Somos uma revista de arte nacional, sim! No entanto, em respeito à inúmeras e valiosas sugestões que recebemos de artistas de diversas partes do mundo, criamos uma playlist chamada “Além da BR”.
Como uma forma de estende-la, nasceu essa publicação no site, que agora chega a sua 29ª edição. Neste espaço, iremos abordar alguns dos lançamentos mais interessantes da playlist.
Ljug Aldrig – “Seashells (ft. Elliphant)” – (Suécia) – [MINI ENTREVISTA]
– Afinal, o que isso nos diz? Qual é o seu tema? Espero que a música encoraje os ouvintes a ouvir profundamente e com atenção, e que isso mude algo dentro deles.
– Como você define o som e os arranjos? A música é um instrumental descontraído, com infusão de country/americana, no qual os renomados músicos Torbjörn Zetterberg (baixo) e Konrad Agnas (bateria) apresentam um groove despojado, enriquecido pelos violões acústicos brilhantes de Toorell. Além disso, há acordes quentes de sintetizador e linhas flutuantes de sintetizador MS20, primeiro abordando um tema semelhante a um coral, seguido por alguns solos rodopiantes, talvez impregnados pelas infinitas explorações de órgão de Alice Coltrane.
créditos.
– Existe alguma história interessante ou curiosidade sobre este lançamento? Escrevi a música há cerca de dez anos (inicialmente para guitarra e voz) e finalmente consegui gravar no verão de 2020. Estou feliz e um pouco surpreso ao experimentar como o resultado final parece ecoar tantos tesouros musicais de minhas memórias, tanto recentes quanto antigos. ter 5-6 anos de idade e, bastante surpreso, encontrar minha avó surda em sua casa fazendo interpretações sinceras e tocantes de piano e voz de canções do exército de Salvação e vários hinos, foi certamente de uma intensidade comparável às audições repetidas compulsivas de discos de Gillian Welch, Plains e Alice Coltrane cerca de 20 a 30 anos depois. Para mim, parece que tudo isso foi igualmente inspirador e importante para que essa faixa de 5 minutos surgisse.
Respostas de Ljug Aldrig
Parham Gharavaisi – “Inside” (Player/Zero) – (Irã) – [MINI ENTREVISTA]
– O que a música nos diz? Qual é a sua mensagem? “Este single é principalmente sobre a desconexão que a humanidade está enfrentando atualmente entre o mundo real e o mundo virtual, exasperado ainda mais pela recente pandemia que força as pessoas a ficar dentro de casa, daí o título da música. À medida que nos aprofundamos no mundo virtual, perdemos o contato com o real, muitas vezes encantados a ponto de não mais nos interessar pela realidade e nos entregarmos completamente ao mundo por trás de nossas telas.”
– Como definir a sonoridade e os arranjos do single? “Eu estava procurando uma atmosfera melancólica, mas com elementos fantásticos ao mesmo tempo, afinal, esta é uma música sobre viver em uma fantasia. Para alcançar essa paisagem sonora, tive que empregar novos instrumentos que eu tinha nunca usado antes em minhas músicas anteriores, como o violino e o violoncelo. Acredito que as contra melodias tocadas pelo violino desempenham um papel crucial na representação do tom que eu estava buscando e realmente elevam a música como um todo.”
– Há alguma história ou curiosidade interessante sobre o lançamento? “Minha discografia inclui canções de vários gêneros, desde pós-rock instrumental e pop-rock até gothic rock e death metal. Este single em particular é uma das minhas canções mais suaves, então imagino que atrairia um público mais amplo. Originalmente , eu pretendia lançá-lo com um videoclipe, no entanto, a produção de um videoclipe decente que se encaixasse nos temas dessa música foi um desafio, então, em vez disso, tive que me contentar com um videoclipe com a letra.”
Respostas Parham Gharavaisi
Annie Sumi – “Stone Between The Lips” – (Canadá) – [MINI ENTREVISTA]
– O que você esperava transmitir nos versos da música?
Annie Sumi: Os versos têm essas letras evocativas que ajudam a aproximar o ouvinte de seus sentidos. Eles tentam enfatizar a importância da atenção focada e incorporada ao trabalhar com trauma, luto e tristeza. Gosto de pensar que outras pessoas podem se identificar com a sensação de serem incapazes de falar sobre coisas difíceis: “Na minha boca, mastigando as palavras, não posso falar com elas em voz alta até que esteja pronto.”
Brava Kilo: Nos versos estamos tentando transmitir a sensação de estar ancorado no próprio corpo e seguro para se expressar sem medo.
– Como surgiu a música? Qual era o contexto?
Annie Sumi: Brian e eu trabalhamos nessa música enquanto estávamos no estúdio fazendo um retiro de composição. Foi uma combinação de letras e conceitos com os quais eu já estava sentado e ideias sobre as quais Brian estava ruminando: “diminuir a velocidade, lembre-se de andar leve e rente ao chão como você me ensinou“. A letra original surgiu de um sonho de encontrar nossos Ancestrais em uma ponte em um lugar que lembrasse um jardim japonês, e poder encarar aquela pessoa e falar livremente sobre de onde viemos, curando velhas feridas, e vivendo com amor.
Brava Kilo: Annie e eu começamos a escrever músicas juntas depois que o Centro Cultural Japonês Canadense a contratou para compor um corpo de trabalho inspirado na história de sua família e ela me pediu para fazer parceria, sabendo que nossas famílias haviam sobrevivido ao internamento de nipo-canadenses durante a Segunda Guerra Mundial.
– Como você definiria o som do single?
Annie Sumi: AS: Lembro-me de fazer uma demo dessa música antes de termos o segundo verso, e as harmonias no refrão pareciam nostálgicas… muito Imogen Heap. Brian foi capaz de pegar algumas dessas demos iniciais e embelezá-las com melodias de sintetizador e instrumentação elaborada. O resultado foi um som que explorou as relações entre serenidade, contemplação e diversão.
Brava Kilo: Começa com o violão e a voz arrepiante de Annie, e então todos os tipos de sintetizadores entram sorrateiramente com bateria e piano e a voz de Annie. Na seção intermediária, torna-se experimental com muitos sons eletrônicos rodopiantes e uma gravação de campo de um grupo de crianças cantando músicas ao redor.
– Qual a relação dessa música com a cultura canadense?
Annie Sumi: Essa música foi inspirada por nosso relacionamento cada vez mais profundo com nossa cultura nipo-canadense. Brian e eu somos meio japoneses, imigrantes de terceira e quarta geração no Canadá. Essa música fala da influência da história de nossa família e das maneiras pelas quais conseguimos curar alguns dos traumas do internamento nipo-canadense durante a Segunda Guerra Mundial.
Brava Kilo: Essa música é uma expressão de alguns de nossos sentimentos em relação ao trauma persistente que passou por gerações decorrente do internamento de nipo-canadenses durante a Segunda Guerra Mundial
Respostas Annie Sumi e Brava Kilo
V. Anie – Are We Sumthin? – (Estados Unidos)
– Como você define o som do single? O som do single é uma mistura de lo-fi e R&B. Eu amo que o som quase te traz de volta a um momento no tempo em que o R&B deu um som mais clássico. Pense em rebobinar fitas cassete e colocar seu CD favorito. Essa música é refrescante para o ouvido, com certeza.
– Comente a parceria entre V . Anie e Helloyatta: Helloyatta e eu nos conhecemos no RAICES, um evento de performance onde eu era um artista de destaque. Nós nos conectamos mais tarde quando ele compartilhou essa batida comigo (do artista Jay808); agendamos um zoom para composição e o resto é história. A música foi escrita em uma hora e o timing não poderia ter funcionado melhor.
– Por fim, existe alguma história relevante ou curiosidade sobre esse lançamento? Yatta e eu queríamos realmente sintonizar a expressão do sentimento. Os versos falam do que cada pessoa deseja, que é conexão. Sentimos que todos podem se identificar quando realmente gostam de alguém, começam a questionar tudo. Isso está realmente acontecendo? Isto é real? Então, realmente queríamos passar a mensagem de que, quando duas pessoas sentem “algo“, é natural querer mais. Também nos divertimos com o título e reescrevemos a palavra ” sumthin ” para incluir “sum” que significa total, união, etc.
Respostas V. Anie
Herald K – “Echo’s Song” – (Noruega e Áustria) – [MINI ENTREVISTA]
– O que diz nos versos da canção? Qual é a sua mensagem? Ao escrever esta canção, no início apenas tentei contar esta história tal como ela é. Basta narrar. Mas depois as coisas começaram a acontecer. Concentrei-me em certos aspectos, acrescentei algum tom e cor própria, e a história começou a ganhar vida. Por isso, acho que estava a praticar alguma licencia artística quando a escrevi, embora essa não fosse de todo a minha intenção! A mensagem é bastante velada, acho eu… Talvez algo sobre a tristeza ligada ao facto de a fêmea e o macho perderem frequentemente uma harmonia mútua que poderia ter existido? Mas tenho a certeza de que muitas outras coisas também. Os velhos mitos gregos têm frequentemente mensagens profundas que vão mais fundo do que as suas primeiras impressões.
– Como definiria o som do solteiro? Gravámos o piano de cauda num estúdio com vários microfones. Isso foi misturado com vocais, guitarra e nyckelharpa, que tinham sido todos gravados em ambientes mais simples. Apesar de ser um som esparso, sem demasiados elementos, houve muito tempo e esforço para a mistura e masterização. Queríamos que o som fosse espaçoso, com secções silenciosas que dessem ao ouvinte espaço para respirar. Queríamos também que a voz masculina soasse perto, e a voz feminina soasse mais distante, mas não simplesmente por volume.
– Há alguma história ou trivialidades interessantes sobre este lançamento? Escrevi a canção muito rapidamente. Foi feita em cerca de uma hora, sentada num banco de jardim, num dia ensolarado de Verão. Foi talvez a hora mais inspirada que já vivi na minha vida. Acho que nunca escrevi uma canção tão depressa! Depois guardei-a na prateleira durante alguns anos, e quase não a gravei. Mas ainda bem que o fiz, porque quando a voz de Lina, e o piano e nyckelharpa foram adicionados, esta tornou-se uma das nossas faixas favoritas no álbum.
Respostas Herald K
