A GÊNESIS DA CANÇÃO é uma fusão das versões focadas em processo criativo das listas ALÉM DA BR (lançamentos internacionais) e LUPA NA CANÇÃO (nacionais), que agora se tornam oficialmente editorias. Sob este domínio, já publicamos e desbravamos em torno de 4 mil lançamentos, de brasileiros e de artistas mundo afora.
A GÊNESIS DA CANÇÃO não muda muito a lógica das edições anteriores. Selecionaremos sempre cinco artistas, que irão contar com suas próprias palavras sobre a criação de suas novas músicas. A diferença é que antes artistas brasileiros ficavam em listas separadas, e agora está tudo junto.
Vale dizer que o conteúdo aqui apresentado tem exclusividade da ARTE BRASILEIRA, escrito sob encomenda. A sequência foi escolhida via sorteio, ou seja, não há “melhores e piores”.
➔ Joss Jaffe e Sudama Mark Kennedy "Blue" - (ESTADOS UNIDOS DA AMÉRICA)
"Blue" Nossa intenção sempre foi criar músicas de cura que nos conectem ao mundo natural e sonoridades que elevem, tragam alegria, expansão e uma sensação de espaço generoso. Depois do nosso lançamento bem-sucedido de "Purrfection 44" – usando sons ambiente/ASMR de ronronar de gato (meu gato ronronou em Si bemol!) que entrou em playlists editoriais no Spotify, Apple Music e Pandora – nós, Sudama Mark Kennedy, Joss Jaffe e Steve Miles, lançamos "Whale Dreaming", que traz baleias e golfinhos em todas as faixas. Os instrumentos incluem harpa africana ngoni (parente da kora), flauta shakuhachi, tabla e cítara indianas, didjeridu, baixo e guitarra. As canções e chamadas desses seres incríveis, com cinquenta milhões de anos, carregam frequências ancestrais da terra e do oceano. Achar um alinhamento musical com eles acabou sendo um desafio realmente divertido. Canções de baleia não são exatamente lineares! Tocar junto exigiu ouvir e se fundir com a sensação. Queríamos que as baleias fossem os vocais principais. Nós ouvimos e percebemos que certas tonalidades funcionavam especialmente bem, como Dó sustenido, o que foi conveniente porque é a minha tonalidade favorita para cítara, especialmente se você quer que as cordas fiquem mais soltinhas, flexíveis e fáceis de dobrar. Isso funciona bem quando você quer imitar baleias! "Blue" traz alguns dos sons ASMR mais envolventes e relaxantes do álbum. As vocalizações sonoras da baleia-azul são bem graves, na região do baixo, e são calmantes, misteriosamente estimulantes e meditativas. Os sons do oceano por si só já são relaxantes e estimulantes, e quando combinados com instrumentos mais esotéricos, o efeito pode ser ainda mais hipnótico. Encontramos gravações gratuitas de baleias e golfinhos na internet e as esculpimos em dez faixas instrumentais e uma com um poema original. Em cinco delas, compusemos estruturas de canção sobre as quais improvisamos, e em cinco tivemos uma resposta mais mística e diretamente improvisada. "Blue" entra nessa segunda categoria. Não há exatamente uma estrutura de música, mas existem três fios musicais diferentes – cítara, flauta shakuhachi e ngoni, todos “nadando” juntos! Além da jornada sonora criativa que este álbum representa, o impulso de fazer essas gravações também vem da preocupação de que estamos perdendo essas criaturas. Pelo visto, os cantos da baleia-azul caíram 40% na costa da Califórnia. Para onde elas foram? A acidificação dos oceanos é um problema global que afeta seus habitats e cadeias de suprimento de alimento. A gente espera que a nossa música possa ajudar as pessoas a se conectarem com a magnificência e a consciência única delas. Tudo que pudermos fazer para ajudar na sobrevivência delas vai ajudar na sobrevivência de todos nós!
Comentário de Sudama Mark Kennedy
➔ Brian Walker - "WHO NEEDS WHO" - (ESTADOS UNIDOS DA AMÉRICA)
“WHO NEEDS WHO” é a música mais recente do meu álbum de estreia, “PASSIO”, com 12 faixas. Combinei o pensamento criativo e emocional do hemisfério esquerdo do cérebro com o pensamento analítico do hemisfério direito na criação desta música e do álbum. Do ponto de vista da composição, meu pensamento do hemisfério esquerdo estava processando um relacionamento tóxico e o término do qual eu estava vivendo, e transformando minhas emoções reais em uma música pop divertida. A dor e as emoções eram cruas e reais para mim quando tive a ideia para esta música, então a primeira versão era um pouco dura e focava mais no aspecto assertivo da “verdade” da dinâmica. Depois de muitas revisões, tornei a música mais cativante e explorei uma atmosfera mais divertida, sensual e descontraída, o que suavizou um pouco a intensidade da música, sem deixar de lado a essência assertiva. Meu lado criativo queria compor uma música que começasse cativante, entrasse no ritmo imediatamente e tivesse um refrão grudento e impactante que fizesse os ouvintes cantarem junto com prazer. Em termos de produção, eu queria combinar com a estética do resto do meu álbum, que mistura sons de sintetizador dos anos 80, piano e funk pop com batidas dançantes. Fiz a mixagem sozinho no meu quarto de infância, que virou estúdio de gravação. Mixar a música envolveu muita comparação com outras músicas do gênero usando o método A/B e ouvindo em tantos sistemas de som quanto possível, fazendo ajustes e retoques até que ela se aproximasse da riqueza e profundidade sonora das minhas faixas de referência. Na verdade, fiquei acordado até as 5 da manhã na noite em que a mixagem era para ser entregue, ajustando os ➔
toques finais e garantindo que os elementos principais do bumbo, baixo e vocais estivessem perfeitos e que os outros elementos os complementassem. Existe um videoclipe para esta música que eu mesmo dirigi, editei e colorizei, e no qual também atuo, e que será lançado na próxima semana. No meu processo criativo, realizo a maioria das tarefas sozinho para economizar dinheiro e ter liberdade criativa, mas também conto com alguns colaboradores essenciais (meus atores/atrizes nos meus videoclipes, cinegrafistas, fotógrafos e engenheiro de masterização) que me ajudam a concretizar minhas ideias. Sou extremamente grato à equipe com quem trabalho, que me ajuda a dar vida à minha visão para essas músicas e videoclipes.
Comentário de Brian Walker
➔ Greg So - "Pa Fé Yon Pa" - (FRANÇA)
“Pa Fé Yon Pa” é uma cativante canção konpa que captura aquele momento em que o amor se torna uma força inegável e irresistível. Através de uma interpretação sincera e magnética, Greg So nos imerge na intimidade de um homem dominado pela presença da mulher que ama, a ponto de não conseguir mais dar um único passo sem ela.
Comentário de Greg So
➔ Novalp - "Everybody Lies" - (TURQUIA)
A inspiração para "Everybody Lies" surgiu de um momento de observação silenciosa. Eu estava sentada em um café movimentado, observando o mundo passar, e comecei a notar as máscaras sutis, quase invisíveis, que as pessoas usam. Não se tratava de grandes enganos maliciosos, mas das pequenas performances sociais do dia a dia – os elogios educados, porém vazios, o interesse fingido, os sorrisos ensaiados. Percebi que todos nós temos uma versão de nós mesmos que apresentamos ao mundo, e senti um desejo repentino de explorar esse espaço entre nossos verdadeiros sentimentos e a imagem que mostramos aos outros.
Essa ideia inicial rapidamente se transformou no tema central da música. Eu queria escrever sobre a natureza universal dessa dança social, não a partir de um lugar de julgamento, mas de compreensão. A letra se tornou um comentário sobre o cansaço silencioso que vem de navegar constantemente por essas regras não escritas de interação. É sobre aquele momento em que você chega em casa no final do dia, a máscara cai e você finalmente pode simplesmente estar com seus próprios pensamentos e realidades sem filtros.
O som da faixa foi criado para transmitir exatamente aquele momento de introspecção noturna. Escolhi um estilo R&B melancólico e atmosférico porque ele tem essa incrível capacidade de ser suave e melancólico ao mesmo tempo. A batida é intencionalmente relaxante, com uma linha de baixo profunda que soa como uma batida cardíaca constante em um quarto silencioso. Construímos a produção camada por camada, querendo que a música em si desse a sensação de estar revelando lentamente as camadas de uma verdade complexa.
O processo de gravação foi muito fluido e orgânico. Queríamos capturar uma sensação de honestidade crua, então mantivemos as gravações vocais muito naturais, quase como uma confissão sussurrada no microfone. Não se tratava de alcançar a perfeição técnica, mas de capturar a emoção genuína por trás da letra. O objetivo era fazer o ouvinte se sentir como se estivesse na sala comigo, compartilhando um pensamento íntimo que ambos entendíamos sem precisar dizer muito.
Em última análise, "Everybody Lies" não é uma música cínica; é uma música realista. É o reconhecimento de uma parte fundamental da experiência humana: a necessidade tanto de conexão quanto de autopreservação. É uma canção para todos que já sentiram o peso das expectativas sociais e encontraram paz nos momentos de tranquilidade, solidão e verdade. É um lembrete de que, embora todos possam usar uma máscara, não estamos sozinhos em nos sentirmos assim.
Comentário de Novalp
➔ Two Dark Birds - "The Song to End it All" - (ESTADOS UNIDOS DA AMÉRICA)
"'The Song to End It All' começa com um homem das cavernas de ressaca na França pré-histórica e termina dentro de um delírio febril à la Bob Seger. Ao longo de 10 minutos, busca capturar a raiva, o absurdo e o (des)espírito geral destes tempos." - Steve Koester, Two Dark Birds
Comentário de Bill Benson
