5 PEDRADAS DE ROCK (#5)

➔ Thomas Duxbury and New Mother Nature - "Already Dead" - (CANADÁ)
1. De onde veio a inspiração para esta música?
Me ocorreu quando eu estava sentada no meu quarto na residência estudantil, morando no exterior. Acho que não saía do quarto havia uns três dias, e me sentia como se estivesse numa espiral emocional. Era uma fase estranha da minha vida, quando eu estava trabalhando na minha dissertação, e sentia que tinha muita coisa em jogo. Não sei se foi isso que causou o problema ou o quê.
Há muitos conceitos relacionados a isso no meu próximo álbum, Night is Young, já que a maior parte foi escrita naquele quarto de dormitório, em condições semelhantes. Solidão, estar longe de amigos e família, sentir-se preso em um lugar e tempo. Há muitas músicas bem mais esperançosas neste disco, mas esta em particular aborda intensamente os momentos de baixa emocional que podem acontecer durante uma jornada.
Acho que não dormia há dias. Não dormia direito há semanas. Não queria falar com ninguém, socializar, nada. Não sei se era por causa de todo o trabalho que tinha para fazer ou se era apenas um episódio de depressão passageiro, mas eu me sentia como se estivesse flutuando.
Eu tinha uma caminhonete antiga e legal que vendi para pagar a faculdade. Eu costumava dar umas voltas para me distrair e quebrar o ciclo. E eu ficava me imaginando dirigindo enquanto o sol se punha. Sozinho comigo mesmo. Uma versão de mim no banco do passageiro e a outra dirigindo conscientemente, meio que sem pensar em nada.
É como se, às vezes, eu estivesse inconscientemente seguindo os passos da vida cotidiana, mas na realidade sou apenas um passageiro aproveitando a viagem.
2. Qual é a mensagem da música?
Acho que às vezes você precisa aceitar que existem muitas coisas na vida que estão fora do seu controle. Em outras músicas deste álbum, exploro mais o lado positivo disso. "Already Dead" fala mais sobre os momentos difíceis de uma jornada ou da própria vida.
Às vezes, tudo o que você pode fazer é sentar e deixar o mundo pegar fogo ao seu redor, e não há muito o que você possa fazer a respeito. Acho que, no álbum como um todo, há mais respostas sobre por que você enfrenta a tempestade, mas esta música é sobre estar nela.
Uma parte de mim está dirigindo meu caminhão pelo deserto sem pensar em nada. A outra parte está simplesmente sentada, esperando chegar ao outro lado e torcendo para que as coisas melhorem.
A mensagem é que a tempestade é real, mas todos nós passamos por ela. Às vezes, somos apenas passageiros em nossas próprias mentes e corpos.
3. Musicalmente, quais aspectos foram incorporados e trabalhados?
Nessa música, experimentamos um pouco mais com dissonância e linhas cromáticas. Acho que na produção buscamos explorar um som mais atmosférico.
A forma como toco guitarra aqui é, de certa forma, um precursor de alguns dos sons que estou explorando ao vivo agora. Embora eu ainda não me lembre exatamente do que toquei no solo desta música na gravação.
4. Qual é o simbolismo da arte da capa do lançamento?
Essa foto foi tirada durante uma viagem à Espanha alguns anos atrás. Ela também será a capa do meu próximo álbum, Night is Young.
Acho que esta obra de arte ressoa em vários níveis para mim. Aquela viagem à Espanha foi minha primeira experiência real explorando o mundo e estando no exterior. Esta ponte simboliza a transição para uma nova forma de pensar. Sempre me identifiquei com esta fotografia e estou muito feliz por tê-la neste álbum, pois sinto que é um momento de fechamento de ciclo.
A maior parte do álbum foi composta enquanto eu morava no exterior, e esta foto foi tirada na minha primeira experiência fora do país. O álbum explora muitas ideias sobre estar longe de casa, então parece certo capturar um momento que represente a primeira vez que me aventuro nessa jornada. Há também uma certa empolgação nisso.
Para mim, é quase como uma alegoria da caverna. A ponte representa a travessia para um novo capítulo e uma nova forma de pensar e pertencer. A travessia para coisas que você talvez nunca tenha visto ou considerado antes.
5. Há algo curioso sobre o lançamento que você gostaria de destacar?
Há também essa ideia, nessa música, de ser um passageiro na própria vida. Essa sensação de estar seguindo o fluxo, sem ter controle total, apenas tentando sobreviver ao momento presente. Sinto que isso permeia todo o álbum, de certa forma. Algumas músicas exploram o que significa retomar o controle ou encontrar o seu equilíbrio, mas outras se concentram nesse espaço de deixar as coisas acontecerem ao seu redor.
Ao analisar o processo com mais calma, muitas das decisões subconscientes tomadas durante a criação começam a fazer cada vez mais sentido à medida que avanço neste lançamento.
Acho que estou percebendo algo interessante sobre este lançamento: como tudo está interligado. Quanto mais escrevo esse tipo de coisa, mais percebo como muitas das decisões tomadas neste disco estão conectadas. Muitas dessas músicas foram escritas no mesmo lugar, sob condições semelhantes, então há uma consistência real no sentimento que permeia todo o álbum. Ele captura um período muito específico da minha vida de uma forma bastante honesta.
Não é exatamente um álbum conceitual em sentido estrito, mas definitivamente existem temas recorrentes. Estar longe, sentir-se desconectado, tentar encontrar algum sentido ou ponto de partida em lugares desconhecidos. Embora esta música represente um momento difícil nessa jornada, ela também simboliza a aceitação de que esses momentos difíceis acontecem e que momentos mágicos são possíveis, às vezes bem ao virar da esquina.
Acho que essa tensão entre estar no controle e simplesmente se deixar levar é o que torna tudo tão real.

Respostas de Thiomas Duxbury

➔ Secret Agent - "Spymaster" - (ESTADOS UNIDOS DA AMÉRICA)
1. De onde surgiu a inspiração desta música?
Filmes de espionagem, como os filmes de James Bond, e *westerns spaghetti* de Sergio Leone
2. Qual a mensagem da música?
Instrumental — Uma jornada de espionagem e faroeste rumo à zona do mistério.
3. Musicalmente, quais aspectos foram incorporados e trabalho?
guitarras, baixo, sintetizadores e bateria compõem a instrumentação.
4. Qual a simbologia da arte de capa do lançamento?
resumem a persona do vilão da nossa história.
5. Há algo de curioso sobre o lançamento que você queira destacar?
Foi uma faixa extra do nosso EP *Loose Lips Sink Ships*, lançado este ano. Conta com a participação especial do baterista das bandas Child Seat e Wonderfox.

Respostas de Secret Agent

➔ Wade Easy - "Dead Moons" - (ESTADOS UNIDOS DA AMÉRICA)
1. Qual a fonte de inspiração?
Noites longas. Algo por baixo.
2. Qual mensagem ela leva ao público?
Algo está para acontecer. Não há dúvida disso.
3. Musicalmente, quais sub gêneros você trabalhou?
Psicodelia lo-fi. Americana cósmica. Drone.
4. Qual a influência do seu país, os Estados Unidos, nesta música?
Pó. Nuvens escuras.
5. Há algo de curioso sobre o lançamento que você queira destacar?
Não para se você deixar. A música é uma das faixas do álbum *"Sea of Night", com lançamento previsto para 1º de maio.

Respostas de Wade Easy

➔ Ridiculous Bitch - "Engage" - (ESTADOS UNIDOS DA AMÉRICA)
1. Qual foi a fonte de inspiração?
"Engage" se resumia a isto: Meu amigo foi tirado de mim injustamente – e tudo o que eu queria fazer era gritar sobre isso."
"Engage" nunca foi escrita como um hino. Ficamos comovidos, claro, que tenha se tornado uma canção emblemática para estes tempos horríveis que estamos vivendo e lutando com unhas e dentes para sobreviver... que seja algo que todos possam cantar com os punhos cerrados... que tenha tocado as pessoas da mesma forma que fomos tocados pelas músicas que nos impulsionaram para este ramo desde o início...
Mas essa nunca foi a intenção original. Eu sempre quero dizer: "Escrevi uma música sobre isso - aqui vai..." e deixar o resto para o ouvinte. Porque é exaustivo... mas, se você realmente quer saber o que motivou "Engage", aqui está:
Um amigo de infância foi enviado para a guerra no início dos anos 2000 e sofreu um trauma profundo com as experiências vividas. Trocávamos e-mails diariamente enquanto ele presenciava atrocidades que ainda não consigo compreender e para as quais ainda não tive coragem de retomar essa correspondência.
Quando ele voltou para Nova York, estava mudado. Não conseguia mais viver da mesma forma. Ou sequer viver. Houve uma mudança perturbadora em seu comportamento; ele se tornou violento e profundamente deprimido. Acabamos perdendo o contato. Tínhamos crescido nos apoiando mutuamente na infância, juntos, ambos machucados e abandonados. Eu mesma não sou estranha ao Transtorno de Estresse Pós-Traumático (TEPT), mas testemunhar seu retorno da experiência militar em uma idade tão jovem mudou algo em mim.
Na maior parte do tempo, isso me irritou.
Isso me irritou de maneiras que mudaram quem eu era e quem eu me tornaria na década seguinte. Ele tinha sido um artista como eu. Ele tinha talento para continuar. A perda daquela luz brilhante e daquela personalidade foi como um corte profundo — e a indignação que senti — por essa essência ter sido arrancada dele — e depois daqueles ao seu redor, inclusive de mim — foi a base de “Engage”.
Por fim, meu amigo ficou gravemente doente, tanto mental quanto fisicamente. Quem conhece, sabe dessa ligação.
"Engage" se resumia a isto: meu amigo foi tirado de mim injustamente – e tudo o que eu queria fazer era gritar sobre isso.
Além disso, eu queria espancar os responsáveis ​​até o chão com a mesma violência que o tirou de nós. Eu não gosto de violência, então escrevi uma música.
Todos sabemos que a vida se torna incrivelmente turbulenta e incontrolável com o trauma, e somos atingidos por ele diariamente.
Vamos falar abertamente sobre isso. Vamos nos conectar. O ciclo continua e todos nós ainda precisamos gritar. Vamos gritar juntos.
Essa música se tornou maior do que a história do meu amigo. Maior do que a minha experiência. Tornou-se algo sobre o que todos nós estamos vivenciando coletivamente agora, no atual clima político. Algo que não pertence a ninguém individualmente e não está restrito a nenhum lugar específico. Algo que precisamos compartilhar.
"Engajar-se" tornou-se um assunto sobre o qual TODOS precisamos gritar aos quatro ventos. Estamos juntos nessa. Existe, sim, um coletivo. Ninguém está sozinho nesse sofrimento.
Devemos nos afirmar e proteger a nós mesmos e nossa individualidade das atrocidades que esta era nos privou. Todos merecemos recuperar o que perdemos e reconstruir a partir daí.
Agora, só espero que esta música nos inspire coragem e indignação justificada suficientes para lutarmos e recuperarmos o que é inerentemente nosso.
Quando Jimmie me apresentou a estrutura básica desta música, ficou imediatamente claro qual seria o tema. Era raiva, era crua – desprovida de falsas pretensões e disfarces. Soava para mim, ironicamente, como a liberdade que meu amigo nunca conseguiu alcançar completamente após seu retorno e, por sua vez, a liberdade que eu – e cada pessoa neste planeta – deveríamos ter. A música soava, pura e simplesmente, como a indignação deveria soar.
A letra e a melodia fluíram facilmente durante a composição desta música. Foi escrita mais rapidamente do que qualquer outra canção que já escrevi, dentre centenas. Isso não a torna melhor, é claro... mas prova que houve uma explosão urgente e reveladora de emoção e raiva em relação ao estado do mundo — e serviu como um aviso que eu queria dar aos meus entes queridos, mas que não conseguia articular em conversas por muitos anos.
2. Que mensagem transmite ao público?
Precisamos nos impor e nos proteger das atrocidades que esta era nos privou. Todos merecemos recuperar o que perdemos e reconstruir a partir daí. Agora, só espero que esta música nos inspire coragem e indignação justificada o suficiente para lutarmos e recuperarmos o que é inerentemente nosso.
Use a sua voz, faça-a ser ouvida.
3. Musicalmente, como você descreveria essa música?
Não tínhamos a intenção de mudar nada. Deus sabe que escrevemos isso sem muita intenção além de expressar o que sentíamos profundamente naquele momento.
Nós nos consideramos apenas nós mesmos... em um ambiente da indústria musical alimentado por besteiras das redes sociais, com rótulos de gênero conflitantes e hipócritas, não temos o menor interesse em nos rotular, apesar de as redes sociais exigirem que o façamos.
Somos uma banda de rock. Simples assim. Achamos interessante que as resenhas do nosso novo álbum classifiquem nosso som em um espectro tão amplo de gêneros, mas não nos surpreendemos.
Nós compomos a música e ela é enviada aos ouvidos do público.
Esperamos que eles apreciem a emoção que evoca e encontrem algo com que se identifiquem, mas certamente nunca tentamos nos encaixar em nenhum rótulo. Essa mentalidade nos causou muitos problemas no início, pois era difícil conseguir shows ao lado de um gênero específico. No entanto, depois de um tempo, ficou claro para o público e para os profissionais da indústria que somos tão diferentes em nosso som de rock particular — com grandes influências que vão do blues ao hardcore — que conseguimos transitar entre formações sem nenhum problema.
4. Qual é o posicionamento da banda Ridiculous Bitch na cena musical de Nova York?
Nascida das cinzas de vários projetos fracassados ​​ao longo de duas décadas, cada um de nós se estabeleceu individualmente como membro fiel e consagrado da cena underground de Nova York. Este projeto marcou a todos nós da banda, assim como o público que não sabia bem o que pensar de nós. Tornou-se nosso lar. A cena de Nova York está sempre mudando, mas nossos fãs são fiéis e constantes.
No atual cenário de música homogênea produzida em massa para burlar um algoritmo e agradar executivos da indústria fonográfica que não entendem nada do assunto, todos nós da banda tínhamos algo em comum, além do desejo de trabalhar juntos criativamente em um verdadeiro esforço colaborativo: compomos e tocamos sendo nós mesmos. A maioria de nós já tocou em tantas bandas que perdemos a conta. Mas podemos afirmar, sem dúvida, neste ponto da nossa trajetória, que este projeto é a realização que sempre sonhamos em ter.
5. Há mais alguma coisa interessante ou curiosa sobre o lançamento que você gostaria de destacar?
Recém-chegados de sua turnê no Japão e de uma breve temporada nos Estados Unidos com o Foxy Shazam, os favoritos do punk-rock-glam nova-iorquino, Ridiculous Bitch (RB ou Ridiculous B!tch nas redes sociais), acabaram de lançar os vídeos de seus singles, “Lost My Wife” e “Lady Sadie”. Esses singles, juntamente com um som mais pesado e algumas faixas apropriadas para os tempos atuais que, sem dúvida, farão sucesso, foram os dois primeiros lançamentos antes do novo álbum, 'Die About It', que incluirá a autoproclamada “balada mais maldosa já escrita” da banda, “Cry About It” (uma brincadeira com o título do novo álbum), Engage (um comentário social brilhantemente cativante e mordaz, repleto de riffs de guitarra que vão impressionar os amantes do rock) e o primeiro single de sucesso, “Lady Sadie” (que é praticamente o grunge rock nova-iorquino em sua essência).
A expectativa está aumentando para o lançamento do vinil do novo álbum, CRY ABOUT IT (1º de abril de 2026), que vem logo após o lançamento de seu álbum de estreia, GRANADA, em 2023.
O público que teve a sorte de assistir às prévias do novo álbum da banda no Japão, em fevereiro passado, e nos shows do Foxy no Gramercy Theatre, em Nova York, e no Brooklyn Bowl, na Filadélfia, teve uma pequena amostra. Mas se você teve a sorte de estar em Nova York no dia 3 de abril de 2026, o famoso Producer's Club apresentou uma prévia ao vivo dos vídeos mais recentes — e mais absurdos — da banda, juntamente com a estreia de algumas faixas inéditas para celebrar o lançamento do álbum completo "Die About It".
Já disponível em todas as plataformas de streaming, o álbum em vinil será lançado no final do verão de 2026, acompanhado de um novo videoclipe para a visceral e impactante faixa "Cry About It". Até que o formato físico chegue e as datas da turnê de outono de 2026 sejam anunciadas, os fãs podem ouvir e assistir aos singles e vídeos em todas as principais plataformas de streaming e ouvir o novo álbum completo do Ridiculous Bitch, "Die About It", na íntegra, em formato digital.
Prepare-se para a energia teatral exagerada e absurda que é a marca registrada da banda nova-iorquina, visuais extravagantes e a voz crua e atrevida de Karen Xerri.
A revista New Noise afirma: "A banda Ridiculous Bitch, de Nova York, é o grupo mais memorável que encontramos nos últimos tempos – fazendo jus ao seu nome audacioso com um estilo musical que é uma mistura de punk, grunge nova-iorquino e rock 'n' roll glamoroso."

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➔ Stale Jan - "When You Slip" - (NORUEGA)
1. Qual é a mensagem da música?
A música é um comentário e uma declaração, escrita da perspectiva de uma pessoa no poder que se cerca de bajuladores obedientes. A solidão no topo pode fazer você perder a perspectiva, e a queda - quando você (eventualmente) escorrega - como em cair em desgraça/cair da sua posição, a queda será difícil.
Atualmente, funciona como um comentário sobre notícias recentes.
2. O que inspirou a composição?
A ascensão do totalitarismo e o estilo vocal de Joe Strummer do The Clash!
3. Em relação à produção musical, como foi o processo?
A música estava "escondida" no meu DAW há quase um ano. Tudo começou com a letra e o riff de guitarra principal, que originalmente era tocado triplicado, com eco e processado com delays complexos, criando um frenesi de guitarra massivo. Legal, mas parecia demais, então eu simplifiquei, em busca de um som mais limpo e acessível. A parte um pouco abafada, mas ainda frenética, perto do final simboliza um líder que enlouqueceu (uma expressão viking para descontrolado, insano), como um elefante solto em uma casa de classe.
4. Qual a influência do seu país, a Noruega, na música?
Acho que o estilo de intimidação de homens implacáveis ​​no poder é algo tão repudiado pela maioria dos noruegueses que todos nós podemos nos identificar com essa letra.
5. Há algo interessante sobre o lançamento que você gostaria de destacar?
Sim, a faixa será lançada junto com nosso próximo lançamento, “Bully Me”, que sai dia 29 de fevereiro. A letra da música segue o mesmo tema, mas da perspectiva de alguém que vê sua amiga agressora ter sucesso, enquanto os “mocinhos” não conseguem o mesmo tipo de “sucesso”.

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