente a internet e a tecnologia me permitiram alcançar o mundo com minha música, o que é simplesmente incrível. Então aqui está o cara “velho” apenas começando.
– Do que se trata a letra da música? Qual sua mensagem? A letra dessa música começou como nada mais do que uma analogia para deixar suas guitarras fora dos estojos para que você toque. Eu vi o estojo preto da guitarra como uma comparação perfeita com a cripta do Drácula. Ninguém jamais considerou que Drácula pode ter sido um músico, talvez um guitarrista. A ideia de Drácula é vida para os sem vida, então talvez uma guitarra poderia ter uma alma no mundo de Drácula que só conseguisse sair e brincar à noite. Originalmente era apenas um poema, mas tive uma reação tão positiva que decidi transformá-lo em uma música. É mais uma história do que uma música estruturada. O que eu não percebi é que meus versos mergulharam na maneira como vivemos nossas vidas; nas sombras, nunca nos expondo (como eu, o músico relutante com medo de que todos não amem a mim ou à minha voz – bem, adivinhem, eles não vão e não amam, mas e daí?). Eu pensei que a música era digna de lançamento porque ela fala com a vida e nos elevando para “tocar” e nos apresentar e não sermos colocados prematuramente em nossos túmulos. Há também sensualidade em “mais uma vez minha porta é aberta, meus trastes despertados por dedos acariciando”. Drácula não é realmente sobre a morte, mas a vida e a recusa em desistir.
– Qual sua consideração a respeito da sonoridade e arranjos do single? Sobre o som e arranjo. Bem, é só eu e minha Gibson J-50 tocando. É simples e conectado para que o foco permaneça na poesia. Sempre brinquei com o som do acorde Lá menor descendo a nota do baixo. Claro, eu estou preso ao 3º traste, mas as combinações de Am, E7, F com as notas de baixo pareciam “escuras” o suficiente para merecer o mais famoso dos nomes de monstros. Alguém comentou que gostou da minha palhetada, mas achou que o baixista era um pouco “básico” e eu soube então que tinha feito algo meio especial porque sou o único tocando e enganei alguém pensando que eram dois músicos.
Respostas Mike
Lazz West – “Answers” – (Dinamarca) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você diz na letra de “Answers”? Eu canto sobre a natureza e pensamentos cotidianos e como se relacionar com essas questões.
– Comente sobre o som e os arranjos da música? Arranjo simples com violão e vocal. Tenha uma atmosfera de queima lenta contemplativa e gelada.
– Conte-nos um pouco sobre sua carreira. Afinal, quem é o artista Lazz West ? Lazz West é um cantor – compositor. da Dinamarca. Ele tocou música nas ruas e em bandas na Irlanda e na Alemanha. Answers é sua música de estreia sob Lazz West .
Respostas Lazz West
janïsa – “Dive In” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– Que mensagem você diz na letra de “Dive In”? A mensagem do Dive in é realmente render-se ao que você sempre quis. É uma música que me levou a realmente confiar em mim mesma e mergulhar fundo. Quaisquer riscos ou erros ao longo do caminho me levarão ao destino, mas primeiro preciso entrar na água fria.
– Como foi escrever “Dive In” com seus amigos Nick Ferraro e Waqaas? Escrever Dive In com meus amigos foi uma experiência curativa e reconfortante. Era o primeiro ano da pandemia e coletivamente não sabíamos o que estava por vir para nossa arte ou o que estava acontecendo com nosso mundo, mas nos reunirmos nos trouxe alegria. Estávamos perto o suficiente para falar sobre nossas vulnerabilidades e encontrar segurança conosco… foi um ótimo ambiente para essa música nascer.
– Como surgiu essa música? Convidei meu amigo Nick para uma sessão de estúdio que havia marcado com o produtor Waqaas. Eu amo sua musicalidade e ideias e achei que seria ótimo colaborar em algo. Nick apareceu e começou a tocar alguns acordes na guitarra e assobiar uma melodia, todos nós estávamos sentindo isso e então a sala trava e as sessões de composição aconteceram na minha casa com Nick e minha amiga Adria Kain, que é outra artista talentosa de Toronto.
– O que esse single diz sobre você? A propósito, quem é Janisa? Este single pode dizer que eu tenho problemas de confiança haha, é um recorde pessoal, mas também diz “Estou ficando aberto, mesmo que esteja instável, mesmo que esteja fazendo tudo sozinho”
Jan ï sa é uma planta forte, enraizada, enraizada, mas também frágil e em constante crescimento. Eu sou um artista me experimentando em uma infinidade de expressões diferentes e sou grato por ser um artista.
Respostas ADAM BENTLEY
Tsunamiz – “Wonderful Day” – (Portugal) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, se apresentem! – Olá, o meu nome é Bruno Sobral e Tsunamiz é o meu nome artístico. Sou vocalista, guitarrista, compositor e produtor das minhas músicas.
– O que “Tsunamiz” diz? Qual sua mensagem? – Tsunamiz encarna diferentes personagens de todas as esferas da vida e da sociedade, diferentes sentimentos e emoções, algumas contraditórias mas sempre verdadeiras e de acordo com o que sinto no momento. Tento dizer e cantar aquilo que no fundo todos sentem e pensam, até mesmo quando é nonsense… A mensagem sónica no geral é uma de união das tribos musicais, mistura e exploração, em suma, liberdade musical. Liricamente, há mensagens específicas outras mais ambíguas, mas é sobretudo sobre a condição humana e também sobre liberdade, tanto de pensamento como de expressão.
– Em relação aos arranjos e sonoridade, quais são suas considerações? Oiço todo o tipo de música, desde clássica, rock psicodélico, punk, música electrónica e hip-hop. Componho com guitarra e voz, mas também no programa de produção escolhendo as batidas e sintetizadores que completam o arranjo. As possibilidades são infinitas e gosto de misturar gêneros mas também de fazê-los em estado puro: tudo é possível para mim a nível de composição e produção.
Respontas Bruno Sobral/Tsunamiz
Mort City – “Lady” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– De que assunto tratam as letras de “Lady”? “Lady é uma música sexy fixada no poder da sedução. É uma noite úmida de verão e há uma festa no porão lá embaixo. A banda de Fela Kuti está tocando, todo mundo está dançando e despido de camisetas e jeans. Então, o contato visual é feito com uma linda Nenhuma palavra é dita, mas de alguma forma um vínculo é criado por energia, vibração e movimento. Ah sim, acho que todos nós já estivemos lá.” – Eugene, Vocais/Letras
– Você diz que “Lady” é uma mistura de afro beats e punk rock. Fale sobre isso. “A música foi construída usando o afro beats saltitante do baterista Tony Allen de Fela Kuti como base rítmica. Embora não seja à vista de todos, já há uma essência punk rock em sua bateria. É rápido, energizante e faz você querer se mover, o que inspirou O gancho vocal de Eugene “Eu quero ver você dançar”. Começou como um experimento, mas depois de chutar os pedais de distorção para os acordes de guitarra do Black Flag, descobrimos que Afro beat e Punk Rock eram um par perfeito para essa música.” – Josh, guitarrista/produtor
– O que este lançamento diz sobre sua carreira? “Lady é a faixa 11 do nosso álbum de estreia On The Scene, que foi lançado em 7 de outubro de 2022. Nosso objetivo criativo desde o início foi encontrar e desenvolver um som único que encapsule tudo o que gostamos na música. e emoção intensa. Estamos orgulhosos de dizer que Lady é um grande passo na direção certa para alcançar esse objetivo.” -Josh, guitarrista/produtor
Respostas Eugene/Josh
J Candeed – “Better Days” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, se apresentem! Meu nome é J Candeed e queria agradecer por aceitar minha faixa “Better Days”. Eu sou um músico solo que grava todas as partes do álbum, exceto o baixo. Eu toco uma mandolino e um tambor de mala quando toco ao vivo e gosto de escrever músicas com significados profundos. Normalmente eu me concentro em uma ideia em particular e tento transmitir essa ideia através da narrativa e crio a música para acentuar a ideia.
– O que há nos versos? Qual sua mensagem? Minha mensagem é de otimismo. Gosto de escrever sobre situações difíceis, mantendo um estado de espírito otimista.
– Adorei a simplicidade da sonoridade do single. O que você tem a dizer sobre essa questão? Eu gosto de tocar músicas animadas que espero incutir uma vibração positiva no ouvinte.
Respostas J Candeed
Tsunamiz – “Wonderful Day” – (Portugal) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, se apresentem! Olá, o meu nome é Bruno Sobral e Tsunamiz é o meu nome artístico. Sou vocalista, guitarrista, compositor e produtor das minhas músicas.
– O que “Tsunamiz” diz? Qual sua mensagem? Tsunamiz encarna diferentes personagens de todas as esferas da vida e da sociedade, diferentes sentimentos e emoções, algumas contraditórias, mas sempre verdadeiras e de acordo com o que sinto no momento. Tento dizer e cantar aquilo que no fundo todos sentem e pensam, até mesmo quando é nonsense… A mensagem sónica no geral é uma de união das tribos musicais, mistura e exploração, em suma, liberdade musical. Liricamente, há mensagens específicas outras mais ambíguas, mas é sobretudo sobre a condição humana e também sobre liberdade, tanto de pensamento como de expressão.
– Em relação aos arranjos e sonoridade, quais são suas considerações? Ouço todo o tipo de música, desde clássica, rock psicodélico, punk, música electrónica e hip-hop. Componho com guitarra e voz, mas também no programa de produção escolhendo as batidas e sintetizadores que completam o arranjo. As possibilidades são infinitas e gosto de misturar gêneros, mas também de fazê-los em estado puro: tudo é possível para mim a nível de composição e produção.
Respostas Tsunamiz
triton. – “bougainvillea” – (Antarctica) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, se apresente! Eu sou tritão. Eu sou do Havaí. Eu moro na Califórnia, perto da praia, e adoro o oceano. Eu crio meu som com as influências dos diferentes lugares que vivi. Minha música é introspectiva e ponderosa.
– O que “_bougainvillea.” diz? Qual sua mensagem? Eu acho que o significado da música é sobre autodescoberta e exploração. É uma reflexão sobre um momento da minha vida em que eu estava encontrando meu caminho e minha voz, aprendendo quem eu era. Através dos meus erros, teimosia e perda de ingenuidade, um amadurecimento. Eu morava em Oakland, quando jovem, uma cidade nova, não conhecia ninguém e estava encontrando meu caminho.
– Em relação aos arranjos e sonoridade, quais são suas considerações? Escrevi essa música em 2020, isoladamente. Eu queria capturar a sensação de solidão e saudade na produção. Usei a fidelidade como um receptáculo para a distância. Incorporei sons do Havaí com o ukulele e lap steel slide guitar, com souds da Califórnia, a percussão lofi profunda, a guitarra elétrica com tremolo e whammy. O sintetizador como uma textura do oceano profundo zumbindo ao fundo.
Respostas triton
Darien Martus – “Hold Me Tonight Live at Sunset Sound” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual é a mensagem do Hold Me Tonight? Acho que essa música está dizendo que a vida é difícil e que as realidades da vida não são fáceis. Também está falando sobre como o amor nem sempre é fácil. A música não esconde essas mensagens, mas as declara de forma clara e honesta. E então, no refrão, a letra sugere abraçar um ao outro, deixar entrar um no outro, como a única maneira de lidar com os desafios da vida; “Somente o amor, nossa única esperança. Nosso único conto de fadas.”
– O que essa versão intimista trouxe para a música? Eu sempre escrevo apenas com piano e vocal ou apenas guitarra e vocal. Esse é sempre o meu processo. Eu nunca começo com qualquer outro arranjo. Eu quero que o arranjo mais simples funcione sozinho com cada música que eu escrevo. Então, eu decido mais tarde como deve ser a produção completa. Eu lancei Hold Me Tonight pela primeira vez como uma espécie de mistura de uma balada no verso de abertura que constrói um ritmo de dança pop uptempo no último refrão. Resolvi lançar essa nova versão porque acho que a música pode funcionar apenas com piano e também porque tive a oportunidade de gravar no Sunset Sound em Hollywood, um estúdio lendário que tem uma história incrível. Este mesmo piano foi tocado por nomes como John Lennon e Prince, e uma longa lista de grandes artistas fez música nesta sala. Eu amo que essa música seja agora uma pequena parte desse legado.
– O que essa música representa na sua carreira? Bem, eu acho que isso ainda está para ser visto, certo? Sério, acho que gosto da ideia de poder escrever uma música e simplesmente sentar ao piano e tocar, cantar, sem outros instrumentos ou músicos ou software ou sintetizadores ou qualquer outra coisa! Eu quero que meus ouvintes me vejam de perto e de verdade e então talvez a música fale de uma forma mais clara e potente.
Muito obrigado e abraços de Idyllwild, Califórnia, EUA. Darien Martus Artista na Do It Records/Sony Voting Membro The Recording Academy Grammy Awards) ASCAP
Respostas Darien Martus
Masala Central – “Why have a King at all?” – (Índia) – [MINI ENTREVISTA]
– O que as letras dizem, em suas próprias palavras? Por que ter um rei afinal? É sobre um jovem príncipe que tem que assumir o trono muito cedo em sua vida. A letra é um relato em primeira mão de um jovem príncipe que tem que se tornar um rei abruptamente, mas não está pronto para isso, mas tem que aceitá-lo. Este príncipe ainda não viveu sua infância e não está pronto para as responsabilidades adultas. Cada verso na letra descreve o que ele encontra em cada estágio ao aceitar essas responsabilidades, e como ele percebe que o mundo é muito diferente do que ele imaginava.
– Qual é a história? Essa música pode parecer incomum, mas é uma história muito comum. Esta história pode ser lida, ouvida e vista em algum lugar em algum momento de nossas vidas. Esta história é sobre crianças que precisam herdar um legado, poder, riqueza, império, etc., mas não desejam isso porque ainda são crianças. Esta história é sobre crianças que têm que desistir de sua inocência e infância mais cedo do que o esperado, para se tornarem guardiões de um destino que foi escolhido para eles por outras pessoas. Essas crianças estão divididas entre a riqueza e a simplicidade. Para piorar as coisas, essas crianças estão cercadas por impostores e inimigos. Uma criança feliz e despreocupada agora tem que se tornar uma pessoa calculada que dá cada passo de sua vida com cautela e desconfiança. A história da produção dessa música também é incrível. Eu criei uma estrutura básica da música com Royalty Free Loops of Acoustic Guitars and Drums, e as letras. Eu os postei em https://www.kompoz.com/ e obtive uma resposta de JeanL Toudou através de suas habilidades suaves no baixo. Aproximei-me de ‘Ludvik’ Rainer Michael Ludwig e pedi que ele contribuísse com seus vocais, e ele o fez da maneira mais profissional. Ele tem uma voz incrível e possui muito talento e versatilidade. Isto foi seguido por Vijay Puri, que mostrou suas incríveis habilidades na guitarra solo e deu à música o impulso necessário com seus solos de guitarra. Por último, mas não menos importante, ValShal adicionou teclados a esta faixa e suas habilidades de engenharia tornaram esta música mais rica e profunda.
– Como surgiu a ideia de escrever esta carta inusitada? Vimos capítulos em histórias de vários países e culturas (e ainda vemos isso hoje). Há mentes jovens que querem caminhar em uma determinada direção, mas não conseguem. Essas mentes jovens têm aspirações próprias, que podem não acumular riqueza e poder, mas ainda podem trazer felicidade. Mas todas essas aspirações são abandonadas por prazeres materialistas. Essas histórias atravessam todas as culturas e divisões – os filhos e filhas de reis, rainhas, políticos, magnatas dos negócios, estrelas de cinema, etc. Os adultos fazem planos para essas crianças, mas ninguém quer saber o que as crianças querem. Depois, há cenários em que há crianças que herdam o poder muito cedo, mas são controladas pelas pessoas ao seu redor. Essas crianças estão cercadas por pessoas que fingem ser benfeitoras, mas na realidade são parasitas. Crescem sem saber em quem confiar, com quem ser amigo, com quem confiar. Essas crianças crescem em um ambiente de insegurança e ameaça, mas ainda precisam manter um rosto calmo. Pude encontrar semelhanças nas histórias de tantos na história e tantos no presente também, o que me deu a ideia de escrever suas histórias como a história deste jovem príncipe.
Respostas de Jayesh Raikar/ Masala Central .
Dale Edward Chung – “Ain’t Nobody” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Comente o single de forma geral: letra, mensagem e origem – Meu single “Ain’t Nobody” é uma canção de afirmação positiva para inspirar as pessoas. O refrão “Ain’t Nobody go stop us now, Ain’t Nobody, Nobody baby…” é a afirmação de afirmação e inspiração. A música é sobre alguém que sente uma nova autoconfiança e é inspirado a ir atrás de seus sonhos. Eu realmente queria escrever uma música de dança positiva e divertida. É semiautobiográfico em que estou vivendo e perseguindo meus sonhos. Quando digo “há algo no ar esta noite, posso sentir isso em minha alma”, estou dizendo que minha autoconfiança e intuição estão me dizendo “eu posso fazer isso!” Toda a minha vida, tentei ouvir minha intuição. Acredito que, se todos prestássemos atenção à nossa voz e sentimentos internos, viveríamos uma vida com mais propósito e paz.
– Musicalmente, o que é “Ain’t Nobody”? Musicalmente, “Ain’t Nobody” é uma música retrô do Funk Disco. Minha esperança é que as pessoas ouçam com prazer e tirem um sorriso. Eu queria que a música fosse um hino de positividade e encorajamento. Não é muito mais complicado do que isso. Diversão.
– O que o som e os arranjos representam? O som e os arranjos representam a música que eu ouvia quando criança em Oakland, Califórnia. Música real com músicos e cantores reais. Eu realmente amo as cordas reais da música Disco e Funk dos anos 70 e é isso que eu queria trazer para essa música. Eu também queria que a música construísse um grande arranjo vocal do refrão final, onde há mais de 20 faixas de vocais cantando com a vocalista do Soul Diva e a brasileira Karine Da Silva cantando os vocais ad libs sobre o grande refrão.
– Deixo este espaço para vocês apresentarem a banda Muito obrigado! Estou feliz em apresentar os músicos incríveis que trabalharam nessa música comigo. Como mencionei antes, Karine Da Silva é a vocalista em destaque junto comigo. Ela é originalmente do Brasil e agora mora em Los Angeles. Ela também está trabalhando em seu primeiro disco solo. Rocio Marron toca violinos e violas e escreveu o arranjo de cordas. Ela também trabalha com o grupo vencedor de 2X Grammy, Mariachi Divas, e é uma violinista de primeira chamada para televisão e cinema. Ela foi a solista da música tema do filme da Disney “Coco”. Katja Rieckermann toca saxofones alto, tenor e barítono. Ela trabalhou com Rod Stewart por muitos anos e tocou com Lady Gaga e Nile Rogers no Grammy Awards há alguns anos. Ela também é uma artista solo e eu sou o percussionista da banda dela. No baixo está Ted “Blyss” Gould. Ele também toca com o Rock and Roll Hall of Famer, Ziggy Modeliste do The Meters. Jordan Hemphill é guitarrista e graduado pelo Musician’s Institute em Los Angeles. E, finalmente, Randy Cooke, o baterista. Como todos os músicos com quem trabalhei, ele é muito talentoso. Ele tocou com Ringo Starr, Dave Stewart do Eurythmics, Colbie Caillat, Smash Mouth só para citar alguns. Estou cantando todos os vocais (exceto a parte de Karine) e tocando todos os teclados e percussão. Eu sou muito grato por trabalhar com cada um desses músicos e ainda mais grato por chamá-los de amigos.
Respostas de Dale Edward Chung
Weston T. Hine – “Down The Line” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que esta música diz? Qual sua mensagem? Eu acho que muitos artistas preferem contornar os significados da música para não atrapalhar a experiência do ouvinte com a música ou causar limitações no que eles acham que a música significa. Por outro lado, acho que também é importante que os compositores tenham uma definição de sua própria música para que possam ter uma ligação direta com ela. Para mim, “Down The Line” é sobre a vida e como é vivê-la. O versículo 1 aborda ser jovem e despreocupado, possivelmente despreocupado a ponto de ter problemas, daí a linha “vermelho e azul…” que está abordando nossos desentendimentos com autoridade como jovens. O versículo 2 aborda Deus e espiritualidade e o sentimento de que nunca somamos, então fugimos de Deus quando ele provavelmente está apenas tentando nos amar. O versículo 3 é sobre se apaixonar. Minha linha favorita da música é ”
– Em qual contexto surgiu o single? Se eu tivesse que escolher uma mensagem singular para a música ‘Down The Line’ seria tentar viver a vida ao máximo. Não se julgue muito duramente e fique preso no passado ou no futuro para perder a chance de dançar com a vida. Ser humano é uma experiência única e bela. Um que deve ser apreciado e apreciado. Erros virão regularmente, mas todo dia é uma chance de aprender com eles e continuar vivendo e encontrar a beleza.
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? “Down The Line” surgiu de uma forma única. É a primeira música que escrevi, gravei, mixei e masterizei inteiramente por conta própria. É uma música simples e parecia certo tentar todo o processo sozinho uma vez. Eu normalmente contrataria vários outros criativos para se envolver. Eu rastreei e escrevi a música inteira no meu estúdio caseiro. As letras eram únicas porque vinham primeiro. Eu quase sempre escrevo em um instrumento e adiciono letras depois, mas isso foi o oposto e acho que deu à música uma letra com estilo de história de Bob Dylan.
Respostas Weston
Richie Flo – “Another Day” – (Canadá)
O novo single do canadense Richie Flo, parte importante do EP que está por vir, é em parceria com o saxofonista e produtor jamaicano Dean Fraser. “Another Day” é um gole de motivação e de não-desistência, para todos os casos. Segundo o comunicado de imprensa, “a música tem como objetivo lembrar aos ouvintes que uma vez que há vida, há esperança.” Já o refrão diz que “É outro dia, a luta é real”.
“Another Day” é uma canção poderosa que agora entra para a discografia oficial de Richie, artista que estreou em 2012 com um single e em 2019 entregou seu álbum de estreia, “Life, Love & Music”. Confira!
Tino Ojeda – “YHWH, Mi Señor” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual foi o momento em que você sentiu a necessidade de compor essa música? Eu tive muitos problemas em minha vida e me deparei com o Salmo 16. No versículo 2, o rei Davi faz a declaração surpreendente de que enquanto tivermos Deus (YHWH – o nome pessoal de Deus), não precisamos de mais nada. Fui imediatamente preenchido com a paz de Deus e sabia que tinha que escrever uma música para transmitir às massas que Deus está pronto para lhe dar toda a paz que você precisa quando você alinha suas expectativas e desejos com Ele e mais ninguém. Eu também tenho um desejo de longa data de destacar a Trindade em todas as minhas músicas. É um medo de longa data que uma de minhas canções de adoração seja usada em um culto que afasta as pessoas do Evangelho puro e não adulterado de Jesus Cristo.
– Que parte da Bíblia você descobre em “YHWH, MI Señor”? No Salmo 16:2, descobrimos o refrão da nossa canção YHWH Mi Senor. Nada que eu possa alcançar ou obter excede o valor de ter um relacionamento amoroso e pessoal com Deus. Ainda mais íntimo é o uso de Seu nome pessoal, YHWH. O Rei do Universo compartilhou Seu nome pessoal com aqueles que O amam e seguem. É uma honra estar em Sua presença e cantar Seus atos gloriosos. Os versos da canção são encontrados em toda a Escritura. Os atributos do Pai, Filho e Espírito Santo estão documentados no Novo Testamento. Finalmente, a ponte é uma súplica a Deus para transformar meu coração! Somente Deus pode transformar um homem quebrado, pecador e sem esperança em um filho produtivo, cheio de amor e gratidão a Deus e seu próximo.
– E como você fez isso? – Existem histórias ou curiosidades interessantes sobre o lançamento? A música foi gravada no verão antes da covid. Eu esperava lançá-lo há dois anos, mas a espera valeu a pena. Deus revelou a importância dessa música quando eu adoeci mortalmente de Covid em novembro de 2021. No meu estado de quase morte (quase morri de covid) Deus me revelou que ainda tinha uso para mim na Terra. Acredito que usar é compartilhar minha música com o mundo.
Resposta Tino Ojeda
Slo Five – “Hummin” – (Alemanha) – [MINI ENTREVISTA]
– O que simboliza esta música? Ela tem alguma mensagem? A música carrega a boa vibração das músicas exclusivas de soul e jazz dos anos 70. A música com alma desses dias tinha um forte espírito positivo e voltado para o futuro. Isso é o que eu realmente amo sobre isso e é isso que eu queria manter vivo com esta faixa (A música carrega a boa vibração das músicas únicas de soul e jazz dos anos 70. A música com alma desses dias tinha um forte espírito positivo e voltado para o futuro. É isso que eu realmente amo nela e é isso que eu queria manter vivo com esta faixa.)
– Comente a sonoridade e arranjos. A faixa traz de volta o som vintage vibrante e pulsante das minhas músicas favoritas de soul-jazz dos anos 60/70. É uma batida muito dinâmica com instrumentos legais como flauta de jazz, piano, baixo e bateria (A faixa traz de volta o som vintage vibrante e pulsante das minhas músicas favoritas de soul-jazz dos anos 60/70. É uma batida muito dinâmica com instrumentos legais como flauta de jazz, piano, baixo e bateria)
– Há alguma história ou curiosidade relevante sobre o lançamento? A ideia da música veio a mim enquanto ouvia uma das minhas músicas de soul-jazz favoritas de James Brown… ser feito novamente. Mas então tive a ideia de colocar uma amostra disso em um novo contexto, minha interpretação pessoal daquela vibração específica de soul-jazz daquela época. E então eu fiz a música 🙂 – (A ideia da música veio a mim enquanto ouvia uma das minhas músicas de soul-jazz favoritas de todos os tempos de James Brown… nunca será feito de novo. Mas então eu tive a ideia de colocar uma amostra disso em um novo contexto, minha interpretação pessoal daquela vibração específica de soul-jazz daquela época. E então eu fiz a música :))
Respostas Phil
Intrepid Bloom – “Black Cats” – (Espanha) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu “Black Cats”? Meu bairro tem gatos de rua e às vezes você os vê. Um atravessou a rua na minha frente e eu disse para mim mesmo “gatos pretos cruzam meu caminho”. Parecia uma ideia legal para escrever, então eu escrevi um riff de guitarra que me lembrou de gatos uivando. Intrepid Bloom – A música Black Cats veio quando eu andava ao redor do pôr do sol, é meio escuro, mas não completamente.
– O que você diz nas letras? Existe uma mensagem? Às vezes parece que tudo acontece ao mesmo tempo. Ou você tem pessoas que lançam dúvidas sobre você e sua vida. A música é sobre não deixar nada disso te incomodar e continuar. Intrepid Bloom – A letra é sobre isso na vida, tem hora que tem coisas ruins que acontecem.
– O que o single diz sobre sua carreira musical? Eu tenho muito mais criatividade dentro de mim, e mais música por vir. Intrepid Bloom – Eu gosto de escrever diferentes estilos de hard rock e tentar coisas diferentes.
Respostas Flor intérprete
Chancy Squire – “I´m Going Home” – (Alemanha) – [MINI ENTREVISTA]
– O que há nesta música? Qual é a sua mensagem? Às vezes a vida pode ser bastante cansativa. Você está procurando o caminho certo e constantemente encontra novas bifurcações na estrada e encruzilhadas. Muitas vezes você dúvida se tomou o caminho certo ou se perdeu o caminho certo. Nesses momentos é bom fazer uma pausa e respirar fundo. Às vezes é a decisão certa ir para casa – para a família e amigos – para recarregar as baterias. E então, fortalecidos, partir novamente na busca do caminho certo. “Vou para casa” é a busca da pedra filosofal, porque a vida é uma jornada em busca de harmonia, sabedoria, amor e, finalmente, de si mesmo. Algumas pessoas viajam meio mundo, outras ficam perto de suas raízes. Muitos se perdem no caminho, atormentados pela dúvida, se perguntam: o que é certo, o que é errado? Ainda estou andando ereto, ainda posso me olhar no espelho? Ou deixei-me dobrar e vendi minha alma? A viagem é cansativa e consome muita energia. Mas depois de muitos desvios, chega um momento em que você percebe que precisa descansar e tirar um tempo para curar as feridas que sofreu… E onde melhor fazer isso do que onde você chegou: com você mesmo! Onde você está em casa.
– De que contexto o single vem? O single “I´m Going Home” é retirado do primeiro álbum da nossa banda “For A Better World”, que foi lançado em 2018! Muitos fãs gostaram muito dessa música e nos pediram para lançá-la como single. Finalmente, decidimos fazê-lo, e aqui está!
Eu escrevi essa música em um estágio da minha vida em que eu estava me fazendo muitas perguntas. Eu tinha 20 e poucos anos e não tinha ideia de onde a jornada estava indo. Faltava-me uma direção, tinha dúvidas. O que fazer se minha música não deu certo? Tudo o que eu sabia era que eu realmente queria um emprego que eu gostasse. E então parti em busca da pedra filosofal…
– O que “I’m Going Home” diz sobre sua carreira? “I’m Going Home” foi uma espécie de divisor de águas na minha carreira como cantor/compositor. Daquele momento em diante, minhas letras se tornaram mais profundas. Eu queria dar às pessoas uma mensagem ao longo do caminho. Faça as pessoas não acreditarem em tudo, mas questionarem as coisas. E, no entanto, a esperança de melhoria está acima de tudo. Ele carrega minhas letras, junto com melodias cativantes que as pessoas podem cantarolar rapidamente, melodias que trazem alegria às pessoas.
Respostas Klaus (cantor/compositor da banda)
Monty Cash x Solange Niessen – “A Guided Dream” – (Austrália) – [MINI ENTREVISTA]
– O que é ‘A Guided Dream’? A Guided Dream’ foi tocada ao vivo em estúdios de ioga com pessoas deitadas e indo em uma jornada para dentro de si. A história em que se baseia está sendo desenvolvida em uma peça de teatro na Holanda. Depois de uma inspiração, Solange Niessen de Weert na Holanda decidiu que era uma ótima ideia contar a história com ‘você’ como protagonista para permitir que o ouvinte sinta que está na jornada.
– Qual é o significado da poesia? A versão original desta história/poema chama-se ‘Open the Door’. Trata-se de uma pessoa que vasculha o mundo e nele encontra pouca substância, mas por acaso encontra um caminho que não é usual. Este caminho é o caminho de enfrentar o desconhecido. Essa pessoa então passa a alcançar seu potencial ilimitado. Achamos importante abordar esta ‘noite escura da alma’ pela qual todos temos passado coletivamente – na medida em que a saída deste lugar solitário e singular é enfrentar o que mais tememos e dizer – basta!
– Existe alguma história interessante sobre como surgiu a poesia? Esta história foi escrita pela primeira vez como um acompanhamento de uma partitura. A intenção colocada na história quando foi escrita foi – ‘o que é mais necessário para a humanidade progredir neste momento.’ Parece arrogante escrever para tal propósito, mas mesmo assim foi escrito com um coração puro e honesto. A história lentamente se tornou muito mais importante do que a música e diferentes colaborações baseadas na história se formaram, reunindo uma comunidade de artistas ao redor do mundo. A partitura musical é uma partitura original de world music que é resultado das experiências musicais de um artista de rua viajando pela Turquia, Grécia e Macedônia. Ele contém muitos elementos tradicionais dos Balcãs, incluindo um foco na forma tradicional e sons acústicos.
Dreams to Reality Productions é um novo grupo de produção que nasceu desta história. Procuramos desafiar as normas de expressão e criatividade que foram distorcidas pela indústria e mais uma vez permitir uma plataforma livre de expressão usando a história como a chave – reacendendo nossa capacidade de fazer mágica! Junte-se a nós em nossa jornada: https://dreamstoreality.vision
Respostas Monty Cash de Margaret River
Nicola Lonato – “Lindo” – (Itália) – [MINI ENTREVISTA]
– Primeiramente, se apresentem! Obrigado pelo espaço que você me concede, meu nome é Nicola Lonato sou um músico italiano e empreendedor digital, sempre escrevi músicas e toquei no meu país, lancei vários discos ao longo dos anos, embora ache que meu último trabalho “Il fuoco è ancora” do qual o single “Lindo” é tirado, é o melhor no geral.
– O que há nos versos? Qual sua mensagem? Se devo dizer a verdade, não me pergunto o problema de enviar uma mensagem, não no sentido comumente entendido. Nas minhas canções (boas ou más) está a minha vida, de alguma forma são como um diário que relata o que descobri na minha busca diária da verdade. Não me considero um “cantor comprometido”, mas tento ser um homem vivo que quer conhecer pessoas vivas, como diz um poeta francês “pessoas vivas se encontram”. Na música “Lindo” falo de um grande músico e poeta italiano (Giovanni Lindo Ferretti) que vem de uma experiência musical muito diferente da minha, ele é um punk italiano, mas é um homem livre que me fascina.
– Em relação aos arranjos e sonoridade, quais são suas considerações? Essa música e o álbum inteiro foram tocados inteiramente por mim e meu irmão Benedetto. Esta foi uma experiência nova para nós que estamos acostumados a tocar com outras pessoas, geralmente ao vivo, mas é uma experiência que nos permitiu criar arranjos e sons diferentes do nosso jeito habitual de tocar e trabalhar mais nos detalhes, que normalmente por razões de tempo que nunca fomos capazes de fazer. Temos guitarras elétricas e acústicas, clássicos, contrabaixos e outros instrumentos e tudo serve (pelo menos como uma tentativa) para dar sentido à música que estamos tocando.
Respostas Nicola Lonato
Jennifer Jess – “Blue” Acoustic Version – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Em termos poéticos, o que representa “Azul”? O significado do Azul é definitivamente metafórico. A música fala sobre o fim de um relacionamento e estou cantando sobre como meu mundo costumava parecer mais brilhante e colorido quando o relacionamento estava indo bem. Quando estava acabando, tudo faltou felicidade, então é como ver o mundo através de um filtro “azul”, mas também se sentir “azul”.
– Por que vocês decidiram gravar “Blue” em versão acústica? A versão original de “blue” agora tem mais de 700.000 streams no Spotify. Eu prometi aos meus fãs que quando atingíssemos meio milhão de streams eu faria uma versão acústica. Eu lancei a versão original pela primeira vez em 2019, então fiquei empolgado por poder fazer uma versão mais íntima e emocional.
– Existe uma história por trás de “Blue”? Estava passando por um término muito difícil na época e estava relembrando o passado e todos os bons momentos. Foi isso que inspirou a escrita desta música.
Resposta Jennifer Jess
Jon Campbell – “Fool’s Gold” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Em geral, o que você traz nessa música? Qual é a sua mensagem? Fool’s Gold é sobre dualidades e interdependência, e conta uma história como a de Sísifo, exceto que em vez de uma pedra caindo de volta colina abaixo, os dois personagens estão fadados a nunca ver olho no olho, porque ver um ao outro verdadeira e independentemente um do outro significaria negar sua própria existência, como dois átomos que deixam de existir se seus núcleos se fundem. Eles só podem se ver dentro do contexto de sua interdependência.
– Por que o nome é “Ouro de tolo”? Da mesma forma que outras dualidades se definem pela oposição entre si: masculino/feminino, dia/noite, ter/não ter, etc, pensei no oposto do ouro como sendo “não ouro”, e a ideia do palhaço triste e tolo decorado com pirita se encaixa bem nessa metáfora.
– Qual é a conexão entre o clipe e a música? Comente sobre o som/arranjos. Tanto o vídeo quanto os arranjos da música são extensões das ideias contidas na letra. A música e o vídeo cresceram juntos na minha mente, então eles estão emaranhados de certa forma. A música começou com um sonho, onde eu estava na inauguração de uma galeria de um artista solo, uma japonesa com longos cabelos negros e um vestido branco. Ela dançou no meio da galeria enquanto os muitos convidados se alinhavam nas paredes, de frente para ela enquanto ela se apresentava. Enquanto ela girava em círculos, movendo-se cada vez mais rápido até que ela era quase um borrão, a fita cassete de áudio começou a irradiar de seu plexo solar com força centrífuga, até que a fita encheu e apagou o espaço da galeria, paredes e tudo – tornou-se uma enorme praça da cidade, mas com essa mesma energia centrífuga. O tráfego ficou cada vez mais denso e pesado, carros, caminhões e pessoas começaram a se apertar tanto que começamos a nos fundir, como reações nucleares. Algo parecido com a música que você ouve na coda da música estava tocando e aumentando à medida que isso se desenrolava. Acordei e gravei um memorando de voz da música que ainda estava tocando na minha cabeça, e essa semente se tornou uma das duas sementes que eventualmente cresceram juntas e se tornaram Fool’s Gold.
Resposta Jon Campbell
Jesus Quintana – “Te desafío bajo el sol” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– O que diz esta canção? Quando eu estava em Madrid, havia um tipo que continuava a tentar sabotar o meu negócio, mas ele sempre conseguiu não se cruzar no meu caminho. Foi um Verão quente, o tipo ficou em casa com o seu ar condicionado ligado. Uma noite passei por sua casa e enviei uma mensagem de texto “Te Desafio Bajo El Sol”… E ele saiu!
– Há algo por detrás deste tema? Esta canção é sobre como podemos arruinar a vida um do outro por razões triviais, e como algumas pessoas não se responsabilizam pelas suas palavras e se escondem… Devíamos voltar ao duelo! Tudo seria mais simples e claro
– Em que contexto nasceu esta canção? Em termos mais gerais, falo dos meus problemas em Madrid e Espanha. Tive um período difícil lá e durante esse período da minha vida. Tenho uma certa raiva por isso que presumo totalmente, mesmo que esteja acalmada. Falar de violência e ódio não é uma apologia, é um lembrete de que estes sentimentos existem e que temos de os ultrapassar.
– Deixo este último espaço para você comentar sobre sua carreira. A minha carreira – A questão musical. Já estou em Los Angeles há vários anos, e embora seja difícil estar longe de casa, sinto-me confortável nesta cidade. Tento ser muito minimalista, tanto no material que utilizo como nas melodias que escrevo. Comprei a minha guitarra por 90 dólares, é um velho clássico dos anos 80. Não sou um triturador, tento compor temas que vão diretamente ao seu coração desde o primeiro segundo e que vibram com toda a energia que sinto.
Resposta Jesus Quintana
Soraya – “All I Can Do” – (Alemanha) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual o contexto desta música? ‘All I Can Do’ é uma música de rock, onde também incorporamos algumas influências do blues. Queríamos ir para um som ousado vocalmente e criar uma experiência com o refrão onde as pessoas pudessem gritar juntas e se divertir e se sentir empoderadas.
– O que ela diz? Qual sua mensagem? É sobre ser o seu verdadeiro eu e ser vulnerável. Diz ‘não sou perfeito, mas ninguém é e eu me amo e me aceito como sou – ou estou a caminho de chegar lá. E tudo o que posso fazer é viver minha verdade e mostrar a você quem eu sou!’
– A respeito da sonoridade e arranjos, quais suas considerações? Queríamos que a música criasse um sentimento empoderado, adicionando algumas guitarras elétricas legais e uma bateria ousada. Então você pode ter essa sensação elétrica e excitante enquanto a simplicidade ainda é uma grande parte da música.
Respostas de Soraya
Farrow and the Peach Leaves – “All Blue” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Como surgiu o single “All Blue”? All Blue surgiu da sensação de não ser capaz de mudar as coisas acontecendo na vida, mas sim elas acontecendo com você. a ponte instrumental. Tínhamos os versos e refrões, mas parecia que estava faltando algo por um longo tempo e passamos por muitas iterações dessa ponte instrumental antes de se tornar o que é hoje.
– Sobre o que é a música? É sobre amor, vida, natureza e mudança. Como algumas coisas mudam com as estações e outras diariamente.
– O que o single diz sobre você como artista/banda? Faz parte de um tema maior? Essa música realmente ilustra o quanto o sopé da Sierra Nevada, no norte da Califórnia, onde todos crescemos, influencia nossas vidas e nossa música. Nessas montanhas, o tempo parece parar e se mover muito rápido ao mesmo tempo, há muitas poucas distrações dos pensamentos. O tema maior deste álbum é realmente apenas canções sobre a vida dentro e fora do sopé, amor encontrado e perdido, e algumas desventuras ao longo do caminho.
– O que vem a seguir para Farrow and the Peach Leaves? Vamos lançar este álbum e cair na estrada! Muitos shows em andamento para 2023 e, supondo que tudo corra bem, lançaremos nosso segundo álbum de colaboração com nosso incrivelmente talentoso amigo Aaron Ross.
Respostas de Farrow and the Peach Leaves
Hey Geronimo – “Slow Motion Apocalypse” – (Austrália)
Apoiada no rock alternativo e em elementos da música eletrônica, assim como em ideias experimentais e psicodélicas, a banda australiana tem em seu novo single uma previsão do fim do mundo e de tudo. “O fim está próximo. Pode levar um ano, ou cem, ou um bilhão – mas está se aproximando. Nossas vidas como indivíduos terminam em um instante. Então nos apegamos a instituições, ideologias e nações, esperando que elas nos deem algum tipo de permanência.”, dizem os integrantes.
O interessante de “Slow Motion Apocalypse” é que se trata de um futuro apocalíptico irreversível e natural, ou seja, irá acontecer mesmo que a humanidade tome juízo.
New City Temples – “Silence!” – (Grécia)
A sonoridade pesada de “Silence”, um rock alternativo com elementos do pór-rock, é o que nos conduz a uma letra tão forte quanto. Este, que é o novo single da banda grega New City Temples, não tem muitas luzes, há não ser se queiramos tirar da dor alguma lição ou até mesmo enxergar nela algum tipo de beleza. “Silence!” tem um eu lírico em sofrimento, com algum tipo de dor psíquica e que vê seu quadro piorar drasticamente ao perder um ente querido.
A música inicia logo com uma provocação; veja: “Há um fogo em meu coração / Tanto o corpo quanto a alma ferve no fundo / Estou desgastado e deixado lá para morrer / Meus olhos queimam vermelhos, mas eu vou sobreviver”. O restante segue esse baile. Pode ser que você, caro leitor, esteja sentindo o mesmo que o personagem de “Silence!” sente. Você poderá, portanto, sentir um pouco de acolhimento e pertencimento.
Alien Grace – “We’ve Never Been Better” – (Alemanha)
“We’ve Never Been Better” foi escrita pelo vocalista Elias O. Graversen quando ele tinha apenas 17 anos. O então adolescente nutria uma ideia certeira sobre o mundo, suas dores e seus líderes. O comunicado de imprensa nos diz que a música “é uma onda de cinismo sobre o estado do mundo. É uma crítica da visão de mundo centrada no ocidente herdada de um passado colonial coletivo e do padrão sempre repetido de maiorias que colocam as minorias como bodes expiatórios.”
O artista alemão soube muito bem transmitir sua mensagem com uma sonoridade alternativa, que exagera lindamente em intensidade, profundidade e melodia. Confira!
superserious – “Bye Bye Honey” – (Islândia)
Após o EP de estreia, lançado em 2021 e apreciado notavelmente na Islândia, a banda superserious prepara o lançamento do seu álbum homônimo. No entanto, antes, eles entregaram o primeiro single do projeto. Intitulada “Bye Bye Honey”, a música ensolarada é sobre “a confiança juvenil que desaparece à medida que você envelhece, sozinho e triste”, como diz o release enviado à imprensa. O single antecipa um pouco do disco, mas o pouco que antecipa nos faz acreditar que boas novas estão porvir! Confira!
Gary Dranow and the manic emotions – “Twisted Minds” – (Estados Unidos) – [MINI ENTREVISTA]
– Qual é o tema abordado em “Twisted Minds”? Seu ponto de vista em primeira pessoa nesta música esteve em um relacionamento de mão única e chegou ao ponto em que não aguenta mais os jogos mentais abusivos jogados pelo amante ou interesse amoroso do cantor. Ele/Ela está tendo uma reviravolta emocional e está mentalmente frito por permanecer neste relacionamento disfuncional. O cantor (sujeito) está desistindo de ter chegado a um acordo com sua própria autoestima.
– Então há uma mensagem central? Os relacionamentos têm que ser uma comunicação honesta e aberta de duas vias para prosperar e crescer. No caso desta música, a comunicação é uma via de mão única com alguém que faz “jogos mentais” em vez de ser aberto, honesto e vulnerável, levando à frustração e angústia da personalidade do cantor.
– Comente sobre o som e arranjos do single. Repleto de riffs cativantes, leads crescentes e muito daquela atitude rock por excelência, “Twisted Minds” é uma fatia de rock clássico que sabe exatamente o que quer ser e o que está tentando alcançar. Gary Dranow e The Manic Emotions fazem um trabalho impecável de capturar o coração e a alma do gênero através de uma combinação de excelente execução e composições estelares. Os vocais principais têm um grande eufemismo e se encaixam extremamente bem na faixa, expressando as letras igualmente fortes com grande convicção e propósito. É evidente que este grupo tem uma grande química e sabe exatamente que tipo de som e efeito musical eles estão tentando alcançar, e você pode definitivamente sentir isso através da música, dá à faixa uma sensação “ao vivo”, o que ajuda a criar um maior sentido de energia, um componente essencial do gênero rock.
– Ou o que “Twisted Minds” representa dentro do rock? Isso definitivamente atrairá os fãs de rock clássico, tem todas as marcas registradas e é um ótimo exemplo do gênero. Minhas influências são Stevie Ray Vaughan e Double Trouble, Deep Purple, ZZ Top, AC/DC, Airbourne, Scorpions, Blue Oyster Cult, UFO, Ted Nugent, Montrose, Rainbow, Bad Company, Thin Lizzy, Alice Cooper, Jimi Hendrix.
Respostas do integrante Gary Dranow
Maddox Lim – “Hollow Dreams” – (Estados Unidos)
O cantor e compositor asiático-americano Maddox Lim lançou seu terceiro single solo, acompanhado de clipe. Trata-se da canção “Hollow Dreams”, uma balada pop-rock que versa sobre uma relação de altos e baixos, em todas as suas formas. Com isso, sente-se com facilidade no áudio e no vídeo demasiada emoção, que chega, aos mais sensíveis, transbordar. Dotada de melodia grande e simplicidade, a canção chega a olhar para as conexões humanas como um todo. “Seja entre familiares ou amigos, nosso entes queridos são os que nos trazem mais alegria, mas também mais decepção e dor”, diz Lim.
Este lançamento marca pela terceira vez a estreia solo de Maddox, artista conhecido anteriormente como vocalista e compositor da Rooted, banda inspirada no indie-rock e pop dos anos 1980.
Neno Munitic – “Rain Drops” – (Croácia)
Em tom que mistura melancolia e reflexão é que se apresenta o single “Rain Drops”, lançado recentemente pelo violonista croata Neno Munitc. A peça, que é de sua autoria, está disponível nos aplicativos de áudio. Confira!
