Já é um sucesso o nosso quadro ALÉM DA BR, focado em artistas não-brasileiros. Com o ALÉM DA BR, já divulgamos mais de três mil músicas de artistas de todas as partes do mundo. Agora, apresentamos um novo lado desta lista, no qual iremos focar no processo de composição e criativo. Para isso, selecionaremos sempre cinco artistas, que irão contar com suas próprias palavras como foram estes processos de sus novas músicas. Vale dizer que o conteúdo produzido por eles tem exclusividade da Arte Brasileira, escrito sob encomenda. A sequência foi escolhida via sorteio, ou seja, não há “melhores e piores”.
Vamos nessa?
Jason Callear – “Radio” – (Reino Unido)
“Radio” é uma homenagem sincera a uma época em que a música significava algo mais profundo — quando as canções podiam te tirar da escuridão e o rádio era sua tábua de salvação. Com vocais poderosos, texturas de guitarra quentes e profundidade lírica,
Jason Callear traz a era de ouro das ondas sonoras de volta ao foco. “Eu te excitei na minha viagem de resgate!”. A mistura característica de Jason, com sua pegada rust-belt e rock sulista, faz desta música uma favorita instantânea para os fãs de rock honesto e roots. “Radio” fala com qualquer um que já tenha buscado o dial, na esperança de encontrar um pedaço do seu passado.
Informações auto fornecidas:
Temas Principais • Nostalgia do rádio analógico• O vínculo emocional que formamos com a música• Perda e anseio por som significativo• O poder de cura da alma das boas canções / Gênero: Rock Americana – Heartland Rock
Comentário de Jason Callear
Kari Lyn – “Home” – (Canadá)
Eu estava no meio de uma incubadora musical do Canadá e, como parte disso, fomos combinados com um produtor para uma sessão para tirar dúvidas, dar conselhos e tivemos a possibilidade de colaborar/escrever juntos. Tive a honra de ser combinado com a dupla de compositores/produtores Good Grief. Eu estava tão sobrecarregado (como sempre) entre trabalhar em tempo integral, fazer a incubadora musical e ainda tentar administrar minha própria carreira musical e minha vida ao mesmo tempo. Estávamos conversando sobre minha vida, como viajei o mundo por 6 anos, vivenciei tanta coisa e criei uma vida inteira fora da minha cidade natal, mas agora eu estava animado para voltar para casa e visitar. Assim que começamos a compor, a música saiu bem rápido. Escrevemos uma música que incorpora o soul da costa leste, algo que as pessoas vão querer cantar junto… Talvez no meu festival favorito da Ilha do Príncipe Eduardo, o Sommofest, em breve. Mas ainda mostra meu crescimento e como estou mais feliz agora que estou indo embora, mas estou animado para ainda voltar para casa e isso ainda é uma parte tão grande de mim. Então levei a música para Dan Hosh e ele ficou animado com o desafio de pegar essa música e fazer dela tudo o que eu queria que ela fosse.
Comentário de Kari Lyn
Duane Hoover – “Just An Everyday Thing” – (EUA)
“’Just An Everyday Thing” começou como minha tentativa de fazer uma música no estilo Bowie, “Young Americans Bonham”. “É um tipo de música”, explica Hoover. “Mas tomou um rumo diferente e se tornou algo completamente diferente. Eu realmente gosto da bateria que soa como John que Anthony Krizan fez.”
A faixa é uma evolução natural para Hoover, que há muito tempo entrelaça elementos da cena mod dos anos 60, punk dos anos 70 e grandes nomes do rock antigo como Buddy Holly e Roy Orbison. Seu trabalho resiste à nostalgia por si só, em vez disso, oferece reinterpretações que parecem vitais e imediatas.
Comentário de Duane Hoover
Lil’ Red & The Rooster – “Wild’s Rising” – (França)
A inspiração … Conheci meu marido, Pascal Fouquet, também conhecido como O Galo, no Caveau de la Houchette, um clube de jazz em Paris. Ele estava tocando a música “Going Home” de B.B. King com uma banda de rhythm & blues. Eu amava a canção, então, quando começamos nossa própria banda, a incluímos em nosso repertório. Pascal queria fazer a nossa própria versão de uma canção como esta. Eu pensei imediatamente, e se eu escrever uma sequência da música de B.B. contando a história do que acontece quando você finalmente chega em casa. Escrevi sobre uma volta inesperada para casa que inspira empoderamento e liberdade a partir da devastação. Eu já senti essa energia muitas vezes na minha vida e eu chamo isso de “a ascensão do selvagem”, porque é assim que se sente. Na performance, eu contava a história da música de B.B. King como uma introdução. Eu me lembrei de como fazer isso em um álbum. Inspirada por Tom Waits e The Staples Family, eu criei um texto de spoken word e dei a Pascal para fazer algumas improvisações. Nós ajustamos isso e gravamos em casa.
Avançando para o estúdio … gravamos a batida ao vivo no estúdio para 8 faixas em um dia. A “A ascensão do selvagem” foi a última. Estávamos todos aquecidos, sintonizados uns com os outros e nos sentindo criativos. Eu queria uma verdadeira sensação de Gospel, mas eu não sou uma especialista, então descrevi os elementos que eu queria e Bobby Floyd, que cresceu na igreja, disse: “Estou te levando à igreja”! E ele fez! O solo de guitarra de Pascal é ao vivo daquela gravação assim como o órgão. Nosso baterista parisiense, Pascal Mucci, toca para um coro Gospel em Paris e adorou a experiência de trabalhar com um prodígio do Gospel como Bobby. Jean-Marc Despeignes no baixo caiu perfeitamente nas instruções do Bobby e nós tínhamos uma boa base para construir a canção. Bobby adicionou o piano por cima e depois uma faixa de pandeiro, dizendo: “Minha filha deveria fazer isso!” Eu respondi: “Traga-a! Ela canta também?” Bobby confirmou que sim e nós a agendamos no projeto.
Nova Inspiração … Ao ouvir de volta a música que agora tinha uma quebra após o solo de guitarra, pensei, uau, eu tenho que pregar aqui. Esse conceito me intimidou, mas a canção pedia por isso. Fui para casa e coloquei a música com meu microfone e fones de ouvido e improvisei por cerca de 2 horas seguidas. Essa rosa selvagem dentro de mim e as palavras saíram da minha alma. Exausta e vocalmente desgastada, eu editei e enviei para nosso engenheiro.
Próximo passo … Eu tinha uma ideia para vocais de apoio, mas apenas um esboço. Bobby perguntou se poderia fazer os arranjos vocais e eu disse: “absolutamente”. Ele trouxe Quan Howell, Kara Brooks e sua filha Bobbi Townes, algumas das melhores vozes de Columbus, Ohio. Fiquei honrada em tê-los. Nos reunimos ao redor do piano e Bobby tocou as partes. Em cerca de 15 minutos eles aprenderam tudo. Nosso engenheiro, Matt Hagberg, os posicionou e eles cantaram as partes cerca de 10 vezes para criar a sensação de coro. Em um momento, ouvimos de volta e percebemos que eles estavam cantando tudo muito perfeitamente a cada vez. Então, pedimos que eles fizessem duas faixas fora de controle e bagunçadas. Isso foi exatamente o que era necessário para criar uma sensação de coro autêntica. Assim que terminamos a parte principal da canção, voltamos à introdução. Eu expliquei desajeitadamente o que estava ouvindo na minha cabeça e Quan finalmente disse: “Ah, ok. Entendi!” Ele explicou para os outros e eles criaram uma introdução assombrosamente bela para a canção. Comemoramos com biscoitos sorridentes que combinavam com nosso sentimento de coração.
Toques finais … ainda não tínhamos terminado. Bobbi adicionou outra faixa de pandeiro e então ela, Bobby e eu gravamos uma faixa de palmas. Foi na verdade um dos meus momentos favoritos. Eu amo ritmo, e me aprofundar nele com esses dois trouxe à tona o selvagem em mim. Matt trabalhou editando e misturando todas aquelas camadas em uma canção escutável. Fiquei impressionada com a clareza que ele conseguiu obter. Inicialmente, ele tinha o coro posicionado ao meu redor na mixagem, mas eu senti que isso colocava os instrumentos muito para trás, então pedi que ele movesse o coro para um semicírculo ao redor da banda e a canção ficou ótima. Alguns meses depois, Bobby, Bobbi, Pascal e eu voltamos ao estúdio para ouvir. Nós cortamos algumas das vozes de apoio para adicionar uma construção à canção e ela estava pronta!
Comentário de Jen «Lil’ Red» Milligan
Black Iris – “The Gods’ Breeze” – (Irlanda)
Às vezes, como compositor, pode levar meses para criar uma nova música e, às vezes, isso acontece em cinco minutos. Embora tenhamos continuado aprimorando o rascunho inicial por alguns meses, escrevemos o núcleo da música em cinco minutos. Foi uma explosão de emoção e tristeza. Lamentando partes do nosso passado. Quando alguém precisa mudar constantemente de local de moradia, pode acabar duvidando do próprio tempo. Isso é exaustivo, mas libertador. Por outro lado, a música lida com o fardo que os relacionamentos exigem de nós e o dano que podemos sofrer ao buscar satisfazer nossas necessidades. Pessoas como o Dr. Sapolsky estudam humanos e dizem que eles são apenas máquinas biológicas. Artistas não podem aceitar essa visão e tentam ir além dela. A protagonista desafia o Dr. Sapolsky, o romancista e o terapeuta e decide trabalhar em seu aspecto celestial.
Musicalmente, a música é escrita em tom ad menor, com um jogo de perspectivas e o uso de alguns acordes que não são usados naturalmente em baladas pop. Isso pode ser ouvido claramente no verso 3. Usamos alguns acordes diminutos para dar a sensação dramática da casa em chamas. Em relação ao processo criativo, usamos bandolim e cordas para enfatizar os aspectos expansivos da música.
Comentário de Black Iris
